Arles. Foto: Bárbara.
Desde la Fundación Van Gogh, callejeando para dar un último vistazo al Gran Ródano uno se encuentra con rincones así.
Arles. Foto: Bárbara
Eglise du Mèjan. Arles. Foto: Bárbara
Cerca del Gran Ródano
Jackson Pollok II
Jackson Pollok: «Obra número 18». Museo Guggenheim de N. Y.
Se suele decir que «nunca segundas partes fueron buenas», en este caso doy fe de que sí; los cuadros de Pollok, a medida que avanza en su estilo, son cada vez mejores. Fue una gran pérdida su muerte prematura en un accidente y siempre se piensa, en estos casos, lo que podría haber llegado a hacer. En la Colección Peggy Guggenheim de Venecia se encuentra, por ejemplo, «La mujer luna» de 1942 con referencias todavía naturalistas. Al ir eliminando elementos reconocibles su personalísima forma de pintar abre un camino nuevo lleno de posibilidades. A Pollok se le llegó a conocer como «Jack the Dripper», haciendo un juego de palabras con «Jack the Ripper» (Jack el destripador).
Jackson Pollok: «Número 30. Ritmo de otoño». Museo de Arte Moderno de N. Y.
Henry Miller: «Cartas a Anaïs Nin»
Bárbara Carpi. Oleo sobre papel. Carpeta instrumentos musicales, París 2007.
Imprescindible este autorretrato del propio escritor americano a través de las cartas que durante quince años, los más fructíferos de su carrera, le envía a su amiga, amante y confidente, la también escritora Anaïs Nin. Estas «cartas» escritas en papeles de cualquier tipo -en sobres, en menús…- sin ánimo de ser publicadas posteriormente, nos dan cuenta del Miller ser humano en sus batallas diarias para sobrevivir como escritor en aquel París anterior a la guerra y de ese mundo en lo que todo pasaba en la Ciudad Luz. En ellas nos encontramos con el escritor tenaz, divertido. escandaloso, fascinado por el viejo continente, por su «madre, amante y musa»: Francia. Dos sensibilidades, Anaïs y Henry, unidas por su imperiosa necesidad de expresarse, de publicar sus respectivas obras y el estímulo que ambos artistas se procuran. El excelente escritor cobra aquí una dimensión distinta a la del libertino y escandaloso autor de relatos eróticos que sin duda lo fue para aquellos años en la convencional Norteamérica. Su lenguaje desinhibido, directo, explícito, demasiado explícito para muchos, se nos revela con una personalidad cautivadora y vitalista y cuya receptora, Anaïs, no le anda a la zaga en cuando a sensibilidad y categoría intelectual.
El autor de «Trópico de Cancer» y «Trópico de Capricornio», termina con»Primavera Negra», la trilogía que dedica a Anaïs. La sordidez en las relaciones humanas, la poesía y el sexo se aúnan en estas obras que palpitan de vida. Esta última fue publicada en París en 1936.
Acabo de releer «Días Tranquilos en Clichy» , publicada en 1940 en París y después reescrita en 1956 y finalmente publicada eb EEUU tras muchas vicisitudes, tachada de inmoral. El descaro y, repito, la poesía se enlazan con elementos rabelaisianos; la gran diferencia entre un relato erótico o pornográfico, para mí a estas alturas, estriba en que esté escrito por un mal o por un excelente escritor, ese es el caso de Miller junto con el gran Rabelais.
Rothko Chapel
Interior de la capilla de Rothko. Houston (Texas)
Ala sur de la capilla de Rothko.
Sorprendente esta capilla ecuménica, lugar de meditación para todos, creyentes de cualquier religión y no creyentes, lugar de celebración de actos en defensa de los derechos civiles y culturales. El arte de hoy al servicio del hombre en un lugar de paz; igual que la capilla que Matisse decorase en S. Paul de Vannces, en el sur de Francia (esta católica). Esta obra singular se debe al matrimonio Menil, franco-estadounidense, que huyó del nazismo y se establecieron en Houston, Estados Unidos. John y Dominique de Menil tuvieron la idea de crear esa capilla no confesional para la cual le encargan al pintor 14 obras; desde el principio Rothko acepta, con la condición de participar en la construcción junto al arquitecto Philip Johnson, sustituido después por Howard Barnstone y Aubry Eugene.
El interior de la capilla es un octógono inscrito en una cruz griega, con las pinturas en tonos diferentes de negro, violeta y marrón. Su exterior es parecido a los templos egipcios. La capilla se inauguró en 1971, un año después del suicidio del pintor en su estudio de N. Y. A partir de entonces se la conoció como la Capilla Rothko. Maravillosa obra de arte.
Lucernario.
Vista exterior.
Jackson Pollok: action-painting
J. Pollok : «Numero 8». 1949. Museo Neuberger de la Universidad Estatal de N.Y.
A partir de 1947 Pollok evolucionó hacia el expresionismo abstracto desarrollando el Dripping o Action-painting.
J. Pollok : «Shimmering Subtance». 1946. MoMA.
Esta técnica consiste en gotear y salpicar la pintura sobre una tela sin tensar colocada en el suelo. Según sus propias palabras: «Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor de ella, trabajar desde cuatro lados y estar literalmente en la pintura. Esto es propio de los métodos de pintura en arena de los indios del Oeste».
Fernando Zóbel: acuarelas
Fernando Zóbel: «La vista en Otoño I» Acuarela sobre papel Guarro. Cuenca. 20 de octubre de 1977. 28 x38.
Fernando Zóbel de Ayala y Montojo nació en Manila el 27 de agosto de 1924 y murió en Roma el 2 de junio de 1984. Dos fechas que delimitan una vida dedicada a la literatura, la pintura, el mecenazgo, el coleccionismo; dos fechas imposibles de definir un carácter, la pasión por el arte que le lleva por España, Italia, Francia, Suiza, Estados Unidos. Ligado a la Universidad de Harvard y a la Rhode Island School of Desing de Providence, su periplo le permite conocer la obra de Rothko, el expresionismo americano y el informalismo europeo. Solo dos pinceladas biográficas para señalar su espíritu inquieto y el eje de su vida que fue la pintura.
Si su pintura es importante, su aportación a la siempre difícil técnica de la acuarela es, para mí, esencial. Quien quiera aprender, tiene en Zóbel a un maestro que consigue la transparencia, la atmósfera de la acuarela con la delicadeza de los clásicos orientales.
Fernando Zóbel: «La vista en Otoño II». Acuarela sobre papel Fabriano Roma «Michelangelo». Cuenca. 20 de octubre de 1977. 34 x 24.
Un libro imprescindible el editado por Rayuela prologado por José Miguel Ullán: «Zóbel. Acuarelas 1971-1977», Madrid, 1978.
¡Gracias a WordPress!
Hoy me encuentro con que ayer WordPress me desea un feliz aniversario. Y como, por diversas circunstancias, no pude ni siquiera abrir el blog ni supe en el día en que estaba, cosa bastante normal al común de los mortales por la vida que llevamos, me encuentro con el aniversario, principio del tercer año y con la bonita cifra de 8o.400 vistas, cosa que me sorprende y me hace dar las gracias con todo el corazón a los amigos de la Estirga Burlona y a WordPress. ¡Un millón de gracias!
Picasso: Acróbata y joven arlequín
Picasso: «Acróbata y joven arlequín.» París 1905. Gouache sobre cartón. 105 x 76. Propiedad privada.
Reproducida en el periódico «La plume» el 15 de mayo de 1905, esta obra realizada en gouache sobre cartón de Picasso fue confiscada por los nazis en 1937 y puesta a la venta en Lucerna en la Galería Fischer el 30 de junio del 39 en la subasta: «Vente de tableaux et sculptures de maîtres modernes provenant des musées allemands».
En 1905 el «periodo azul» ha concluido, el color va imponiéndose, tímidamente al principio, en tonalidades más ricas y variadas. Las figuras son dibujadas con gran precisión y notable es la atención que Picasso pone en las manos, alargando los dedos a la manera de los primitivos catalanes; sus manos son expresivas y se diría que transmiten sentimientos, como si ellas hablaran. En esta obra en concreto no se aprecia ese carácter expresivo de la manos, como es evidente en «El guitarrista ciego» y «La muchacha de la corneja» por ejemplo, de modo que, si rastreamos, se puede ver que es un rasgo común en ambos periodos, general en toda la pintura española.
La elegancia de Juan Gris
Juan Gris: «Jarra y vaso»
En 1916, Juan Gris pinta esta obra «Jarra y vaso» y «Frutero, vaso y limón», (ya reproducido con anterioridad), ambos en la misma gama de colores y con la misma austera elegancia. El pintor más colorista de entre los cubistas consigue en estos dos cuadros una luz contrastada entre los blancos, grises y negros difícil de superar.
Bárbara Carpi: «El río»
Bárbara Carpi: «El río»
Este «río», que no es otro que el Júcar, formó parte de una exposición que, bajo el nombre de «En torno a Zóbel», se celebró en Cuenca bajo el patrocinio de la Junta de Castilla-La Mancha y becada por la Comunidad Autónoma de Murcia. La Exposición giraba en torno a la obra de Zóbel, el pintor filipino unido para siempre a Cuenca y al Museo que él y los componentes del grupo «El Paso» hicieron una hermosa realidad. Fernando Zóbel tiene una obra exquisita, de un cromatismo y limpieza de ejecución asombrosa que, unida a un lirismo y delicadeza oriental, la hacen inconfundible. Si sus óleos son mágicos, sus acuarelas respiran como solo las buenas acuarelas son capaces de hacer. Mi pequeña contribución, con esta muestra, era un homenaje y recuerdo de admiración ante una sensibilidad que me impactó desde la primera mirada… fue en 1987.
La Estirga Burlona 