«Naturaleza muerta con cántaro amarillo», c. 1905.

Hoy en día se puede considerar a esta artista como una de las precursoras del expresionismo. En el norte de Alemania, en el siglo pasado, surge un movimiento lírico que se acerca a la naturaleza como reacción al arte académico, en un estilo muy próximo al naturalismo. Es en estas condiciones donde surgirá después el expresionismo. Paula nace en Dresde en 1876, se casa con el entonces ya conocido artista de Worpswede, Otto Modersohn quien, junto con el poeta Rainer Maria Rilke, pronto  reconocen su talento artístico. Gran admiradora de Gaugin y de los pintores autodidactas de Bretaña, su trabajo se va centrando cada ve más en la obra de Cézanne y, como consecuencia, en el estudio de las formas en planos y a remarcar los perfiles de forma expresa. Su paleta, no obstante, de colores suaves, comienzan no a describir sino a expresar. El primitivismo  en el que se inspira lo encuentra en la colonia artística de Worpswede, cerca de su casa. Paula se forma en la Escuela de Pintura de Berlín de la Asociación de Artistas Berlineses y en París, donde acude a L’École des Beaux Arts, visitando museos y galerías de arte; conoce la obra de Rodin y la de los postimpresionistas nabis… Todo ello no solo contribuye a su formación sino que fue fuente de inspiración. Posteriormente su vida bucólica con Otto en la colonia artística, donde es reconocido su trabajo, le va a permitir dar el salto y avanzar dejando atrás los cuadros de género, adentrándose en el simbolismo; de ahí surge «La vieja campesina» de 1903, que es un cuadro atemporal donde se refleja el cansancio y la dureza del trabajo en el campo. Se produce la ruptura con Otto y Paula vuelve a París donde el apoyo y reconocimiento del escultor Hoetger la anima a seguir trabajando; en realidad Paula trabajó solo una década y su muerte prematura, tras dar a luz a su primer hijo, nos privó de ver su evolución, aunque ya presagiaba su inmersión en el expresionismo del que fue precursora, una adelantada en solitario. Tanto su vida como su obra están marcadas por su condición de mujer, algo que, aún hoy, es en muchos casos una losa.

«Otto durmiendo», 1906.

Jesús Rafael Soto. Techo de la Sala Ríos Reyna (Teatro Teresa Carreño)

Este pintor y escultor venezolano, nacido en 1923 en Ciudad Bolívar, sigue el inevitable trayecto que otros grandes artistas del pasado siglo recorrieron hasta llegar a las vanguardias e instalarse en  lo que mejor se adaptaba a sus inquietudes, como es el caso de Pol Bury, por ejemplo, e igual que este recorre el camino desde la figuración al cubismo, pasando por el surrealismo y la abstracción, hasta llegar al arte cinético. Y cómo no, en sus primeras obras se ve la influencia geométrica de Cézanne en los paisajes, retratos y naturalezas muertas. En París, a donde se traslada en los años 50, es donde se pone en contactos con las vanguardias y donde estudia a fondo a Mondrian y a Malevitch, evolucionando a la abstracción geométrica. Hacia el 53 realiza sus primeros trabajos de cinetismo virtual. En 1955 junto con Agam, Pol Bury y Tinguely se adentra y formula en sus trabajos los principios del cinetismo. En «Structure Cinetique» de 1957 trata el espacio como materia plástica; al año siguiente incorpora elementos de desecho que combina con tramas geométricas, como en «Cubos ambiguos». Al final de la década crea las primeras obras vibrantes y su serie «Esculturas». El gran logro de Soto fue integrar al espectador en sus obras como parte activa, serie «Penetrables» de 1969; y efectivamente el espectador puede introducirse en los laberintos de su interior. En esta época realiza los murales del edificio de la UNESCO en París e integra sus estructuras cinéticas en la arquitectura: «Volumen suspendido» en el Centro Banaven de Caracas, «Volumen virtual» en el Centro Pompidou de París… La luz y la percepción del movimiento son dos constantes en la obra de este venezolano universal. En 1973 el gobierno venezolano construyó el Museo de Arte Moderno de la Fundación Jesús Soto. En 1988 realizó la «Esfera Virtual» para el Parque Olímpico de  Escultura de Seúl. Expone en Japón , en el MOMA, en Alemania, en el Pompidou… Muere en París en el 2005.

Jesús Rafael Soto. Extensión amarilla y blanca, 1979. M. N. Reina Sofía, Madrid.

Fuente de Bolas. Palais Royal. París

Este polifacético belga, nacido en Haine-Saint-Pierre en 1922, se puede considerar un artista renacentista, dado que su inquietud le lleva a dedicar su empeño tanto al dibujo como a la escultura, la pintura, la escritura, la construcción de fuentes hidráulicas y el diseño de joyas. Su trayectoria abarca los distintos movimientos por los que transita su obra desde el surrealismo hasta la abstracción y la cinética. Y su instinto le lleva a utilizar en sus construcciones los materiales que mejor se adaptan a sus fines, como son el acero, el corcho, la madera y el cobre. Su primera exposición individual la celebró en París en 1961, donde residía y, tres años más tarde, se traslada a Estados Unidos. Fue miembro del grupo «Cobra» y de «Peintre Belge Jeune». Con 16 años estudió arte en la Academia de Bellas Artes de Mons; fue entonces cuando conoce a Achille Chavée, poeta valón, que marcaría su camino por el surrealismo y de esta manera entra en el grupo «Rupture» y se une, como muchos miembros del grupo, a la ideología comunista. Después conoce a René Magritte y participa en la Exposición Internacional del Surrealismo en 1945. Dos años más tarde su pintura se encamina hacia la abstracción; cuatro años después está implicado en la redacción y la ilustración de la revista «Cobra», participando activamente en las exposiciones colectivas. Funda el grupo «Art Abstrait» y su admiración se centra en Mondrian y se acerca a la obra de Joan Miró. A continuación se centra en la cinética, construyendo sus primeros móviles. Junto con Calder está considerado uno de los padres de este arte en movimiento. En 1964 representó a su país en la Bienal de Venecia. Este hombre inquieto, que también fue escritor y poeta, y se dedicó a la crítica de arte así como a la edición, crea en 1976 su primera fuente hidráulica; en sus fuentes, cada vez más sorprendentes, utiliza cilindros, esferas, copas, triángulos… El cine experimental también le tentó con varios cortometrajes. Pol Bury es un genio contemporáneo que muere en París el 27 de septiembre de 2005.

Fuente. Fundación Maeght de Saint-Paul de Vence. 1978

La fuente de la Defense de Agam. Paris 1975

En sus cuadros polifónicos de 1953, que vimos en el apartado anterior, el espectador puede observar, a medida que se mueve, distintos cuadros. Se trata de cuadros basados en figuras geométricas elementales que cambian  según sea la posición frontal o lateral del que lo contempla. Agam pintaba sobre unas planchas de aluminio plegadas en zig-zag como se puede ver en la obra del Centre Pompidou de París. Sus figuras geométricas y abstractas se mantienen a lo largo de toda su trayectoria. De la connivencia con el espectador pasará a utilizar mecanismos que ponen las obras en movimiento, cinéticas, y pinturas que se transformaban por la manipulación del espectador. Las nuevas tecnologías son utilizadas por Agam: holografías, vídeo arte, cibernética, arte electrónico, ondas electromagnéticas… esta obsesión  suya le hace hermanarse con las obras móviles de Calder, cambiantes continuamente y sin embargo siguiendo un plan riguroso. Conceptualmente el op -art es una corriente paralela al arte cinético en su relación con los avances técnicos y la participación del espectador. Breton, ya anciano, quedó impresionado con sus obras. La gran aportación de Agam, ya lo dijimos, es haber introducido el factor tiempo en las obras de arte, superando la segunda y tercera dimensión. Y me atrevería a decir que durante el siglo XX muchos artistas han trabajado buscando, desde diversos enfoques, el cambio o la observación desde distintos ángulos; sin ir más lejos, el cubismo.

YAACOV AGAM, «Doble metamorfosis III». Centro Pompidou, 1968-69. París

Yaacov Agam es el máximo representante del llamado arte cinético y activo defensor del Op Art o arte Óptico. Nacido en una ciudad de Palestina en 1928, este pintor y escultor israelí fue pionero en la investigación de nuevos materiales con la finalidad de hacer obras cambiantes, en las que el espectador fuera parte activa en la exploración de la obra. En Rishon le-Zion, la ciudad palestina en donde nace bajo el dominio británico, vive la difícil situación de esos territorios siempre en guerra y cuya situación poco ha cambiado en el trascurso de los años. Los atentados y los distintos intereses geopolíticos  marcan sin duda su forma de entender el arte y el suyo está, sin duda, marcado por una carga profunda de espiritualidad. En su adolescencia, Van Gogh y los maestros del XIX le descubren el mundo del arte; estudia en La Academia de Artes y Diseño en Jerusalén, que estaba en esos momentos influida por la Bauhaus y el movimiento constructivista. Tras su paso por Zurich, su escala en París le retiene en esa ciudad, que convierte en su hogar definitivo. En la década de los 50 forma parte de la llamada Nouvelle Tendence y se acerca cada vez más al arte cinético; en 1955 tuvo lugar en la galería Denis René de París la primera muestra internacional de arte cinético. Después siguieron múltiples exposiciones, como la bienal de París y en la muestra El Movimiento en el Arte de Amsterdam. En 1963 obtuvo el primer premio en la Bienal de Sao Paulo, cuyo tribunal tuvo que crear una nueva categoría, el premio a la investigación artística, ya que no sabían si concederle el premio de pintura o el de escultura; magnífica anécdota que demuestra a las claras su enorme contribución al arte más actual. Agam añade una cuarta dimensión, el tiempo, que se manifiesta a través del movimiento. Esto define perfectamente su enorme labor de búsqueda incesante.