El Greco, «La visión de San Juan». Fragmento.

Se cumplen cuatrocientos años de la muerte de Dominikos Theotokopoulos,  llamado el Greco. El siete de abril de 1614, en Toledo, expira el pintor que nació en la isla de Creta, en la actual Heraklión. Aún ahora el Greco es un personaje del que se sabe más bien poco; con el paso del tiempo su pintura se ha ido revalorizando y hoy se le considera el precursor del realismo y del impresionismo. Cuando nace en Creta, esta isla pertenecía a la República veneciana, por lo que era lógico que, convertido en maestro pintor de iconos muy valorado por su dominio de la pintura bizantina, se trasladara a Venecia y porteriormente a Roma. En Venecia trabaja en el taller de Tiziano junto con Tintoretto y conoce al Veronés; allí bebió de las fuentes renacentistas, con especial predilección por el manierismo. En Roma consigue formar parte del grupo de artistas auspiciados por el cardenal Alejandro Farnesio. Cabe destacar el hecho extraordinario de pasar de la pintura posbizantina a  la pintura occidental, para llegar a convertirse en un  pintor renacentista italiano. De la escuela veneciana aprendió la técnica al óleo y la riqueza de luz y colorido, la  síntesis colorista peculiar que convierte su paleta en algo prodigioso; de Roma,  una concepción de la figura netamente manierista.

Este fragmento es rabiosamente actual y las figuras nos llevan a las bañistas de Cézanne, Matisse; el abandono de la proporción, el movimiento exacerbado, lo dramático en lugar de lo descriptivo, la idealización de las formas alargadas y la brillantez de sus colores hacen del Greco el mejor pintor del siglo XVII en España.

Esta obra se encuentra en  The Metropolitan Museum of Art, N.Y. 222,3 x 193 cm.

Toulouse-Lautrec, «Yvette saludando al público». Museo de Albi. Francia.

El aristócrata Henri de Toulouse-Lautrec retrató como nadie el París de la belle  époque; sus temas fueron las carreras de caballos, las bailarinas del can-can del Moulin Rouge, las del café-concert, el mundo del circo y el ambiente de los burdeles y la vida nocturna de los elegantes. Admirador de Degas, su pintura tiene su apogeo alrededor de 1895. Fue el poeta y chansonnier Aristide Bruant, que cantaba en el cabaret «Le Mirliton», quien le introduce en la vida nocturna de Montmartre; luego se hizo asiduo del Moulin Rouge, que inmortalizó en varias obras y carteles. Para las bailarinas Jane Avril, May Belfort, May Milton e Yvette Guilbert realizó una serie de carteles fantásticos utilizando la litografía en colores, que revolucionó totalmente. A pesar de su corta vida, murió a los treinta y siete años, su obra es de importancia capital por su calidad y por retratar el París de fin de siglo; un solo cuadro como «La toilette» (Museo de Orsay) bastaría para situarlo entre los mejores de su generación de por sí brillantísima.

Genial este retrato de «Ivette saludando al público», que no cesó de ovacionarla durante cincuenta años. Se encuentra en el Museo Toulouse-Lautrec de Albi, lugar de nacimiento del artista.

A. Rodin, «La Danaïde». Escultura en mármol. Museo Rodin, París.

Rodin, el padre de la escultura moderna, como Miguel Angel dejó «inacabadas» algunas de sus obras, abandonadas, incompletas, saliendo de la materia en el acto en el que cualquier ser sale al mundo exterior desde el útero, aquí de la piedra, del mármol, fijando para el infinito el momento, el acto mismo de la creación.

Camille Pissarro fue uno de los artistas impresionistas mejor dotados. Nacido en las Pequeñas Antillas en el seno de una familia de origen portugués, estudió en Francia y, en vista de su decidida vocación artística, su padre le envió a París, donde Corot le aconsejó sobre la pintura paisajística por la que se sentía atraído. En la Academie Suïsse conoció a Monet y a sus amigos. Residió en Pontoise antes y después de la Gran Guerra y con Monet y Renoir salía a pintar los paisajes de Bougival. En su quehacer pictórico fue un espíritu inquieto que adoptó el impresionismo buscando «la vibración de la luz», aunque investigó el divisionismo y el puntillismo para definitivamente seguir por el camino iniciado, donde la luz es sujeto fundamental. Expuso con los impresionistas, pero fue la que realizó en la Galería Dural-Ruel en 1892 la que lo consagró.

Al año siguiente comenzó a pintar desde un balcón de un piso en alto, iniciando sus series de vistas «plongeantes» (desde arriba) de París. De esta manera, Pissarro aporta unas perspectivas nuevas de los bulevares, de los quais, del Sena, de gentes paseando, con los coches y ómnibus; visiones nocturnas con farolas de gas iluminando un rincón … Su aportación al paisaje urbano es evidente, esa visión de picado casi fotográfica es muy novedosa; aunque también los compaginó con los paisajes rurales, huertos y frutales en flor hasta su muerte en 1903.

 Camille Pissarro, «Le Pont Royal et Le Louvre». Óleo sobre tela. Su obra se puede contemplar en el Musée d’Orsay.

Manet, «Olympia». 1863. Óleo sobre tela. Museo de Orsay. París

En las Tullerías, se hallaba el Jeu de Paume, donde se encontraba reunida la pintura de los impresionistas; era, para todo el que llegaba a París en los años setenta, «el museo de los impresionistas».

Después la colección pasó al otro lado del Sena en la remozada antigua estación de Orsay, donde la podemos contemplar hoy. La primera vez que vi «Olympia» de Manet fue en el Jeu de Paume. Recuerdo que en la Planta baja de aquel delicioso palacete, tan fácil de recorrer por sus dimensiones, y como bienvenida, se encontraba el «Déjeuner sur l’herbe» de Manet, enorme, que nos dejaba sin aliento. Esta obra maestra, de riguroso realismo, con el desnudo de la modelo Victorine Meurend sentada entre los los dos varones vestidos, era tremendamente impactante. Esta obra y el desnudo de «Olympia», pintada en 1863, expuestos en 1865 en la galería Martinet y después en el «Salón des Réfusés», causaron un gran escándalo. Para la «Olympia» la modelo fue la misma (Victorine Meurend) y representa a una joven cortesana desnuda recibiendo un ramo de flores que trae una sirvienta negra. La belleza y la delicadeza del trazo del cuerpo, el contraste con el chal y el blanco de las sábanas con el tono rosado de carnalidad, la luminosidad de los tonos claros de los almohadones crean una de las obras maestras más admiradas de Manet.

En 1890 Claude Monet, admirador de esta obra, abrió una suscripción pública para ofrecer esta obra al Estado francés que no ingresó en el Louvre hasta que Clemenceau lo ordenó  (Jeu de Paume) en 1907. Debo aclarar que la obra contemporánea que pertenece al Louvre no estuvo ni está expuesta en sus salas.