Foto: Bárbara
Foto: Bárbara
Foto: Bárbara
He vuelto a Elche para fotografiar de nuevo los plátanos; los colores de las brácteas y las inflorescencias me tienen fascinada, es un prodigio de la naturaleza que, cuando tenía las plantaciones a mano en los años en que viví en las Islas Canarias, no conocí, porque entonces, cuando era joven, una está en otras cosas, como poco en una higuera oyendo a los grupos de moda y preocupada por el acné juvenil…
Buster Keaton, fotograma de la película «Film»
Samuel Beckett revisando parte del decorado de la película
Samuel Beckett y Buster Keaton durante el rodaje
Por lo visto Buster Keaton no solo encandiló a Buñuel, Lorca, Alberti y Dalí sino que el premio Nobel de literatura Samuel Beckett lo quería para el único personaje de su única película, llamada curiosamente «Film». Samuel Beckett siempre había deseado rodar, pero según dicen, pudo más la influencia que sobre él ejercía Joyce y se decantó finalmente por la literatura. Beckett, que fue durante muchos años secretario personal de Joyce, llegó a N.Y. con un breve guión bajo el brazo y solo permaneció en la Gran Manzana dos semanas, el tiempo que duró el rodaje. Keaton, arruinado y alcoholizado, aceptó de mala gana el papel de O (objeto). El guión comienza con una frase del filósofo irlandés George Berkeley: «Ser es ser percibido». La frustración del personaje es que no puede evitar ser percibido, en definitiva: no se puede huir de uno mismo. El personaje de O, que está en continua huida, es vigilado por E (eye), el ojo que todo lo ve y le persigue. Un guión disparatado que ni el mismo Bekett, según confesó unos años después, entendía. El Film, dura unos veinte minutos y carece de diálogo, pues debía expresar conceptos abstractos a fin de convertirse solo en pensamientos sin apoyo alguno en la narrativa.Un dato curioso es que años atrás el actor rechazó interpretar «Esperando a Godot» en un teatro de Greenwich Village por encontrar que la obra era ininteligible. Keaton no era precisamente muy sociable y se comunicaba por monosílabos; de él dijo Beckett:»Tenía cara de póquer y también mente de póquer». Beckett y Keaton, una extraña pareja en una disparatada película; en cualquier caso todo un documento para la historia del cine.
Edward Wadsworth: «Composición Abstracta», 1915
Helen Saunders:» Composición monocroma abstracta», 1915.
Wyndham Lewis:» Planners: Happy Day», 1912-13
El movimiento vorticista, aunque de corta duración en el tiempo, tres años, tuvo su importancia en cuanto que es el primer movimiento vanguardista inglés hacia la abstracción y cuya influencia se dejó notar en el arte moderno posterior británico. Ya hemos comentado, en el post anterior que, en fotografía, Alvin Langdon Coburn en sus experimentos vanguardistas se deja seducir por este movimiento, que lo mismo produce obras pictóricas que escultóricas. El nombre del movimiento se debe a Ezra Pound y tiene en la vorágine emocional -vortex- la máxima expresión y cuyo desarrollo como «arte intensivo» se contrapone al futurismo que era un «arte expansivo». La máxima figura del movimiento es Wyndham Lewis, editor de la revista «Blast». Este movimiento estaba influido claramente por el cubismo y por el futurismo, si bien las propuestas estructurales del cubismo les dotaba de una vitalidad del que el mero futurismo carecía; por su parte el futurismo llevaba implícita una cierta critica al belicismo y a la tecnología que deshumanizaban al hombre en contraposición al futurismo de Marinetti. El movimiento se funda en 1915 y finaliza en 1917, después de la primera exposición en la Dore Gallery de Londres y en el Penguin Club de N.Y.
Alvin Langdon Coburn: «Broadway de noche», 1910.
Alvin Langdon Coburn: «Canal de Regent», 1909.
Alvin Langdon Coburn:»Edificios del Parlamento»,1909.
Alvin Langdon Coburn: «Plaza Leicester», 1909
Alvin Langdon Coburn: «Puente de la Torre», Londres
El fotógrafo bostoniano Alvin Langdon Coburn (1882-1966) es una figura clave en la renovación del lenguaje fotográfico; aunque poco conocido, su ingente obra (más de 15.ooo negativos) pronto rompió con los cánones y se instaló en las vanguardias. George Bernard Shaw, el premio Nobel de literatura al que retrató, lo definió como el mejor fotógrafo del mundo. Otros famosos artistas y personalidades como Gertrude Stein, Matisse, Henry James Mark Twain, Rodin… fueron retratados por él buscando la psicología de los personajes, pero su afán renovador, después de una etapa inicial claramente pictorialista, se decantó por los paisajes industriales con encuadres agresivos, planos inclinados y cenitales; su punto de vista novedoso lo hace ser original intencionadamente o no, sus experiencias artísticas entrañan un sentido simbólico de las estructuras urbanas. Afincado en Londres desde 1912, se vinculó al movimiento vorticista británico, a la cabeza del cual se hallaban el artista Wyndham Lewis y el escritor Ezra Pound, caracterizado por lo geométrico y semiabstracto. Sus fotografías con exposiciones múltiples, causaron estupor, incomprensión y desconcierto en la época, como pasa casi siempre, pero han pasado a la historia como las primeras abstractas. Las de arriba son todas de su etapa pictorialista, sumamente bellas.
Foto: Bárbara. Cartagena
Foto: Bárbara. Cartagena
Ayer WordPress me felicitó por el tercer aniversario del blog… Mon dieu!, cómo pasa el tiempo. Si no es por ellos ni me entero. Tres años como tres soles y, a falta de eso, la farola con tres brazo que ilumina la calle principal de Cartagena, que desemboca en el puerto al que me asomo, como buena marinera que soy, al Mediterráneo, que tanto me hace soñar con travesías reales e imaginarias. Y ayer soñé que un barco me llevaba a otro puerto que adoro, al puerto de Mahón.
Foto: Bárbara. Cartagena
Foto: Bárbara. Cartagena
Foto: Bárbara
Para el fin de semana una buena y sana apuesta es el bacalao; en las fotos «Bacalao con costra de piñones y aceitunas kalamata». Así lo hacen en el Hotel NH de Cartagena que situado en el lateral del Ayuntamiento tiene el puerto muy cerca tanto, que las gaviotas revolotean junto con las palomas de un tejado a otro, de una cornisa a otra… La receta, una esquisitez con el punto exacto de cocción, una cama de fideos chinos deliciosos y una salsa que redondea el plato.
Foto: Bárbara
Eugène Atget: «Escaparate»
Eugène Atget: «Cabaret Au Tambour», 1908.
Eugène Atget fue sin proponérselo inspiración para los surrealistas. La libertad de acción del fotógrafo, directa, sin manipulación, sobre los objetos de la calle confiere a los objetos encontrados, en cuanto que descubrimientos inesperados, un carácter inusual que los surrealistas reconocieron de gran valor para la estética surrealista de entreguerras. El objeto liberado, que no tiene una función «artística» al uso, aislado de su contexto, cobra otra dimensión. No obstante Atget, con sus tomas directas, no participa de los experimentos vanguardistas, pero su capacidad intuitiva para los «objetos encontrados» en la calle, familiares y cotidianos les confiere, al descontextualizarlos, un nuevo significado que fascinó a los surrealistas. Las imágenes reflejadas en las vidrieras, como en la foto primera, por ejemplo, eran para los surrealistas algo fantasmagórico, onírico y que potenciaba el inconsciente para que aflore a través de los sentidos. Dentro de lo que podemos llamar fotografía surrealista, se da la fotografía manipulada o surrealismo técnico, al servicio del automatismo y la libre asociación de ideas, y la fotografía no manipulada o surrealismo encontrado. Y es en este segundo apartado donde la fotografía de Atget es precursora y donde el azar también juega ; sin embargo fueron muchos los que no utilizaron la fotografía manipulada, como Brassaï donde el elemento documental, de registro de la realidad cuenta y es porque, según algunos, existen figuras ocultas en cada imagen mental o ¿no?.
Foto: Bárbara
Foto: Bárbara
Protagonismo exclusivo del sol que crea sombras que lo mismo bailan dependiendo del susurro del viento, que captura imágenes fijándolas de forma caprichosa cuando este se aquieta como conteniendo la respiración…
Eugène Atget: «Esquina de la rue des Nounais-d’Hyères y de la rue de l’Hôtel de Ville», 1899
Eugène Atget: «Rue Hautefeuille», 1898
Eugène Atget: «Notre Dame»
Eugène Atget: «Esquina de la rue de Seine», 1924
Eugène Atget es sin duda el fotógrafo al que los enamorados de París más le debemos; sus fotos del «Vieux París», que hiciera por encargo del Consejo Municipal de París decidido a conservar la imagen de las viejas calles en el momento en que era previsible su desaparición, hizo posible este documento impagable. Eso ocurría en 1898. El desarrollo trae modernidad a las ciudades, pero la inmensa mayoría de las veces el viejo espíritu se desvanece y, no obstante eso, París ha conservado todo el encanto de su centro y de algunos barrios que, si se vive en ellos, una se da cuenta de que son como pequeños pueblos con todo lo bueno que eso conlleva. Hasta llegar ahí, Atget ha fracasado en los diversos aspectos de su vida: intentó dedicarse a la pintura sin grandes éxitos, lo mismo que al teatro como actor y, hasta que la fotografía llega a su vida, Arget navega sin rumbo. A partir de 1900 la fotografía de detalles gana en importancia haciéndose series de puertas, aldabones, cornisas…; Atget crea su serie «Les petits métiers», retratos de los distintos oficios, artesanía y la venta ambulante por las calles de París. En 1906 trabaja por encargo de la Blibliotheque Historique de la Ville de París fotografiando el centro, cuyo resultado es la serie «Topografía del viejo París». Después de la Primera Guerra Mundial, reanuda su actividad, realizando por encargo del pintor André Dignimont una serie sobre prostitutas. En esta época conoce al artista Man Ray. Las fotografías de Atget fascinaron a los surrealistas, pero eso es otro capítulo, porque da mucho de sí. Sus fantásticas fotografías reflejan lo cotidiano, la vida de París en tomas directas y, sin proponérselo, influyó sobre la estética surrealista, sobre todo en lo que se ha dado en llamar «l’objet trouvé».
Annie Leibovitz: » Susan Sarandon»
Todo el encanto de la actriz Susan Sarandon, una mujer que transmite energía y que sin ser excesivamente guapa tiene un atractivo magnético. Annie Leibovitz tiene la gran habilidad de captar en sus retratos la personalidad de cada personaje. Ha retratado a los mitos del cine y de la música, suyas son las fotos que le hiciera a John Lennon antes de ser asesinado a la entrada del edificio Dakota donde vivía; dichas fotos aparecieron publicadas el 22 de enero de 1981 en la revista Rolling Stone donde aparece en la portada Lennon desnudo en posición fetal junto a su esposa Yoko Ono. Y suya es la también muy famosa foto de Demi Moore desnuda en su embarazo. En 2009 la Royal Photographic Society la galardonó con la Medalla centenario; en 2013 se le concedió el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y de Humanidades; la revista American Photo la nombró la fotógrafa más influyente de nuestro tiempo y la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos le otorgó el título de «leyenda viva».
Annie Leibovitz:» John Lennon y Yoko Ono»
La Estirga Burlona 