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Los dólmenes de Antequera: El dolmen de Menga I

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Entrada al dolmen de Menga. Foto: Bárbara

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Corredor. Foto: Bárbara

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Ortostatos y pilar: Foto: Bárbara

 

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Pilar. Foto: Bárbara

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Parte de la cubierta. Foto: Bárbara

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Pilar. Foto: Bárbara

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Pilar y ostostatos laterales. Foto: Bárbara

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Corredor. Foto: Bárbara

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Pozo. Foto: Bárbara

Para los amantes de la Prehistoria como yo, entrar en el dolmen de Menga es entrar en un santuario. Este monumento megalítico vienen datándolo los arqueólogos entre el 4.500 y el 2.200 a. C. Su estructura está formada por grandes losas de piedra verticales (ortostatos) que conforman un corredor que desemboca en una cámara semicircular. El techo del monumento esta formado por losas llamadas cubiertas. Lo sorprendente, aparte del enorme tamaño de las piedras, es que están unidas sin ningún tipo de argamasa o mortero, es decir a piedra seca. Todo el conjunto está cubierto por un túmulo  artificial de tierra y piedras que lo cubría casi por completo, de manera que desde el exterior no se veía. El corredor está formado por cuatro ortostatos a ambos lados formando un pasillo que desemboca en la cámara de forma alargada y oval formada por siete ortostatos y una gran losa al fondo. Los ortostatos pueden medir hasta los 4,7 metros de altura más el metro introducido en la zanja de cimentación con un grosor de metro y medio más o menos. Las losas de la cubierta pueden pesar hasta 250 toneladas, de ahí los pilares que las soportan. Estos pilares no son frecuentes en el megalitismo europeo. Y aunque por su aspecto pudiera concebirse una utilidad más de habitación, en realidad la función del dolmen de Menga era de carácter funerario, pues allí se depositaban restos humanos, es decir, enterramientos de carácter colectivo. El pozo que se haya al fondo tiene una profundidad de 19,50 metros y aún hoy se discute su función y cronología. La gran pregunta que uno se hace es: ¿Cómo se pudo hacer sin la tecnología actual? ¿Como se pudieron mover esas enormes piedras?

 

La Catedral de Guadix

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Cúpula: Foto: Aurelio

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. Una de las naves laterales. Foto: Aurelio

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Órgano y parte del coro. Foto:Bárbara

 

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Retablo y parte de la nave Central. Foto: Bárbara

 

Al margen de las creencias religiosas de cada cual, las riquezas artísticas que encierran las catedrales hacen que las visitas a esos lugares de culto nos deparen sorpresas extraordinarias como las del post precedente. La belleza de esta catedral de Guadix queda patente desde la cúpula al coro con unas tallas muy bellas y una nave central imponente. Todo el conjunto, incluido el palacio episcopal y el museo merecen una visita sosegada, sin prisas. Guadix, todo hay que decirlo, para los que desconozcan el dato, es una ciudad de la provincia de Granada. La catedral es de estilo gótico, renacentista, manierista, barroco y neoclásico; el nuevo templo se inició en el año 1492, año de la conquista de Granada, y la totalidad de la construcción abarca hasta el siglo XVIII. En su inicio se aprovechó la construcción de la Mezquita Mayor, cosa muy habitual por otra parte. La nueva catedral se fue ampliando, añadiéndole nuevos elementos. El interior se divide en tres naves separadas por pilares que sujetan arcos, crucero y cabecera acompañada de la capilla mayor. Todos estos espacios se cubren con bóveda de crucería, exceptuando la capilla mayor, cubierta por cúpula sobre pechinas situada entre el altar mayor y el crucero con claraboyas. Diego de Siloé colabora en la adopción de los elementos renacentistas, pero también se señala a los arquitectos Juan de Vega, Blas Antonio Delgado, Vicente Acero y otros que colaboraron en las distintas etapas. Un hecho a destacar en estas tierras de Al Alandalus es que, con la rebelión de los moriscos y su posterior expulsión, las obras se paralizaron hasta finales del siglo XVI.

La “Piedad” de Miguel Ángel de Guadix

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Copia de la Piedad de Miguel Ángel, de autor desconocido y restaurada por Mª Ángeles Lázaro Guil. Foto: Bárbara

En la catedral de Guadix uno, de pronto, se encuentra con esta copia de la Piedad de Miguel Ángel realizada por un autor desconocido y reproducida mediante el sacado de puntos de la original. Toda la documentación sobre la talla desapareció, pero el espectador desprevenido no deja de extasiarse ante tamaña belleza. También es sorprendente la historia de esta escultura realizada en mármol de Carrara, al igual que la original, de 174 cm de altura sin la base; la de Miguel Ángel es de 195 cm que, como todo el mundo sabe, se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano.  La escultura se finalizó por un segundo procedimiento de talla directa. Pero vayamos por partes, esta copia, antes de su instalación en la Catedral de Guadix donde hoy se puede admirar, se encontraba en un principio, en la parroquia de Santiago de la misma localidad. Durante la guerra civil, en 1936 fue bárbaramente destruida y, como hemos dicho, quemados los archivos y de la firma del autor en la base solo se lee”querceta”. Lo más curioso es que fue expuesta al público por vez primera en El Salón de Arte de Bolonia en el año 1930 y galardonada con el primer premio. El cónsul de España en Bolonia adquirió la obra con la intención de trasladarla a Guadix, su ciudad natal. Allí permaneció hasta la guerra y después sus restos permanecieron en el patio de la iglesia de Santiago hasta que se inicia la dificilísima restauración a cargo de Mª. Ángeles Lázaro Guil; tamaña empresa era de enorme magnitud, ya que algunos trozos habían desaparecido y además Miguel Ángel procedía a esculpir tallando directamente, de modo que esta artista, partiendo de que el copista utilizó el sistema de sacado de puntos con medición octogonal, utiliza asimismo la talla directa teniendo que reponer más de un 35% del total de la obra. Fue en abril de 2001 cuando los restos se llevaron al taller de la escultora, quien tuvo que recolocar todas las piezas y tallar lo que faltaba, hacer la ficha técnica y poner todo su arte al servicio de esta extraordinaria escultura. Sin duda un acto de amor y de respeto fiel que se traduce en el  hermoso resultado final. Trabajo que finalizó en diciembre del mismo año: algo increíble.

Si pasan por Guadix, no dejen de ver la hermosa catedral con un coro bellísimo y esta obra fruto de la pasión por el arte con mayúsculas.

En la actualidad Mª Ángeles Lázaro Guil reside en Toulouse donde tiene su taller. Nacida en Almería en 1959, ha tenido otros talleres en la Comarca del mármol de Macael en Almería y en la Comarca de Guadix

Marlene Dumas

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“Por quién doblan las campanas”, 2008. Interpretación de Ingrid Bergman en una escena de la pelicula

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“Medir su propia tumba”, 2003

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“Blanco roto”, 2006

 

Marlene Dumas es una artista sudafricana nacida en Ciudad del Cabo en 1953; su vida se dasarrolla en África y en los Países Bajos donde se traslada becada por dos años. Su lengua materna es el afrikáans y la realidad del continente prevalece como una segunda piel: están ahí el apartheid y el colonialismo que se manifiestan en su obra de forma permanente. El cuerpo humano y la psicología penetran en la consideración del individuo en los límites extremos del ciclo de la vida; sus imágenes las toma directamente de fotografías y de periódicos y nada es superfluo. El individuo, despojado de cualquier referencia histórica, está solo ante su condición, la soledad, el sufrimiento y la muerte; por todo ello su arte no es complaciente ni busca la belleza, crea desasosiego y es un espejo ante el que nos miramos. Las obras producidas durante treinta años fueron objeto de una exposición retrospectiva entre 2007 y 2009 bajo el título de “Relaciones Intimas”. Su obra fue inicialmente reconocida en Japón. En 1998 recibió el Premio Sandberg, el Premio de Arte Contemporáneo Coutts y el Príncipe Bernhard. En 2010 la Universidad de Rhodes Grahammstown en Sudáfrica le otorga el doctorado honorario de la Facultad de Humanidades y en el 2011 el Premio Rof Choque. Sus creaciones están en los mejores museos del mundo y en las colecciones de instituciones internacionales como el Centro Pompidou en París o la Tate Gallery.  Sería demasiado prolijo enumerar todas las exposiciones internacionales en las que ha participado y en los Museos en los que su obra ha sido expuesta temporalmente. Después de la muerte de su madre, acaecida en 2007, utiliza la imagen de grandes actrices de la cinematografía del siglo XX, como Ingrid Bergman o Anna Magnani como autenticas “Pietas” para expresar el dolor de una pérdida.  En la actualidad reside en Ámsterdam donde continua su labor artística.  Desde su percepción, esta magnífica artista, con sus imágenes desdibujadas, de color primario, desenfocadas nos alerta sobre el sufrimiento y la nostalgia, la perdida irreparable que trasciende lo individual para llevarnos a lo universal. La representación del cuerpo femenino es también una obsesión como parte de la comercialización a que se ve sometido, así como cualquier otro aspecto de nuestras vidas en la sociedad actual.  Una grandísima artista, una gran mujer.

Las flores de Mondrian

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Piet Mondrian. “Dalia roja”

 

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Piet Mondrian. “Crisantemo”

 

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Piet Mondrian. “Crisantemo”

 

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Piet Mondrian. “Crisantemo”

Entre 1907 al 1910 Mondrian realiza sobre papel, con tintas y acuarelas, una serie de obras con el tema recurrente del crisantemo y alguna que otra dalia, como la primera aquí reproducida. Su  gran sensibilidad queda bien patente por la delicadeza, la limpieza de ejecución y el sutil manejo del color. Quien no conozca esta serie, posiblemente se sorprenda, pero siempre digo que, en la trayectoria de cualquier artista, la simple investigación, el recorrido profesional le lleva en diferentes direcciones hasta encontrar el camino propio: En cualquier caso, encontrarme con estas acuarelas me ha producido la misma satisfacción que cuando pude ver las hermosas acuarelas de Rodin en su Museo de París, porque Mondrian es conocido por sus abstracciones geométricas de los años 1919 a 1944, composiciones no figurativas de formas rectangulares y cuadradas en rojos, amarillos, azules y blancos separadas por lineas negras. Por ello, algunos ven en esos dibujos y estudios de flores, un posible antecedente en cuanto le interesa cada flor  como una unidad separada y por su forma geométrica particular, sin duda.

COMPOSICIÓN Nº V

Piet Mondrian.

En esta obra posterior ya es bien patente el cambio producido.

 

Judith Leyster

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“Joven tocando la flauta”, c. 1635. Óleo sobre lienzo. National Museum, Estocolmo.

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“Un niño y una niña con un gato y una anguila”. Óleo sobre tabla, 59 x 49. National Gallery, Londres

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“Joven con jarra”, 1633. Óleo sobre tabla, 31 x 21. Colección privada.

Nacida en Holanda (Haarlem, 1609) en el seno de una familia numerosa de comerciantes y productores de cerveza, destacó a edad muy temprana por sus dotes artísticas; de hecho es una de las pocas pintoras que con diecinueve años se ganaba la vida profesionalmente con la pintura, algo poco frecuente en el siglo XVII y como tal es mencionada en un libro del cronista oficial de Haarlem en 1628. No se sabe con certeza cuales fueron sus maestros ni que siquiera lo fuera Frans Hals del que, sin duda, tiene gran influencia, del mismo modo que de su hermano Dirck Hals; lo cierto es que de ser así debió de ser antes de 1629, que es cuando ella comienza a firmar y fechar sus obras y ya trabajaba como artista independiente. Sobre esas fechas más o menos la familia se traslada a Utrecht, donde probablemente recibió la influencia de Caravaggio. Todo lo anterior es para situar mejor la obra de esta artista independiente, de habilidad asombrosa para su juventud. Alrededor de 1633 Judith Leyster era ya miembro del gremio de pintores de Haarlem, siendo la primera mujer admitida como maestra. Durante los años siguientes alcanzó un gran éxito profesional. Su obra se centró sobre todo en obras de género, retratos y bodegones. Se casó con un pintor, alumno de Frans Hals, Jan Miense Milenaer, con menos talento que ella y que la fagocitó de alguna manera (el eterno problema), porque a partir de ahí, 1640, siguió pintando en colaboración con su marido, pero sin firmar las obras. ¡Qué mal llevan los maridos que sus mujeres sobresalgan y sean mejores que ellos!

La pareja simultaneaba su vida en Heemstede, cerca de Haarlem, y en Amsterdam, donde tenían otra casa. Tuvieron cinco hijos. Murió en 1660 y está enterrada en Heemstede. Con el tiempo su obra fue olvidada hasta que el Museo del Louvre, en 1893, descubrió una pintura con su firma, J L, sus iniciales, y una estrella de cinco puntas (siempre firmaba así) oculta bajo la firma falsa de Frans Hals. La historia está llena de esas manipulaciones, robos de autorías y el peor de los maltratos: silenciar el talento de las mujeres.

Su pincelada suelta, libre, espontánea, su composición y temas se asemejan a la pintura de los Hals, hecho que sin duda propició el robo y el expolio de su obra. En las escenas domésticas, la artista supo imprimir un estilo más personal que no aparecería en la pintura holandesa hasta mediados de siglo. En 1993  se restableció su merecido lugar en la historia del arte gracias a una retrospectiva que le dedicó el National Museum of Woman in the Arts de Washington.

 

 

 

 

Georgia O’Keefe

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Lirio Blanco. 1930

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Calas. 1924

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Iris negro III. 1926

Pintora americana nacida en Winsconsin en 1887. Muy pronto decide dedicarse a la pintura por lo que pasa un año en el Art Institute de Chicago, para después inscribirse en el Art Student League de Nueva York donde destacó por su realismo imitativo. Son famosas sobre todo sus naturalezas muertas y sus flores gigantescas en primer plano relacionadas con la sexualidad femenina. Esa manera de aproximación al sexo femenino le hizo mostrar indirectamente toda la sensualidad y belleza, incluso lírica, de sus hermosas flores con delicadas transparencias. Misterio y realismo figurativo unido a una gran sensibilidad hacen de esta artista quizás la más reconocida de América. Estuvo unos años enseñando en Texas, pero su gran descubrimiento fue México, país al que volvió una y otra vez hasta su instalación definitiva. En 1916 conoce al fotógrafo y galerista estadounidense Alfred Stieglitz con quien se casa; un año después de conocerlo, expone individualmente en su galería; su marido fue su máximo admirador y defensor hasta la muerte de este en 1946. Otros temas recurrentes en su obra son los paisajes mexicanos y las calaveras de vacas, todo siempre con esa imagen aproximativa de gran fuerza. Tras la muerte de su marido, Georgia se instala en su querido Nuevo México, donde siguió pintando hasta los años setenta cuando comenzó a perder la vista; sin embargo esto no frenó su impulso creativo, volcándose en el modelado en arcilla. Murió con noventa y nueve años de edad.