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El Gran Hotel modernista de Cartagena

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Entrada del Gran Hotel. Foto: Bárbara

El Gran Hotel está considerado como el mejor edificio modernista de Victor Beltrí y el más importante de la Región de Murcia y de todo el país; posiblemente la mejor obra de Beltrí, que fue inaugurada en 1916. El edificio fue encargado, en primera instancia, al arquitecto Tomás Rico por el empresario Celestino Martínez Vidal con el fin de habitar en él; al producirse el fallecimiento de este a los pocos años de iniciarse las obras y casi al mismo tiempo el del arquitecto, se hizo cargo del proyecto Victor Beltrí con el deseo de los hijos del propietario de convertirlo en un hotel. Las obras empezaron en 1907 y finalizaron en 1916 fecha en que se inauguró este magnífico y bellísimo edificio que consta de dos sótanos, bajo y seis plantas. El edificio fue reinaugurado el 26 de febrero de 2016 como comienzo del llamado “Año del Modernismo”, programado para celebrar el esplendor arquitectónico que vivió Cartagena entre finales del XIX y principios del XX. El exterior está realizado en ladrillo y piedra artificial Los motivos ornamentales se inspiran en el  modernismo vienés y francés; es de destacar su cúpula de cinc. El 19 de junio de 2012, a instancias del Gobierno de la Comunidad Autónoma de Murcia, se declara “Bien de Interés Cultural” con categoría de monumento. Su visita es obligada si visitan Cartagena; sin este monumento la ciudad no sería lo mismo.

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El Gran Hotel. Foto: Bárbara

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El Gran Hotel. Foto: Bárbara

Modigliani, escultor

 

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Cabeza, 1910-12

Con seguridad, el pintor Amadeo Modigliani es más conocido que el Modigliani escultor, aunque fuera esta faceta artística la primera vocación del artista. Visitando su tumba, en el cementerio parisino de Le Père-Lachaise me encontré a una joven muy hermosa sentada sobre su lápida en una actitud de recogimiento que me impresionó; había algo en su actitud corporal que denotaba una profunda tristeza; en sus manos, una rosa amarilla; absorta, no me vio llegar y yo permanecí a distancia por no interrumpir algo que presentí tenía algún significado que se me escapaba y esperé a que se fuera. Su presencia, su forma de estar aún hoy me conmueve sin saber porqué, pero desde entonces no puedo dejar de asociar a Modigliani con esa rosa amarilla.

La primera vocación del artista fue, aun antes de su llegada a París, la escultura, de modo que ya en 1908 realiza sus primeros bocetos y dibujos sobre las cariátides. El arte africano es, sin duda, la gran influencia que le hace estilizar las figuras y los rostros de esa manera tan inconfundible. En Montparnasse, donde se instala, conoce a Brancusi, el escultor rumano que le anima a tallar la piedra directamente; primero utiliza materiales duros como el mármol y luego materiales más blandos como la arenisca. Durante cinco años se dedicó casi exclusivamente a la escultura. La reflexión, estudio y dedicación a la escultura que vierte posteriormente en la pintura, dota a su arte de una personalidad y originalidad únicos, un corpus sin fisuras que nos lleva a los orígenes mismos de la creación primigenia.

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Cabeza, 1911-12. Tate Gallery. Londres

 

 

Paula Modersohn-Becker

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“Naturaleza muerta con cántaro amarillo”, c. 1905.

Hoy en día se puede considerar a esta artista como una de las precursoras del expresionismo. En el norte de Alemania, en el siglo pasado, surge un movimiento lírico que se acerca a la naturaleza como reacción al arte académico, en un estilo muy próximo al naturalismo. Es en estas condiciones donde surgirá después el expresionismo. Paula nace en Dresde en 1876, se casa con el entonces ya conocido artista de Worpswede, Otto Modersohn quien, junto con el poeta Rainer Maria Rilke, pronto  reconocen su talento artístico. Gran admiradora de Gaugin y de los pintores autodidactas de Bretaña, su trabajo se va centrando cada ve más en la obra de Cézanne y, como consecuencia, en el estudio de las formas en planos y a remarcar los perfiles de forma expresa. Su paleta, no obstante, de colores suaves, comienzan no a describir sino a expresar. El primitivismo  en el que se inspira lo encuentra en la colonia artística de Worpswede, cerca de su casa. Paula se forma en la Escuela de Pintura de Berlín de la Asociación de Artistas Berlineses y en París, donde acude a L’École des Beaux Arts, visitando museos y galerías de arte; conoce la obra de Rodin y la de los postimpresionistas nabis… Todo ello no solo contribuye a su formación sino que fue fuente de inspiración. Posteriormente su vida bucólica con Otto en la colonia artística, donde es reconocido su trabajo, le va a permitir dar el salto y avanzar dejando atrás los cuadros de género, adentrándose en el simbolismo; de ahí surge “La vieja campesina” de 1903, que es un cuadro atemporal donde se refleja el cansancio y la dureza del trabajo en el campo. Se produce la ruptura con Otto y Paula vuelve a París donde el apoyo y reconocimiento del escultor Hoetger la anima a seguir trabajando; en realidad Paula trabajó solo una década y su muerte prematura, tras dar a luz a su primer hijo, nos privó de ver su evolución, aunque ya presagiaba su inmersión en el expresionismo del que fue precursora, una adelantada en solitario. Tanto su vida como su obra están marcadas por su condición de mujer, algo que, aún hoy, es en muchos casos una losa.

 

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“Otto durmiendo”, 1906.

Jesús Rafael Soto

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Jesús Rafael Soto. Techo de la Sala Ríos Reyna (Teatro Teresa Carreño)

Este pintor y escultor venezolano, nacido en 1923 en Ciudad Bolívar, sigue el inevitable trayecto que otros grandes artistas del pasado siglo recorrieron hasta llegar a las vanguardias e instalarse en  lo que mejor se adaptaba a sus inquietudes, como es el caso de Pol Bury, por ejemplo, e igual que este recorre el camino desde la figuración al cubismo, pasando por el surrealismo y la abstracción, hasta llegar al arte cinético. Y cómo no, en sus primeras obras se ve la influencia geométrica de Cézanne en los paisajes, retratos y naturalezas muertas. En París, a donde se traslada en los años 50, es donde se pone en contactos con las vanguardias y donde estudia a fondo a Mondrian y a Malevitch, evolucionando a la abstracción geométrica. Hacia el 53 realiza sus primeros trabajos de cinetismo virtual. En 1955 junto con Agam, Pol Bury y Tinguely se adentra y formula en sus trabajos los principios del cinetismo. En “Structure Cinetique” de 1957 trata el espacio como materia plástica; al año siguiente incorpora elementos de desecho que combina con tramas geométricas, como en “Cubos ambiguos”. Al final de la década crea las primeras obras vibrantes y su serie “Esculturas”. El gran logro de Soto fue integrar al espectador en sus obras como parte activa, serie “Penetrables” de 1969; y efectivamente el espectador puede introducirse en los laberintos de su interior. En esta época realiza los murales del edificio de la UNESCO en París e integra sus estructuras cinéticas en la arquitectura: “Volumen suspendido” en el Centro Banaven de Caracas, “Volumen virtual” en el Centro Pompidou de París… La luz y la percepción del movimiento son dos constantes en la obra de este venezolano universal. En 1973 el gobierno venezolano construyó el Museo de Arte Moderno de la Fundación Jesús Soto. En 1988 realizó la “Esfera Virtual” para el Parque Olímpico de  Escultura de Seúl. Expone en Japón , en el MOMA, en Alemania, en el Pompidou… Muere en París en el 2005.

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Jesús Rafael Soto. Extensión amarilla y blanca, 1979. M. N. Reina Sofía, Madrid.

Reunión de gárgolas y quimeras

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Catedral de Orleans. Foto: ARSO

Las rachas de viento de los días pasados me traen murmullos y susurros de la Estirga que al cabo del tiempo he logrado, no sin grandes esfuerzos, descifrar o eso me digo para animarme. Eso sí, me tengo que poner casi en trance auditivo, porque si no es casi imposible. Y, como el sonido racheado no es factible de subirlo o bajarlo a voluntad, la mitad del mensaje se me escapa y la mayoría de las veces el resultado es un puro disparate sin sentido. Ayer, cuando la mañana se abría paso y el viento aullaba sin descanso, creí entender algo así como: “Reuniónnnn de zoooo r… r..os… uuu… perdiooo… uuu…nn… Y, por más que agucé el oído, nada. Pero hoy, por suerte, he recibido esta postal de Orleans que lo explica todo. La remitía la Estirga y me daba cuenta de lo siguiente: “Reunión de zorros, perdición del gallinero”, en clara alusión a este cónclave de gárgolas en la Catedral de Orleans.

Gracias de nuevo a ARSO.

 

 

Pol Bury

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Fuente de Bolas. Palais Royal. París

 

Este polifacético belga, nacido en Haine-Saint-Pierre en 1922, se puede considerar un artista renacentista, dado que su inquietud le lleva a dedicar su empeño tanto al dibujo como a la escultura, la pintura, la escritura, la construcción de fuentes hidráulicas y el diseño de joyas. Su trayectoria abarca los distintos movimientos por los que transita su obra desde el surrealismo hasta la abstracción y la cinética. Y su instinto le lleva a utilizar en sus construcciones los materiales que mejor se adaptan a sus fines, como son el acero, el corcho, la madera y el cobre. Su primera exposición individual la celebró en París en 1961, donde residía y, tres años más tarde, se traslada a Estados Unidos. Fue miembro del grupo “Cobra” y de “Peintre Belge Jeune”. Con 16 años estudió arte en la Academia de Bellas Artes de Mons; fue entonces cuando conoce a Achille Chavée, poeta valón, que marcaría su camino por el surrealismo y de esta manera entra en el grupo “Rupture” y se une, como muchos miembros del grupo, a la ideología comunista. Después conoce a René Magritte y participa en la Exposición Internacional del Surrealismo en 1945. Dos años más tarde su pintura se encamina hacia la abstracción; cuatro años después está implicado en la redacción y la ilustración de la revista “Cobra”, participando activamente en las exposiciones colectivas. Funda el grupo “Art Abstrait” y su admiración se centra en Mondrian y se acerca a la obra de Joan Miró. A continuación se centra en la cinética, construyendo sus primeros móviles. Junto con Calder está considerado uno de los padres de este arte en movimiento. En 1964 representó a su país en la Bienal de Venecia. Este hombre inquieto, que también fue escritor y poeta, y se dedicó a la crítica de arte así como a la edición, crea en 1976 su primera fuente hidráulica; en sus fuentes, cada vez más sorprendentes, utiliza cilindros, esferas, copas, triángulos… El cine experimental también le tentó con varios cortometrajes. Pol Bury es un genio contemporáneo que muere en París el 27 de septiembre de 2005.

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Fuente. Fundación Maeght de Saint-Paul de Vence. 1978

Una gárgola diferente

 

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Catedral de la Santa Cruz de Orleans. Fotografía: ARSO

A estas alturas del blog los seguidores sabrán de mi debilidad confesada por la amplia familia de las gárgolas, quimeras… y que, de entre todas ellas, la Estirga de Notre Dame es con mucha diferencia la más mía. Mi preferencia viene de lejos, aunque debo confesar que en aquel verano lejano de 1972 no tuve el placer de conocerla; fue mucho después, en mis escapadas parisinas, cuando subí a las torres y cuando adopté su eterna visión del Parvis, del Sena y del pequeño jardín de Sant Julian le Pauvre, de los tejados que sobrevuela en noches inciertas. Esta gárgola frailuna es a todas luces sorprendente y aunque no sé si pertenece a su familia, si es un mero adorno o cumple su función de desaguar, la adjunto para que vea que esta de Orleans es cuanto menos curiosa. Gracias a ARSO por su aportación.