Andrea del Sarto:» Autorretrato», óleo sobre tela. 47 x 34. Galleria degli Uffizi, Florencia

Andrea del Sarto: «La Virgen y el Niño entre S. Mateo y un ángel».C. 1529. Óleo sobre tabla, 98 x69. Museo del Prado, Madrid.

Este autorretrato quizás sea la pintura menos conocida de entre las obras del pintor toscano nacido el 18 de julio de 1486 y fallecido en 1531, que se dedicó al retrato de forma esporádica. La mayoría de su obra es de carácter religioso, como era habitual en el siglo XV, por encargo de las distintas órdenes religiosas para la decoración de conventos y claustros, como el del claustro del Scarzo, que terminó en 1526. Su estilo manierista se completó con el estudio de los trabajos de Miguel Ángel, Rafael y Leonardo. Los frescos que realizara para Santa María Novella y la iglesia de la Santa Trinidad son muy del estilo de Ghirlandaio, pero con una atmósfera ya más de la forma de hacer de Leonardo. De los tres maestros del Renacimiento, Andrea supo extraer lo más característico de cada uno, pero sumando la refinada sensibilidad que le caracteriza.  Su corta estancia en París, llamado a la corte francesa por Francisco I en 1518, para el que había realizado «La Virgen con el Niño», «Santa Isabel y S. Juan niño del Louvre», finaliza prontamente por los supuestos apremios de su mujer Lucrezia, de manera que el pintor regresa a Florencia en 1520. La segunda obra, «La Virgen y el Niño entre S. Mateo y un ángel» -conocida también como «La Virgen de la escalera»- se pintó para decorar la sacristía del monasterio del Escorial y desde allí llegó a El Prado en 1819; pintado originariamente para el banquero florentino Lorenzo di Bernardo, formó parte de la colección del Duque de Mantua y adquirida posteriormente por Carlos I de Inglaterra; de la corte inglesa pasó a la corte española como un regalo a Felipe IV. Se dice que el rostro de la Virgen es el de la mujer del pintor. Siempre me ha resultado muy curioso, de esta bellísima composición piramidal, ese rostro de mujer de rasgos «normales», no idealizados, que suele ser lo más frecuente en este tipo de representaciones religiosas; posiblemente por eso me gusta tanto.

Parmigianino: «La Madona dal Collo Lungo». Óleo sobre lienzo. 216 x 123. 1534-40. Galería de los Uffizi, Florencia.

Girolamo Francesco Mazzola, apodado Parmigianino por su corta estatura y lugar de nacimiento en Cassalmaggiore el 11 de enero de 1503 tuvo un ambiente familiar proclive al arte y un contacto directo con Coreggio a temprana edad, lo que sin duda influyó en su dedicación a la pintura en una vida trágicamente corta, ya que murió antes de cumplir los cuarenta, apremiado por las deudas por las que incluso sufrió pena de cárcel. Pintor claramente manierista, si algo define al «parmesanito» es la elegancia de las formas; su primer contacto con el manierismo es en la Toscana y con posterioridad el influjo de Miguel Ángel y Rafael son decisivos, tomando los modelos renacentistas con una clara orientación manierista. Aunque su producción es escasa, se decanta su obra por los temas religiosos, destacando «la Virgen de la Rosa», «La conversión de S. Pablo», su autorretrato, » Antea», «El Bautismo de Cristo» y por supuesto la «Virgen del cuello largo». Antes de marchar a Roma decora algunas capillas de la Iglesia de S. Juan Evangelista. Es en Roma cuando entra en contacto con las obras de los grandes maestros renacentistas. De su estancia en dicha ciudad son «La visión de S. Jerónimo», y «Desposorios Místicos de S. Margarita». Tras el saqueo de Roma huye a Bolonia, pero pasa los últimos años en su ciudad natal. El Parmigianino es un pintor exquisito y refinado, no hay más que admirar, en esta obra, las manos de la Virgen  y el cuerpo estilizado del Niño, que son soberbios; los elementos arquitectónicos forman parte asimismo de su producción y sus telas, de una delicadeza prodigiosa, conforman su manera de hacer majestuosa. Esta obra de expresiva elegancia resume a mi entender toda la gracia sutil de este pintor que expresó el  tema religioso de forma más estética que dogmática, actitud frecuente en la Roma del Papa Clemente VII. Esta pintura, la más conocida y célebre del artista, fue un encargo de Elena Balardi para su capilla privada en la iglesia de Sta. María dei Servi, quedando inacabada por la muerte del pintor en 1540. El significado  simbólico de los elementos del cuadro pueden resumir su afición por la alquimia, a la que se dedicó en sus últimos años de vida.

Caravaggio: «Júpiter, Neptuno y Plutón». 1597. Museo Casino Boncompagni Ludovisi. 500 x 285. Fresco

Esta única pintura mural de Caravaggio le fue encargada al pintor por su protector, el cardenal Francesco del Monte, integrante de un círculo de personajes interesados en la astrología, la alquimia o la magia. La decoración del techo de una habitación de la Villa Ludovisi la ejecutó Caravaggio como una alegoría de las teorías de Paracelso, que contemplaba el mundo como el resultado de los tres elementos: el agua-mercurio, la tierra-sal y el aire-sulfuro; los tres elementos están representados por los dioses del Olimpo que dan nombre al fresco: Júpiter, con las vestiduras al viento, representa el aire; Neptuno representa, con su caballo portador de aletas, al agua; y Plutón, que representa a la tierra y a los infiernos, con el perro de tres cabezas. El Orbe contiene en su interior los tres elementos que, mezclados, originarían el sol, la tierra y los signos zodiacales. Según las reglas alquímicas y el orden que establecen se perseguía la obtención de la piedra filosofal y el secreto de la vida. El interés del cardenal del Monte por las ciencias de Hermes Trismegisto no era ajena a la corriente que recorre el Renacimiento y el Barroco entre las altas jerarquías de la Iglesia y tampoco el único que, en su labor de mecenazgo, encargó obras de contenido hermético. Galileo era uno de los ilustres personajes que frecuentaba la Villa del cardenal junto con otros eruditos. La práctica hermética junto con disciplinas humanísticas como la filosofía o el arte pretendían de alguna manera la conciliación con las doctrinas cristianas.

Increíbles los escorzos de esta única obra mural de Caravaggio.

Sanders van Hemessen: «Vanitas», óleo sobre tabla, 90 x 73. Museo de Bellas Artes de Lille.

Aunque el barroco holandés no es precisamente un tipo de pintura que me entusiasme, traer aquí esta obra me parece muy interesante por lo peculiar de esa «vanitas», género cuya finalidad es precisamente advertir de la necesidad de obrar bien, de reflexionar sobre la vanidad de las cosas terrenas a fin de persuadir a los cristianos de no hacer el mal pensando en el premio o castigo en la otra vida. Esta tabla del Museo de Lille tiene la singularidad de que el ángel se representa con alas de mariposa, según unos porque esta encarna la metamorfosis y para otros porque anuncia la fragilidad de la vida, lo efímero; sea como fuere este ángel de Hemessen es sumamente curioso, macabro y casi coincide el que la incluya aquí con la celebración -tan anglosajona- y que tanto está arraigando aquí como es Halloween. Así mismo, las moscas suelen ser muy comunes en este tipo de representaciones, simbolizando la corrupción y la muerte. Se cree que esta tabla  formaba parte de un díptico en el que figuraba el personaje cuya calavera se refleja en el espejo. «La muerte saquea todas las cosas», la idea de la vanitas, se estampa en la tela en latín; la iconografía es tremenda para nuestra época llena de frivolidad y de carpe diem, pero hay que reconocer que está muy bien pintado. El trabajo de Jan Sanders van Hemessen se debió realizar en torno a 1535-40.

Matisse, «El mantel rojo», 29 x 116. Óleo sobre tela. Museo de Pinturas y Esculturas de Grenoble

En esta espléndida naturaleza muerta se pone de manifiesto el gusto del pintor por las telas cuyos dibujos y arabescos, como es patente en sus «odaliscas», forman una detallada caligrafía que aparece tanto en sus composiciones de bodegones como en la decoración de sus  «interiores». El rigor operativo de Matisse y su bagaje cultural los describe Apollinaire -el teórico defensor y apasionado de las vanguardias- con estas palabras: «El docto Matisse pinta con gravedad y solemnidad como si centenares de rusos y berlineses le estuviesen mirando. Si alguien se encuentra en su estudio él le catequiza y cita a Nietzsche y Claudel, mencionando también a Duccio, Cézanne y a los neozelandeses». Para Apollinaire el arte de Matisse sigue coherentemente hasta el final la poética baudeleriana de «lujo, calma y voluptuosidad». Siempre ocurrente el poeta Apollinaire, fue un lujo para «sus artistas».

Barbara Hepwoth:» Madre e hijo», 1934. Alabastro cumberland. Tate Gallery.

Barbara Hepworth: «Corinthos», 1956. Tate Gallery.

Su nombre, Barbara Hepworth,  está unido al de los grandes escultores de todos los tiempos. Nacida en Yorkshire, Inglaterra, en 1903, donde tuvo sus raíces, es no obstante el paisaje de Cornualles, donde se afincó y vivió hasta su muerte a la edad de 72 años, el que la ata a la naturaleza, al mar. Comenzó trabajando la madera, materia viva, pero a lo largo de su vida el metal, sobre todo a partir de los años 50 y después el bronce, de cuya fundición se encargaba personalmente, le proporcionaron el material que la artista necesitaba para modular la expansión de su obra;  la Hepworth realizaba sus maquetas en madera, acariciando y como en comunión con la materia para transformar las formas orgánicas en sus obras inspiradas en la naturaleza que la belleza de Saint Ives les regalaba a ella y a su marido Ben Nicholson. Los monolitos  diseminados por Cornualles es otro imán que los une a ese rincón de Inglaterra para siempre. Los dos creadores pertenecen al círculo de Braque, Mondrian, Brancusi, Henry Moore y Naum Gabo. Antes de afincarse definitivamente en Saint Ives, la escultora pasa largas temporadas en Florencia, Roma y Carrara, famosa por sus mármoles.

Su obra se encuentra en los más famosos museos del mundo como la Tate Gallery, la National Gallery of Modern Art de Edimburgo o la Art Gallery de Ontario entre otros. Murió en un incendio originado en su taller de Saint Ives, hoy bajo la tutela de la Tate Gallery de Londres.

Barbara Hepworth: «Dos figuras (Menhires)», 1964. Pizarra de Cornualles con base de madera.

Barbara Hepworth: «Dos formas», 1933. Alabastro con base de piedra caliza

Fantástica, soberbia la línea depurada de sus formas.

Henry Moore: «Figura reclinada de cuatro piezas», 1973

Henry Moore: «Figura reclinada, formas externas», 1953-57. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires.

Escultor británico (1898-1986) cuya fama internacional le vino de la mano de la concesión del Premio Internacional de Escultura de la Bienal de Venecia de 1948, Moore está considerado uno de los escultores más importantes del siglo pasado. Después de la Primera guerra mundial, en la que participó, se dedicó a la escultura; en el Leeds College of Art and Design conoció a la también escultora Bárbara Hepworth, con la que le unió una gran amistad. Sus viajes por Italia, Francia y España le permitieron el conocimiento de los clásicos, lo que junto al estudio del arte primitivo y de las colecciones etnográficas del Victoria and Albert Museum y del Británico de las culturas prehispánicas configuraron su forma de sentir que la escultura debía expresar una gran energía interior, del mismo modo que buscaba la inspiración en las formas que la naturaleza otorga a las conchas, guijarros, troncos, huesos… sin duda la figura humana; sobre todo las figuras yacentes y las maternidades ocuparon un lugar preferente, pero desechando la belleza al estilo clásico. A partir de 1940 comienza a horadar sus figuras de manera que lo cóncavo  y lo convexo, el vacío, los perfiles curvos envolventes y la monumentalidad de sus obras sobrecogen por el ritmo y la estabilidad conseguida al mismo tiempo. Quiero subrayar que ya un año antes, Bárbara Hepworth ya había horadado sus esculturas… y no añado más. Escultores como Brancussi, Epstein y Dobson ejercieron una influencia notable en su quehacer. Aunque utilizó diversos materiales, como piedra, madera, bronce, cemento endurecido, prefirió el bronce y la piedra y el tallado directo durante muchos años. La masa, el volumen y su relación con el hueco definen la obra de Moore, su fuerza y espiritualidad. En su casa de Perry Green trabajaron como ayudantes Anthony Caro y Richard Wentworth entre otros. La obra de Moore preside espacios abiertos repartidos por muchos países, siendo enorme su influencia en la escultura moderna.