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Espacio Van Gogh, en Arles

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Foto, Bárbara

El espacio Van Gogh en Arles, en la Provenza, contiene el “Autorretrato con pipa” de Vincent Van Gogh y el “Autorretrato con Sombrero de paja” . Pasear por Arles es seguir las huella del pintor y sentirlo en todos los rincones, plazas y callejuelas; es asomarse al Ródano y cruzar a la otra orilla. Es sentarse en la plaza del Ayuntamiento, la plaza de la República, y ver pasar volando a los cuervos. Ir a la plaza del Forum y sentarse en un bar mientras en el café Van Gogh te lo imaginas pintando ” La noche estrellada”. Luego, tras esta parada, subir hasta el anfiteatro romano y descubrir intacta su belleza… Todo esto y más es ir a Arles porque a las afueras te espera “Le pont Langlois” que pintara tantas veces y que sigue igual y si cierras los ojos hasta puedes ver a las lavanderas que hacen su trabajo a la orilla del río.

El mobiliario de Gaudí, otra maravilla

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Todos conocemos las obras arquitectónicas del genial Gaudí, pero el mobiliario que creara no le va a la zaga. Las sillas, el banco, cualquier objeto del un ajuar doméstico lo trataba como una obra de arte. Así el interior de la casa Batlló igual que hiciera en la Pedrera están tratados con un mimo y una genialidad desbordante; cualquier detalle por nimio que nos parezca están diseñados con esa perfección única. Mi total admiración por este genio universal.

Fotos, Bárbara

Matisse, sus bodegones

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Matisse, bodegón.

Los bodegones de Matisse me gustan muchísimo al contrario que alguno de sus interiores con figura que no me dicen nada, La disposición de los objetos que conforman el bodegón aunque dispuestos de forma aleatoria, consiguen un equilibrio, compensan la composición aunque a primera vista parecen puestos al tuntúm. El color rojo, plano del fondo contribuye a ello y se enriquece con el rojo anaranjado, matizado, de esa bandeja levantada que refuerza el jarrón que tiene delante. Como un prestidigitador juega con nosotros y consigue que el resultados nos deje bouche bée, con la boca abierta. Y nos dan ganas, como si de una pantalla táctil se tratara, de darle de un lado para otro por ver qué más hay. ¡Y todo ello con una simplicidad de líneas pasmosa!

Lyonel Feininger, su trayectoria

 

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Museo Thyssen- Bornemisza

FEININGER, Lyonel_Barcos, 1917_544 (1967.2)

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Pintor neoyorquino nacido en el verano de 1871 fue uno de los máximos exponentes del expresionismo alemán. De origen germano-estadounidense, sus padres eran músicos alemanes, la familia decidió que fuera a Alemania a estudiar violín. Toda su vida compaginó la música con la pintura. En Alemania decidió abandonar sus estudios en el conservatorio para inscribirse en Hamburgo en Bellas Artes. En 1888, año en el que Vincent Van Gogh llega a la Provenza, él se traslada a Berlín para seguir sus estudios en la Academia Konigliche. Se traslada a París en 1892, donde amplió sus estudios con el escultor Filippo Calarossi. Allí permaneció un año volviendo a Berlín y dedicándose a la ilustración de novelas y en donde publicó sus dibujos para la revista satírica Ulk y para una revista norteamericana, Harspe’s Round Table. En 1906 volvió a París con Julia Berg, con la que se casó en Londres dos años después. Y, aunque siguió haciendo ilustraciones, el contacto con las vanguardias alemanas y francesas le llevó a dejar la ilustración para dedicarse a la pintura. Inicialmente estuvo muy influido por el Fauvismo y el Cubismo, dentro de cuyos movimientos creó composiciones con formas geométricas y un colorido muy particular, como en su obra “Carrerra de bicicletas” de 1912, hoy en la Nationale Gallery of Art de Washington DC. Expuso en el “Salon des Indépendants” de París en 1911, lo que le permitió ser conocido en toda Europa. Expuso después con grupos de vanguardia, como Der Blaue Reiter o Die Brucke. Hizo su primera exposición individual en 1917. Gropius le invitó a participar en la Bauhaus, donde estuvo dando clases hasta 1932. Tuvo una excelente amistad con Kandinsky, Paul Klee y Jawlensky, y con ellos fundó el grupo los Cuatro Azules, que expuso por primera vez en N.Y. en 1925. Con la invasión nazi se trasladó a N.Y. donde residió hasta su muerte en enero de 1856. En el MoMA se exhibe su obra, siendo su etapa cubista la más representativa.

Cuadros; 1) Bahía en Normandía. 2) Forma geométrica. 3) Barcos. 4) Sails.

Último retrato de mamá

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Retrato, Bárbara, óleo sobre lienzo. Fotografía Aurelio Serrano.

Mamá hubiera cumplido en abril de este año los 91. Este fue el último retrato que le hice. Entonces debía tener alrededor de los setenta y cinco años, y recuerdo sus palabras como si la estuviera oyendo: “Cuando me dé el bajón, será de golpe”. Y tenía razón, se conservó estupendamente a pesar de sus años, que no aparentaba. “El bajón” al que ella se refería era aparentar realmente los años que tenía. Y aun así, conservó su belleza en la madurez.

Las “Grandes ” de Montmartre (II)

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Una calle de Montmartre, foto Bárbara.

Como ya dije en un post anterior, hablando de las mujeres importantes que jugaron un papel en el Montmartre de aquellos años dorados de “La Butte”, hay que destacar además a Suzanne Valadon y a Mary Cassatt. Dos fuertes personalidades, cada una en su estilo

De Suzanne Valadon, como ya dije en su momento en un post, comenzó, por su belleza, como modelo de pintores como Renoir, Degas, Toulouse Lautrec…, pero su talento la llevó a realizar su primera exposición en la galería de Berthe Well. Su pintura es fuerte e innovadora, dedicándose con pasión al desnudo sobre todo masculino, algo nada frecuente en aquellos años para una pintora. Se la recuerda así mismo por sus excentricidades, qué menos en aquella época en que las mujeres estaban tan constreñidas. Se dice que tenía una cabra en su estudio y que abandonó a su marido, un rico banquero, para tener una pareja veinte años más joven que ella.

Mary Cassatt por su parte fue una importante mecenas, además de artista. El hecho de que en EEUU haya tantas obras impresionistas, se debe a su labor como intermediaria entre los pintores y las familias adineradas norteamericanas. Su relación con Degas fue clara e importante, pues no solo posó para él, sino que trabajaron juntos intercambiando sus respectivas experiencias como pintores. Está considerada una de las mejores grabadoras del siglo XIX, pero a pesar de ello no pudo entrar en la Academia de Bellas Artes por sus desnudos masculinos, ya que tenían vetadas a las mujeres que pintaban esas “cosas”. Mon Dieu, quel horreur!

Restauración de Notre-Dame según Fran Canós

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El 15 de abril de 2019 se produjo el incendio que conmovió a todo el mundo. Tres meses después, la plataforma mundial GoArchitec seleccionó los 50 mejores proyectos para la restauración de la catedral, el monumento más visitado de Europa. Ahora, entre los diez favoritos, se encuentra el de Fran Canós (Nules, Castellón), un joven ingeniero de diseño industrial, según el diario The Independent. Impresionado por el incendio, se puso a trabajar al día siguiente. Según sus propias palabras: “Recuerdo que era viernes, acabé de trabajar por la tarde… y empecé a imaginar lo que debería hacer el arquitecto: atacar los contrafuertes, hacer algún tejido… una armadura de piedra natural que fuera por encima de la cubierta y que simbolizara proteger Notre-Dame… ” Y añade: “Yo prefiero toda la historia de Notre-Dame con aplicaciones que permite la tecnología actual para la piedra y la madera, otros prefieren cristal o aluminio, pero no lo veo oportuno”. Efectivamente, como añade, la catedral y la historia merecen un respeto. Además su idea es hacer la aguja de Viollet-le-Duc tal como era me parece destacable. Ese bellísimo trenzado que lleva su proyecto curvando la piedra ahora se puede hacer, porque él trabaja con una empresa francesa que lo hace, que realiza esta técnica. Para todo ello habría que hacer un análisis de estructuras, siempre según Canós. Este trenzado se ve perfectamente en la primera fotografía, cuyo resultado es muy bello. En Fran Canós Studio creen que la catedral debe ser reconstruida tal y como estaba, utilizando los mismos materiales de madera y piedra, aunque aplicando los avances técnicos y el diseño, como se hizo en 1163 cuando se construyó.. La aguja de Viollet-le-Duc data de 1844.

El proyecto de Canós lo encuentro fascinante y bellísimo, al tiempo que supone un respeto hacia la historia, anteponiéndolo a todo y sin ánimo de dejar “su firma” por encima de cualquier cosa, como pretenderían muchos profesionales. Aplaudo fervientemente su proyecto.

Las “grandes” de Montmartre (I)

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Una calle de Montmartre, foto, Bárbara.

En la época dorada de Montmartre también existieron importantísimas mujeres que, como siempre, quedaron eclipsadas por sus maridos, amantes… Entre ellas están Misia Sert, Berthe Weill, Suzanne Valadon y Mary Cassat; no obstante, que sirva esto como un pequeño homenaje a otras tantas que sufrieron su condición de mujer.

Misia Sert fue descrita por Jean Cocteau como una mujer “con talento para reírse y para colocar a cada uno en su sitio”. No parece mucho, pero no deja de ser una opinión masculina, de un amigo, sí, pero sesgada. Porque Misia Sert además, con su mecenazgo, ayudó de forma principal a que alguno de los grandes pintores como Renoir, al que le extendió un cheque en blanco, pudiera realizar su obra. Hija de padre escultor y madre chelista se crió en un ambiente familiar plenamente artístico. Muy joven se fue a Londres; muy inteligente tenía el don de percibir el genio de otros antes de que se abrieran paso en el mundo del arte; ayudó a sus amigos entre los que se encontraban Coco Chanel, Diaghilev y el ya citado Cocteau. Tuvo varias parejas y finalmente se casó con el arquitecto catalán Josep María Sert, cuyo matrimonio fue una relación de mutua admiración y apoyo, y cuando apareció en sus vidas Roussy Madivani, ayudante de Sert, se convirtió en lo que hay llamamos una relación poliamorosa.

Berthe Weill es la primera galerista de la historia; tenía un olfato muy sutil para distinguir las obras falsas de las verdaderas. Su actividad se inicia en una pequeña librería que después le permitió abrir una tienda de arte; su hermano la ayudó económicamente hasta que se pudo independizar de él y abrir su galería, a la que llamó “B. Weill” debido a que en aquella época tan machista no hubiera tenido éxito. Apoyó a Toulouse-Lautrec en sus comienzos y tuvo con Picasso una relación curiosa; ella le vendió obras de la época azul, pero como tardaba en pagarle, según cuentan él la llegó a amenazar con una pistola: eran tiempos difíciles. Expone por primera vez a los fauvistas Matisse y Marquet, apuesta por el cubismo y también por las mujeres. Vende por primera vez a los grandes pintores,es ella quien los lanza a la fama. Otros marchantes, hombres más poderosos, le chafan el negocio hasta que descubre y lanza, antes de morir, a Modigliani.

Nota aclaratoria: José María Sert era pintor y el marido de Misia y yo lo he confundido con el arquitecto José Luis Sert, pido disculpas por el error.

Fernando Zóbel o el preciosismo en la acuarela

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Fernando Zóbel fue uno de los fundadores del Museo de Arte Abstracto de Cuenca, parada obligada para todo aquel que visite la ciudad. Ubicado en la parte alta, dicho museo es en sí mismo una obra, no se si de arte, pero ha sabido incorporar el paisaje dentro del edificio a través de unas ventanas altas que hacen el efecto de ser un todo. El principio que rige la arquitectura de que esta debe aportar al entorno algo sin estorbarlo, de modo que sume, pero que jamás reste, se produce de manera natural y de forma tan bella que el visitante a veces no sabe si está dentro o fuera, de tal modo que recorrerlo es una delicia. Las acuarelas de Zóbel demuestran la maestría de este pintor nacido en Manila y apasionado de Cuenca. En un post anterior se pueden encontrar los datos biográficos de este pintor al que admiro como uno de los mejores acuarelistas por la limpieza y ejecución de esta forma de hacer arte tan difícil como es la acuarela.

Aurelio Serrano Ortiz, escultor

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Escultura en madera, sin titulo

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Escultura en piedra, sin titulo

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Torso. “Homenaje a Elisa Séiquer”, escultura en piedra.

Expuestas en el Colegio de Arquitectos de Murcia, en 1987, en la exposición colectiva “Pintura y Escultura”, subvencionada por la Consejería de Educación y Cultura de la Comunidad. Los trabajos de Aurelio, tanto en piedra como en madera, se ciñen al material que trabaja en función de los objetivos que persigue; de modo que mima la superficie de la madera, puliéndola como una piel que se adapta a las volúmenes que va creando. y su tacto es como una caricia que invita a recorrerlas con las manos. La piedra la trabaja sin obviar las propias características de rugosidad y rudeza volumétrica que potencian las propias características del objetivo de fuerza que pretende y consigue.