Alvin Langdon Coburn: «Broadway de noche», 1910.

Alvin Langdon Coburn: «Canal de Regent», 1909.

Alvin Langdon Coburn:»Edificios del Parlamento»,1909.

Alvin Langdon Coburn: «Plaza Leicester», 1909

Alvin Langdon Coburn: «Puente de la Torre», Londres

El fotógrafo bostoniano Alvin Langdon Coburn (1882-1966) es una figura clave en la renovación del lenguaje fotográfico; aunque poco conocido, su ingente obra (más de 15.ooo negativos) pronto rompió con los cánones y se instaló en las vanguardias. George Bernard Shaw, el premio Nobel de literatura al que retrató, lo definió como el mejor fotógrafo del mundo. Otros famosos artistas y personalidades como Gertrude Stein, Matisse, Henry James Mark Twain, Rodin… fueron retratados por él buscando la psicología de los personajes, pero su afán renovador, después de una etapa inicial claramente pictorialista, se decantó por los paisajes industriales con encuadres agresivos, planos inclinados y cenitales; su punto de vista novedoso lo hace ser original intencionadamente o no, sus experiencias artísticas entrañan un sentido simbólico de las estructuras urbanas. Afincado en Londres desde 1912, se vinculó al movimiento vorticista británico, a la cabeza del cual se hallaban el artista Wyndham Lewis y el escritor Ezra Pound, caracterizado por lo geométrico y semiabstracto. Sus fotografías con exposiciones múltiples, causaron estupor, incomprensión y desconcierto en la época, como pasa casi siempre, pero han pasado a la historia como las primeras abstractas. Las de arriba son todas de su etapa pictorialista, sumamente bellas.

Eugène Atget: «Escaparate»

Eugène Atget: «Cabaret Au Tambour», 1908.

Eugène Atget fue sin proponérselo inspiración para los surrealistas. La libertad de acción del fotógrafo, directa, sin manipulación, sobre los objetos de la calle confiere a los objetos encontrados, en cuanto que descubrimientos inesperados, un carácter inusual que los surrealistas reconocieron de gran valor para la estética surrealista de entreguerras. El objeto liberado, que no tiene una función «artística» al uso, aislado de su contexto, cobra otra dimensión. No obstante Atget, con sus tomas directas, no participa de los experimentos vanguardistas, pero su capacidad intuitiva para los «objetos encontrados» en la calle, familiares y cotidianos les confiere, al descontextualizarlos, un nuevo significado que fascinó a los surrealistas. Las imágenes reflejadas en las vidrieras, como en la foto primera, por ejemplo, eran para los surrealistas algo fantasmagórico, onírico y que potenciaba el inconsciente para que aflore a través de los sentidos. Dentro de lo que podemos llamar fotografía surrealista, se da la fotografía manipulada o surrealismo técnico, al servicio del automatismo y la libre asociación de ideas, y la fotografía no manipulada o surrealismo encontrado. Y es en este segundo apartado donde la fotografía de Atget es precursora y donde el azar también juega ; sin embargo fueron muchos los que no utilizaron la fotografía manipulada,  como Brassaï donde el elemento documental, de registro de la realidad cuenta y es porque, según algunos, existen figuras ocultas en cada imagen mental o ¿no?.

Annie Leibovitz: » Susan Sarandon»

Todo el encanto de la actriz Susan Sarandon, una mujer que transmite energía y que sin ser excesivamente guapa tiene un atractivo magnético. Annie Leibovitz tiene la gran habilidad de captar en sus retratos la personalidad de cada personaje. Ha retratado a los mitos del  cine y de la música, suyas son las fotos que le hiciera a John Lennon antes de ser asesinado a la entrada del edificio Dakota donde vivía; dichas fotos aparecieron publicadas el 22 de enero de 1981 en la revista Rolling Stone donde aparece en la portada Lennon desnudo en posición fetal junto a su esposa Yoko Ono. Y suya es la también muy famosa foto de Demi Moore desnuda en su embarazo. En 2009 la Royal Photographic Society la galardonó con la Medalla centenario; en 2013 se le concedió el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y de Humanidades; la revista American Photo la nombró la fotógrafa más influyente de nuestro tiempo y la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos le otorgó el título de «leyenda viva».

Annie Leibovitz:» John Lennon y Yoko Ono»

Edward Steichen:» The Pond Moonlight», 1905

Gertrude Käsebier: «La Edad de Oro», 1903

Gertrude Käsebier: «Retrato de Alfred Steiglitz», 1902

El movimiento pictorialista nace como una reacción a la fotografía como mero instrumento para captar la realidad y cuya finalidad era la obtención de imágenes únicas en la realización de un arte semejante en cuando a calidad e intencionalidad a la pintura, a la escultura, en definitiva obras de arte similares a otras disciplinas artísticas. Los autores pictorialistas se definen como artistas y fotógrafos del Romanticismo del siglo XIX. Este movimiento comienza sobre 1880 y llega hasta el final de la primera guerra mundial. En ellos prima la sensibilidad frente a los conocimientos técnicos, aunque para conseguir sus fines coloquen filtros, plantillas y demás utensilios entre la cámara y el sujeto que retratar para conseguir el efecto «floue», la imagen borrosa y el desenfoque a fin de obtener efectos similares al impresionismo pictórico. Este paralelismo me resulta personalmente muy atractivo, ya que siempre he defendido que en el arte se dan estas vías paralelas en casi todos los movimientos y en las diferentes disciplinas, como en el caso del cubismo y la literatura, por ejemplo, y como muestra de ello Cortázar y su forma magistral de narrar desde todos los ángulos posibles un mismo hecho. El concepto de «impresiones nobles», obras así únicas, surgen  de utilizar técnicas con goma bicromatada, carbón y bromóleo a fin de conseguir el objetivo de obras poéticas, con atmósfera, luminosidad… Entre los pictorialistas hay que destacar a Julia Margaret Cameron, Peter Henry Emerson, Robert Demachy o los españoles José María Ariet y Joaquim Pla Janini, Gertrude Käsebier, Steichen.

Demachy: «Mont Saint Michel»