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Los desnudos de Emíl Orlik y el Japón (II)

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Los desnudos de Emíl Orlik merecen un post aparte, aunque sea una pena que los dos últimos salgan tan pequeños al ser tan alargados. A pesar de eso muestran a las claras la maestría del pintor. De sus viajes al Japón nos quedan, aparte de sus paisajes, elementos que inserta en sus cuadros como la máscara del primer lienzo típica del teatro No. Del segundo es una pena que no se aprecie bien la riqueza, el colorido de la tela y sus dibujos; del tercero la carnalidad se hace realidad. Sin duda la estética y la cultura japonesa tuvieron un gran eco e influencia en sus lienzos y dibujos. Entonces el Japón estaba de moda en toda Europa y los grandes maestros japoneses, con ese trazo tan difícil y delicado a la vez, eran estudiados con gran entusiasmo.

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!º, Modelo, 1907; 2º, Ruhende; 3º, Desnudo femenino 4º, Paisaje japonés con templo; 5º Mujer china; 6º, Vildnis Einer Chinesin, 1912; 7º, Paisaje con el monte Fuji de lejos, 1908.

Personalmente me entusiasma la delicadeza de la pose y de la ejecución del sexto.

Emíl Orlik (I)

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Emíl Orlik posiblemente sea más conocido por el retrato que le hiciera a Gustav Mahler (litografía), sin embargo este pintor, grabador y litógrafo nacido en Praga en 1870, realizó innumerables retratos a los personajes más destacados de su época como a Otto Dix, Tomas Mann, Albert Einstein, León Trosky… y un largo etc. Fue miembro del movimiento llamado “Secesión de Viena” y uno de los representantes del art nouveau. Fue profesor en la escuela de artes gráficas de Berlín. Diseñó libros y ex libris. Produjo cientos de carteles y logos para conocidas marcas comerciales. Fue nombrado artista oficial en el tratado de Brest-Litovsky donde realizó setenta y dos retratos. Viajó por medio mundo y murió el 28 de septiembre de 1932 en Berlín de un ataque al corazón.

El retrato de Mahler, magnífico y el “Blumenvaso” es realmente espectacular.

!º Retrato de Gustav Mahler, 1902; 2º Blumenvaso, c. 1909

Construcciones megalíticas en Göbekli Tepe (I)

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En Göbekli Tepe la intuición del arqueólogo alemán Klaus Schmidt le llevó al sur de Turquía, donde se encontró con un montículo que le mostró que no era natural sino el resultado de la obra humana. Ya en 1960 otro arqueólogo reseñó que allí solo había encontrado restos de un cementerio medieval, pero el alemán pronto se dio cuenta de que el montículo no era natural y, a 14 kilómetros de la ciudad de Sandiurfa allí, donde la gente del lugar llamaba “colina panzuda”, hizo su gran descubrimiento. Al año siguiente empezaron las excavaciones, que mostraron unas impresionantes construcciones megalíticas; al menos veinte círculos de pilares de piedra caliza en forma de T que estaban decorados con una serie de relieves de animales, que se dataron en torno a 9000-7000 a. C., es decir, en pleno Neolítico. Estas mismas estructuras en forma de T se encuentran en la isla de Menorca, otro paraíso para los que aman la arqueología y la prehistoria como yo. Los monolitos de mayor tamaño, colocados en el centro, debían tener una altura de 5,5 metros y estaban tallados en una sola pieza que podía llegar a pesar 4 toneladas. En el 2000 Klaus Schmidt expuso la teoría de que Göbekli Tepe fue un centro religioso en el Neolítico, lo que le convertiría en el templo más antiguo de la historia, al menos seis milenios anterior a Stonehenge, en Gran Bretaña. Según él pudo haber sido construido por grupos de cazadores recolectores que peregrinaban para celebrar rituales que se asociaban a los animales representados en los relieves de los pilares.

1º, panorámica de la excavación; 2º, Obeliscos, Museo de las civilizaciones Anatolias; 3º, Obelisco; 4º, Vista aérea de las seis estructuras.

Die Blaue Vier, Los Cuatro Azules

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Pequeño sueño en rojo. Estructura

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Kandinsky, Klee, Feininger y Jawlensky son Los Cuatro Azules que, a iniciativa de Galka Scheyer, se unen para difundir su obra sobre todo en Estados Unidos. Los cuatro que formaron El Jinete Azul, que empezó siendo parte fundamental de la Bauhaus, era un grupo en principio expresionista que evoluciona hacia la abstracción y caminaba hacia una búsqueda espiritual de la obra de arte; la misma tiene siempre una relación con el interior del artista. La Bauhaus buscaba cambiar la función del diseño, del arte y de los mismos artistas, por ello no es de extrañar que Kandinsky, Klee y Feininger, que enseñaron en dicha institución, eran teóricos del nuevo movimiento que exponen sus ideas y experiencias más modernas en los Estados Unidos, que aún no era un centro importante del arte como lo será después con el expresionismo abstracto o con el pop.

Estilísticamente no se puede hablar de un estilo común, un estilo Bauhaus en la pintura, pero si en este periodo se da un centro común que es la abstracción pura tendente a la geometría.

Reproducciones: 1º Klee, 2º kandinsky, 3º Feininger y 4ºJawlesnsky

Elaine de Kooning

by Elaine de Kooning

Willem de Kooning

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Fue una de las pintoras más sobresalientes  y brillantes del pasado siglo, pero como otras tantas vivió a la sombra de su marido, Willen de Kooning. No es casualidad que algunos grandes pintores se casen o tengan parejas que son grandísimas creadoras porque en definitiva tienen los mismos intereses y se mueven en los mismos círculos. Pero casi todas por no decir la mayoría estuvieron eclipsadas por sus respectivas parejas. Elaine se dedicó sobre todo al retrato expresionista pintando a personajes tan conocidos como al presidente de EEUU, JFK,  al escritor Allen Ginsberg , Omette Coleman el músico de jazz, al futbolista Pelé …

Según sus propias palabras: “Cuando pinto un retrato, pinto  a la persona. Nunca pinto a la gente sonriendo porque las sonrisas son una respuesta a los demás. Un retrato debe ser una respuesta a la propia soledad del  modelo”. Magnífica definición y declaración de principios. Su grandeza era tal que también decía: “No pinto a la sombra de Willen, pinto bajo su luz”. Pintaba con trazos fluidos, colores vibrantes y agresivos brochazos; su forma de hacer posteriormente lo hemos visto “adoptado” por muchos otro pintores varones, Ya va siendo hora de poner a cada cual en su sitio y de reivindicar, como por otro lado ya lo están haciendo los especialistas de arte, a las grandes pintoras de todos los tiempos y sin género de dudas Elaine lo fue. Nunca se divorciaron aunque vivieron separados durante más de treinta años y cuando a él le diagnosticaron Alzheimer ella le cuidó. La retrospectiva Elaine de Kooning Retratos en la Portrait Gallery de Smithsonian de Washignton en el 2016 mostró y reveló la grandeza de esta artista, su vida y obras nos muestra que lo fue como persona también. Al presidente lo retrató en unas vacaciones y llegó a hacer 36 óleos y unos cincuenta dibujos de él en todas las técnicas, óleo, acuarelas, lápiz, carboncillo…  Finalmente ella decía que pintaba emocionalmente y la imagen nacía de esa emoción. Estoy totalmente de acuerdo con ella, si el retratado no te dice nada, más vale dejarlo.

Retratos: 1) Willen de Kooning, 2) John F. Kennedy, 1980, 3) Harold Rosenberg, 1956

Tsuguharu Fujita

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Tsuguharu Fujita, más conocido en el mundo artístico como Fujita Tsuguji fue un pintor japonés (Tokio 1886-Zürich 1968) y miembro de una familia de  samurais de alto rango. Estudió en Tokio en la Escuela Imperial de Bellas Artes donde se graduó en 1910. A año siguiente logró un gran éxito con su obra “El Emperador de Corea”. Como era de esperar en 1913 se traslada a París y allí entabla relación con Amedeo Modigliani, Picasso y Matisse. En 1920 pasó a ser miembro permanente del famoso Salón de otoño. Unos años después hizo una exposición en su país que recibió muy buenas críticas, Y es a partir de 1930 cuando se establece definitivamente en París. Viajó por América del norte y sudamérica y volvió a Japón para realizar varios murales. Dominó las técnicas de la acuarela y el óleo y supo integrar su peculiar estilo de pintar oriental con estas dos formas de pintar occidentales, pero sin olvidar sus líneas japonesas de trazo preciso y delicado, así como su cromatismo. Sus temas preferidos fueron los retratos, la naturaleza, los animales domésticos y los desnudos femeninos. Algunos críticos catalogaron su obra dentro del manierismo cromático. Expuso en todas las capitales europeas y sus obras están en los más importantes museos del mundo como el Museo de Arte Moderno de París y el de Artes Decorativas de París. Realizó además ilustraciones para distintas obras como una edición japonesa del Apocalipsis y las vidrieras y murales de la Capilla de Nuestra Señora de la Paz de Reims en 1966. Se le encargó la decoración del Pabellón Japonés de la Ciudad Universitaria de París por encargo del gobierno de su país. Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial regresó a Japón pintando escenas de batallas para el ministerio de Defensa y de la Marina. En 1942 recibió el premio cultural Asahi el máximo galardón que podía recibir un pintor por su obra “El último día de Singapur” . En 1948 vivió en Estados Unidos estudiando la pintura que allí se hacía; un año después se estableció definitivamente en París y se le concedió la nacionalidad francesa en 1955. Antes de morir su esposa y él se convirtieron al catolicismo y él recibió el nombre de Leonardo, mejor homenaje al de Da Vinci imposible. Murió en un centro hospitalario de Zürich.

Títulos de los cuadros: “Kiki de Montparnasse”, 1920; “Nu à la toile de joux”; “Fujita con Madelaine en Tokio”, 1934.

La Estirga y D. Francisco Torres Monreal

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La Estirga, foto Bárbara

La Estirga, que suele escribir en verano sobre todo, me acaba de mandar saludos para el catedrático de francés de la Universidad de Murcia D. Francisco Torres Monreal. Ella, que tiene un oído muy fino, sabe quién habla de ella y de que manera; le resuenan  sus hermosas palabras y, como cualquiera, es sensible a los halagos y frágil a pesar de su corazón de piedra. La Estirga, no nos equivoquemos, atesora la sabiduría que, como centenaria, le otorgan el tiempo y el ser testigo de la condición del hombre. Desde arriba nos contempla, nos escucha y sopesa su evolución consciente de que, a veces, no somos todos lo suficientemente sensibles como para saber toda la sabiduría que atesoran las criaturas que no son como nosotros. ¡¡¡Gracias!!!

 

Picasso y Jaqueline Roque

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Las dos fotografías corresponden a la última mujer de Picasso, Jaqueline Roque, y supongo que se hicieron en Mougins, en el sur de Francia. En la segunda, Jaqueline, coge con la mano a esa extraña y divertida “mujer” con un cántaro en el otro brazo. En los últimos años de su vida, Picasso en su retiro en el sur de Francia se dedicó sobre todo a la escultura y a la cerámica, aunque nunca dejara de pintar hasta su muerte un 8  de abril si no recuerdo mal. Desconozco si las fotos son de Brasaï, uno de los que más fotografiara la vida y la obra del genio español.

Chaïm Soutine

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“Vista de Cagnes”

 

Cagnes Landscape with Tree c.1925-6 by Cha?m Soutine 1893-1943

“Paisaje de Cagnes con árbol, c. 1925-26

 

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“Paisaje de Céret II”

 A este pintor lituano nacido en Smilovich en 1893, se le integra en la llamada Escuela de París. Miembro de una familia ortodoxa rusa cuya religión prohibía las reproducción de imágenes tuvo que luchar para poder dedicarse a la pintura. Se formó en Minks y en la Escuela de Bellas Artes de Virna. Finalizada esta marchó a París instalándose en Montparnasse, y ya en la ciudad luz continuó su aprendizaje en la Escuela de Bellas Artes de París; allí  conoció a Amedeo Modigliani con el que mantuvo una gran amistad. Un coleccionista le compró bastantes obras, lo que alivió su precaria situación económica.  Expuso por primera vez en la galería de Henri Bing. De procedencia judía, durante la ocupación de los nazis se escondió en un pueblo, cerca de Tours; dormía en los bosques, siempre con temor de que lo delataran a la Gestapo. Esta situación le agravó una úlcera estomacal, sufriendo una perforación gástrica que finalmente le llevó de nuevo a París donde fue operado, muriendo en la mesa de operaciones en 1943.

Su pintura es frenética; pintaba como poseído y obsesionado; bebe de los clásicos en sus visitas al Louvre, admiraba a Rembrandt, a el Greco, a Chadin… pero su mirada es apasionada, personalísima y se le etiquetó como pintor maldito. El MoMA le dedicó una retrospectiva en la que se advierte como puente al expresionismo abstracto. El museo de L’Orangerie de París reúne más de cincuenta de sus obras. Yo me atrevería a decir que es el pintor del caos, algunos críticos lo definen como el caos ordenado, en todo caso es claramente su “caos”.

Retrato de María José

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Retrato de María José, óleo sobre lienzo, 2020

El confinamiento hace que trabajemos más o que dediquemos nuestro tiempo a hacer lo que nos apetece de verdad. Este retrato, como todos los que he hecho, están motivados o surgen desde el cariño hacia la persona retratada. No sé si habré conseguido esa sonrisa que tanto la caracteriza, por lo menos lo he intentado. El fondo quería que fuera alegre como es ella, con motivos florales solo sugeridos por el color sin forma concreta alguna.