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Elsa von Freytag-Loringhoven II

 

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Elsa von Freytag-Loringhoven posando en su apartamento de N.Y. en 1915

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Elsa von  Freytag-Loringhoven posando en su apartamento de N.Y. en 1915

El personaje da para mucho más que una entrada; por ejemplo, me la puedo imaginar cuando usaba maquillajes brillantes y  se ponía sellos postales en cada mejilla, usaba sostenes con latas de tomate y luces intermitentes, amén de innumerables pulseras en los brazos, que eran anillas de cortinas de baño, labios pintados de negro… su aspecto en aquellos años debía de ser de lo más chocante, con la cabeza rapada y en diferentes colores. Lo que quiero decir es que, por más que los jóvenes de ahora nos quieran sorprender con sus peinados y vestimentas, todo eso es ya historia. Lo mismo me sucede cuando hoy muchos artistas quieran sorprendernos con obras que ya hace años son obras  museísticas. Y ya lo he dicho alguna vez, cuando algún despistadillo se siente el más vanguardista del mundo y nos ofrece sus excrementos, cuando el arte povera ya lo había enlatado hace ni se sabe. Con todo ello quiero decir que en arte todo está ya inventado y que mi admiración es para todos aquellos que fueron los primeros, los realmente rompedores y transgresores que lo que hacían era de alguna manera demostrar la estupidez de muchos, que sacralizaban en nombre del arte cualquier cosa. Pero para no caer en ello lo esencial es conocer la historia del arte y los movimientos de vanguardia; pretender que sea vanguardista en el 2019 lo que ya se hizo en los años veinte demuestra, por un lado, oportunismo y, por otro, ignorancia total. El urinario de porcelana, la famosa “Fuente” de Elsa hoy ya no sería rompedora. Lo que hoy habría que mostrar es un arte de vanguardia de este tiempo. Pero la fuente de inspiración parece que se ha secado… Un ejemplo magnífico nos lo da Elsa, quien nunca comercializó su arte y por tanto vivió en la pobreza extrema. En el 2000 su trabajo resurgió gracias a la biografía de Gammel y una antología de su poesía publicada un año después. Ahora es reconocida como la primera artista estadounidense de Dada y ciertamente la primera punk de Nueva York. Verdaderamente triste que sea sesenta años después. La mujer en el mundo artístico, por desgracia, siempre ha estado ninguneada y, en muchos casos, su obra, apropiada por sus colegas varones, como hizo Duchamp y el fotográfo Morton Livingston.

Elsa von Freytag-Loringhoven la inventora del readymade I

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Retrato de Berenice Abbott, c. 1923-26. MoMA

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Fuente, 1917

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Dios, 1917. Fotografía de Morton Schamberg (impresión en gelatina de plata)

La baronesa de Dada, así llamada por todos, era de origen prusiano, nacida en 1874. Bien jovencita destacó por su poderosa personalidad, que la llevó a dedicarse al vodevil en Berlín para muy pronto formar parte del Art Nouveau de Munich. Tras varias peripecias por Italia y diversas experiencias sexuales se mudó a Kentucky tras ayudar a su marido a fingir su muerte. Viajó por Estados Unidos y se instaló en N. Y. Fue una artista integral que combinó la escultura, la poesía, la moda y la performance; ella era la encarnación de la vida antiburguesa. Se casó con un barón arruinado para heredar el título y fue el centro de la vida excéntrica y cultural de Manhattan. La baronesa era todo menos una persona “normal”. Inventó el readymade, la escultura formada por materiales de la vida cotidiana, apoyándose en la idea de que el arte puede ser cualquier cosa. Cualquier cosa le servía, viejos trozos de hierro, latas, llantas de automóviles, cosas que recogía de las alcantarillas de N. Y. Sus esculturas de objetos eran ingeniosas y absurdas, pero siempre llenas de carácter. En una carta a su amiga, la artista Sarah Freedman McPherson, le escribió: “Sarah, si encuentras una lata en la calle, quédate junto a ella hasta que un camión pase por encima. Entonces tráemela”. Se adelantó a Duchamp un año antes de que este presentara su primera obra. ¡A ver si vamos reconociendo las cosas y poniendo a cada cual en su sitio! Así lo hizo Irene Gammel en la biografía de 2002 “Baronesa Elsa” en la que se demuestra la influencia que Elsa ejerció en la obra de Duchamp; como ejemplo, el famoso urinario llamado “Fuente” que ella envió al Salón de la Society of Independent Artists de Nueva York bajo el seudónimo  masculino de Richard Mutt. Tanto Alfred Stieglitz como la hermana de Duchamp afirman la autoría de Elsa. Después de la exposición la escultura desapareció, y la primera reproducción de “Fountain” no se hizo hasta mucho después, en 1950, de la muerte de la baronesa, ocurrida en 1927. Su poesía abrió nuevos caminos; en un estilo beat escribió sobre América, sexo, maquinarias y muerte. Sus poemas aparecieron junto al “Ulises” de James Joyce en The Litle Review y ambos sufrieron por igual la censura y ella, Elsa, vivió para desafiar la ley y los convencionalismos. Su escultura readymade más famosa, una pieza retorcida de tuberias oxidadas unida a una caja de ingletes llamada “Dios” fue atribuida durante mucho tiempo al fotógrafo que la fotografió, Morton L. Shamberg. Para darnos una idea de su eclecticismo el retrato de Berenice está hecho con gouache, pintura metálica y laca teñida con barniz, lámina de metal, celuloide, fibra de vidrio, cuentas de vidrio, objetos de metal, papel pintado recortado, yeso y tela sobre cartón.

Maurice deVlaminck

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“Ramo de flores”, c. 1909

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“Naturaleza muerta”, 1910

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“La pêche au Chevesne”, 1916

Maurice de Vlaminck fue un pintor francés autodidacta nacido en Paris en 1876 dotado para las artes que practicó en sus diversas facetas como escritor, poeta, dibujante pintor y además, fue, desde bien joven, un buen deportista. Practicó el ciclismo y pensó en dedicarse profesionalmente hasta que unas fiebres tifoideas truncaron su carrera. Dio clases de violín y se casó en 1984. Durante el servicio militar conoció a André Derain, cuya amistad mantuvo a lo largo de su vida; juntos compartieron estudio en 1900 en Chatou y juntos realizaron viajes por el sur de Francia; un viaje a Londres le hizo cambiar la atmósfera de sus cuadros. Casi todos sus paisajes están realizados a lo largo del Sena. En 1905 expuso por primera vez en público en el famoso Salón de Otoño de París junto a pintores como Raoul Dufy, Charles Camoin, Matisse, Henry Manquin, André Derain; esta muestra de pintores fauvistas les marcó a los dos amigos, que se convirtieron al movimiento fauve. En 1907 visitó una exposición retrospectiva de Cézanne, que le impactó grandemente. Durante la Primera Guerra Mundial vivió en Ruán donde comienza su etapa de poeta y posteriormente escribe dos novelas eróticas que ilustró Derain. Su temática se centró en el paisaje y en el bodegón. Su admiración fue para Vincent van Gogh, del que adoraba su colorido, y su animadversión fue para Picasso, del que no apreciaba casi nada.

Dos experiencias muy cercanas: Ramón Serrano Avilés

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Ramón Serrano Avilés

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Ramón Serrano Avilés

La fuerza de la primera obra aquí representada, de este arquitecto radicado en Madrid, con resonancias del expresionismo alemán, con esas dos figuras entrelazadas, de modo que son dos en uno, fundidas, ensambladas en esa especie de sonoro silencio, me entusiasmaron cuando las vi no hace mucho. La segunda, ese paisaje urbano de color tan matizado, denota la  enorme sensibilidad de un colorista innato, donde no solo la sólida estructura sino el color nos deleita y sugiere todo un cromatismo muy sutil que crea lo que un buen cuadro debe tener: atmósfera.

Alcalá de Henares en diciembre

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Fachada de la entrada de la Universidad Complutense de noche. Foto: Aurelio Serrano

 

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Fechada de la Universidad Complutense, Foto: Aurelio Serrano

 

La Universidad de Alcalá de Henares se fundó en 1499 y es la tercera más antigua de España. Su fundador, el cardenal Cisneros, fue ministro de los Reyes Católicos y, gracias a una bula pontificia del papa Alejandro I se crea dicha universidad que en un principio fue una escuela eclesiástica. El mismo cardenal Cisneros dirigió personalmente su creación con la idea de que fuera el centro de formación de los mejores funcionarios reales y del clero más preparado, de modo que Madrid sería la capital administrativa y Toledo la religiosa y entre las tres se repartirían por así decir el poder del Estado. La universidad de Alcalá de Henares fue llamada praeclaríssima Complutense Universitas y fue la primera ciudad universitaria planificada del mundo, modelo para las que después se formaron en Europa y en otra partes del mundo. Este proyecto renacentista de Cisneros suponía un conjunto de edificios y calles de moderno trazado, de colegios mayores y menores con un rector elegido cada año por sus colegiales, y con becas para estudiantes con pocos recursos. Se construyó, además, el Hospital Universitario de S. Lucas, la imprenta y viviendas para profesores y sirvientes. En su época de mayor esplendor allí estudiaron grandes maestros y personajes ilustres como Nebrija, Tomás de Villanueva, Ignacio de Loyola, Domingo de Soto, Juan de la Cruz, Lope de Vega, Quevedo…

La Universidad de Alcalá o Complutense alcanzó su mayor grandeza en los siglos XVI y XVII. Su espléndida fachada plateresca es de Gil de Hontañón y, junto con los tres patios, el de Santo Tomás de Villanueva, el patio de los filósofos y el patio trilingüe, desde donde se accede al Paraninfo, otra joya donde se concede cada año el Premio Cervantes de Literatura cada 2 de abril, construyen la gran riqueza arquitectónica de dicha universidad.

Arte africano: Mali

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Todos los grupos de la zona del lago Tanganica tienen creencias religiosas parecidas a las de los Hemba, en las cuales se pide a los ancestros que intercedan o para activar a los espíritus de la naturaleza para atacar o provocar enfermedades o desgracias; para ello se tienen que revelar en los sueños o a través de la adivinación.

Fotografías: Máscaras de la sociedad korè del pueblo Marka de Mali.

Arte africano: República Democrática del Congo

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La fuerza del arte africano que tanto inspiró a los pintores de principios del siglo pasado en Europa, más concretamente a pintores como Picasso dando paso al cubismo, o a Modigliani, con sus rostros ciegos, como máscaras, se evidencia en estas dos figuras talladas en madera de los pueblos Hemba del Este de la República Democrática del Congo. La primera de ellas representa al fundador del linaje, un ancestro respetado y venerado; este tipo de figura se llama “singiti” y denota una actitud de serena calma y tranquilidad. Los brazos hacia adelante, reposando en las caderas, con las manos en actitud de reposo, contribuyen a dar ese aire de sosiego. Las figuras se utilizan en eventos religiosos, invocando a los ancestros para que protejan a los vivos.