Reproducciones de Mary Abbott: 1ºSin título”; 2º Lucy; 3º “Diamantes y Pájaros2; 4º “Sin título”.

Mary Abbott fue una mujer extraordinaria, que lo mismo hacía de modelo para la revista Vogue que hacía de anfitriona para cenas en su casa de la calle Décima de Manhattan en N.Y. donde reunía a pintores e intelectuales. Nació en el verano de 1921. Esta artista estadounidense fue miembro de la Escuela de Expresionistas Abstractos de N.Y. a finales de los años 40 y 50. Desde muy jovencita, a los doce años, estudió en la Art Students League y más tarde siguió las enseñanzas de George Grosz. Aprendió de grandes maestros como Cimabue y Tintoretto pasando por Delacroix, Cézanne o Matisse. En 1943 se casó con el también pintor Lewis R. Teague. Amante de la obra de Marcel Proust y de la de Picasso. Fue confidente y musa de De Kooning y su obra influyó en la de Willem sobre todo en la década de los cincuenta. El gestualismo, su enérgico trazo arrastrando la pintura, su colorido vivo, su constante exploración lo expresó así: “la intensidad de la Naturaleza Viviente a través de mí misma, utilizando el medio, la pintura, el color, y la línea que definen la poesía del espacio vital”. Después de la Segunda Guerra Mundial se unió al “Grupo del Centro”. Fue una de las tres mujeres miembros del Artist’s Club en N.Y., junto con Perle Fine y Elaine de Kooning. Realizó muchas exposiciones individuales y colectivas en EEUU y en el extranjero, incluida en la The Persistence of Abstraction en el Museo Estatal de Bellas Artes de Pushkin, Moscú. En 2011 recibió el premio Art Hampton Lifetime Achievement Award que galardona la obra realizada por una artista cuya contribución ha sido importante en las artes visuales.

“Vista de Cagnes”

“Paisaje de Cagnes con árbol, c. 1925-26

“Paisaje de Céret II”

 A este pintor lituano nacido en Smilovich en 1893, se le integra en la llamada Escuela de París. Miembro de una familia ortodoxa rusa cuya religión prohibía las reproducción de imágenes tuvo que luchar para poder dedicarse a la pintura. Se formó en Minks y en la Escuela de Bellas Artes de Virna. Finalizada esta marchó a París instalándose en Montparnasse, y ya en la ciudad luz continuó su aprendizaje en la Escuela de Bellas Artes de París; allí  conoció a Amedeo Modigliani con el que mantuvo una gran amistad. Un coleccionista le compró bastantes obras, lo que alivió su precaria situación económica.  Expuso por primera vez en la galería de Henri Bing. De procedencia judía, durante la ocupación de los nazis se escondió en un pueblo, cerca de Tours; dormía en los bosques, siempre con temor de que lo delataran a la Gestapo. Esta situación le agravó una úlcera estomacal, sufriendo una perforación gástrica que finalmente le llevó de nuevo a París donde fue operado, muriendo en la mesa de operaciones en 1943.

Su pintura es frenética; pintaba como poseído y obsesionado; bebe de los clásicos en sus visitas al Louvre, admiraba a Rembrandt, a el Greco, a Chadin… pero su mirada es apasionada, personalísima y se le etiquetó como pintor maldito. El MoMA le dedicó una retrospectiva en la que se advierte como puente al expresionismo abstracto. El museo de L’Orangerie de París reúne más de cincuenta de sus obras. Yo me atrevería a decir que es el pintor del caos, algunos críticos lo definen como el caos ordenado, en todo caso es claramente su “caos”.

Silla Paimio

Iglesia parroquial de Riola

Auditorio  The Finlandia Holl, 1962

Jarrón Savoi, 1936

Biblioteca de Viipuri

Biblioteca de Viipuri, sala de conferencias

Alvar Aalto es una figura destacadísima del diseño y la arquitectura nórdica del pasado siglo, a la altura de Le Corbusier o van der Rohe. Para el diseño del mobiliario y de los interiores utiliza las materias primas más comunes de su país, como la madera, suavizando las formas. Nació en Finlandia en 1898 y estudió en Helsinki. Alvar, como sus contemporáneos, entendió que cualquier objeto por sencillo que sea puede ser objeto de diseño actual. Al principio recibió la influencia del Romanticismo nacional y del Clasicismo después. Una de sus primeras obras importantes fue la Biblioteca de Viipuri,  en Viborg, cuyo techo del salón de conferencias está formado por listones de madera muy finos que adoptan formas onduladas para favorecer la acústica. En 1925 se casó con la también arquitecta Aino Marsio, que colaboró en varios de sus proyectos. Formaron un buen equipo, viajaron por Europa y se impregnaron de los distintos movimientos de vanguardia. Desde 1935 participó en la Exposición Internacional del Mueble de Londres y dos años más tarde funda con su esposa la empresa Artek en la que se exhiben obras de arte del diseño orgánico del siglo XX. Para su mujer diseñó la primera silla con una estructura de madera autoportante, la silla Paimio, para que los enfermos pudieran respirar mejor, aunando diseño y funcionalidad. Estas dos últimas constantes, sumadas a su preocupación ergonómica y orgánica, que nunca le abandonaron, caracterizan toda su obra. De alguna manera lo humano y la naturaleza unidas como fuente de inspiración. Muy conocido es también el jarrón Savoi, que hoy se puede comprar por Internet; aviso para todos los amantes del buen diseño.

“El Señor resucitado”, 29- 6- 1864

“Flor de Catherine Emily Stringer”,

“El ojo del Señor”, 1864.

Esto se podría llamar el insólito caso de Georgiana Houghton, una pintora victoriana nacida en Las Palmas de Gran Canaria en 1814, que ha estado olvidada y redescubierta como la primera pintora abstracta de la historia. Alguna de sus obras que han pasmado a los críticos de arte más afamados, como el del Times, tienen algo en común con algunos de los inicios de Georgia O’Keefe. Nacida en España en el seno de una familia de comerciantes que se trasladó a Londres, tuvo una  importante relación con el espiritismo, que la llevó a afirmar que “el espíritu es quien conduce mi mano”. La muerte de su hermana y después de sus padres la llevó al espiritismo para poder comunicarse con ellos. Su obra, de haber sido conocida y difundida, se habría adelantado a la obra del ruso Kandisnky, a sus teorías del arte abstracto de 1910 y a su consideración del primer artista abstracto. Su familia se arruinó y su vida no fue fácil, hacía de médium y producía “dibujos de espíritus”. Expuso en 1871 en la New British Gallery y se arruinó con ella. Se hizo fotógrafa para captar con su cámara sombras y signos de otra vida. Murió en la pobreza en Londres en 1884. La mayoría de sus obras terminaron en Australia donde se preparaba una exposición que al final no llegó a realizarse. La exposición londinense costaba de 150 acuarelas. Al morir casi todas sus obras fueron heredadas por la Unión de Espiritistas Victorianos de Melbourne. La pregunta que nos hacemos muchos es por qué su obra fue olvidada, por su relación con el espiritismo o por el hecho de ser mujer, ya que otros autores decimonónicos, como Victor Hugo o Conan Doyle, estuvieron relacionados con estas prácticas y sin embargo ahí están para la historia. Otro caso lacerante de mujer artista “olvidada”. Quizás algún día se debería revisar este orden de cosas y hacer justicia para todas ellas. Es increíble que estos dibujos de marañas de hilos que evocan el dibujo surrealista automático de André Masson de 1920 y los psicodélicos de los años 60 fueran hechos por esta pintora victoriana.

Publicó: “Evening at Home in Spiritual Seánce”  y”Crónicas de las Fotografías de Fenómenos y  Seres espirituales invisibles al Ojo Material”