Juan Rulfo.

Juan Rulfo

Juan Rulfo

Juan Rulfo: «Autorretrato en el Nevado de Toluca», década de 1940.

La faceta de fotógrafo de Juan Rulfo quizá no sea muy conocida fuera de México; sí para los amantes de la fotografía y los profesionales que saben que el autor de «Pedro Páramo» y «El llano en llamas», dos libros fundamentales de la literatura universal, tenía dos pasiones que coincidieron cronológicamente, (1940-1958), la escritura y la fotografía. Las imágenes de Rulfo abarcan el paisaje de México, la arquitectura, el retrato, la vida, los grupos étnicos… Algunas de estas fotografías ilustraron una de las ediciones de «Caminos de México», una guía turística. La primera gran exposición de fotografía de Rulfo se hizo en 1980 en México en un merecido homenaje de carácter nacional. En el 2001, en el Palau de la Virreina de Barcelona, se celebró la exposición «México: Juan Rulfo fotógrafo» una muestra muy completa donde el mundo indígena, mítico y poético de Rulfo se manifiesta en toda su verdad, dignidad y belleza. Para todos los que admiramos la obra literaria de Juan Rulfo esta faceta de gran fotógrafo se suma a lo «literario» a la hora de conocer un poco más el mundo intemporal creado por él.

Steichen: «Rodin ante El Pensador». 1911.

Steichen: «El cielo abierto, 11 p.m.». Revelado al carbón. 1908.

Durante su larga vida profesional Steichen tocó todos los géneros, el paisaje, los desnudos, los retratos, la moda, la publicidad, las flores, la danza…, setenta años de prolífica producción que no dejó de lado el arte y los artistas como son los retratos de Matisse o el de Rodin y sus fotografías a la luz de la luna del «Balzac»,  como esta, llamada «El cielo abierto, 11 p. m.», quizá la más sugerente de todas ellas, rodeada de misterio con esa atmósfera nocturna envolvente y posiblemente la más famosa. Steichen, meticuloso, anotaba las horas en que hacía sus tomas. Rodin dijo de ellas: «Sus fotografías harán comprender al mundo mi Balzac». Rodin se entusiasmó cuando vio los Balzac nocturnos, fue él el que sugirió al fotógrafo que los hiciera a la luz de la luna cuando la escultura estaba aún en yeso. Como buen pictorialista pasó horas buscando en el laboratorio el tono deseado y él mismo expresó que había «pintado» al Balzac como si fuera un cuadro, que en definitiva era lo que buscaban los fotógrafos llamados pictorialistas.

Philippe Halsman: «El bigote de Dalí». 1953.

Philippe Halsman: «Dalí atómico». 1948.

Philippe Halsman: «Salvador Dalí»

Philippe Halsman: «Dalí cíclope «. 1949.

Ya que estoy estos días revisando la obra de los fotógrafos surrealistas, traer de nuevo a Philippe Halsman es obligado; él se convierte en el precursor de la performance en el momento de auge del expresionismo abstracto de Pollock o de Rothko y de la Action Painting. Una vez  que consigue entrar, con la ayuda inestimable de Albert Einstein, en los Estados Unidos tras su huida de Europa por el temor a los nazis, dado su origen judío, y se asienta en el sueño americano, Philippe no cesó de fotografiar a todos los personajes del mundo de la política, del cine y del arte, como Nixon, Marilyn Monroe, Churchill, Matisse, Chagal, Picasso, Cary Grant, Rita Hayworth… una lista interminable de iconos del siglo XX. Alcanzó la fama a través de las revistas ilustradas y de todas ella era «el fotografo de Life». Fue además el primer presidente de la American Society of Magazine Photographers.

Su  fructífera colaboración con Dalí duró cuarenta años y para prueba estas fotografías de entre tantas; aquí se demuestra que la relación de trabajo entre dos grandes artistas puede llegar a ser un pulso creador entre titanes de una gran riqueza y no solo conceptual.

André Kertész: «Tulipán melancólico». 1939, N.Y.

André Kertész: «Chez Mondrian». 1926. París.

Dos muestras magníficas que no tienen nada que ver con la serie «Distorsiones», aunque la luz, la mirada y su maestría son patentes. La primera de ellas para mí es realmente impresionante, bellísima y bellísimo ese tulipán víctima del sentimiento; la sobriedad y perfección de «Chez Mondrian» es toda una lección que no habría que olvidar. Cuando llega a París se instala en Montparnasse y se dedica a retratar a escritores y artistas de su círculo de amigos, como Fujita, Mondrian, Chagall, Colette… Kertész fotografía escenas de la vida cotidiana, en ambientes naturales, pero a partir de 1928 su mirada se vuelve más sofisticada, con luces artificiales, perspectivas en diagonal e incluso aéreas, con encuadres esmeradamente construidos y sombras protagonistas. Su primera exposición individual la realizó en una pequeña galería de Montparnasse,»Le sacre du Printemps», en 1927. El artista, a lo largo de toda su vida, no cesa de experimentar, pero siempre siguiendo los dictados de su propio deseo; así, en los años sesenta, desde el piso 12 de su casa de N.Y., realiza unas tomas abstractas de Washington Square. En 1962 decide poner fin a su carrera. Este grande del arte de la fotografía dijo: Yo escribo con luz. Y yo añado: «y con poesía». Arte con mayúsculas y, aunque el azar a veces juega su partida, él no dejó nada al azar o casi nada.

André Kertész: «Distorsión 147»

André Kertész: » Distorsión 136″

André Kertész se mantuvo fiel a sí mismo al margen de los diversos movimientos, surrealismo, humanismo o constructivismo en los que se le puede encuadrar; su idea, su punto de vista prevalece, es un maestro que no se desvía al margen de las modas. Cada cosa está estudiada y pensada como hiciera después Cartier-Bresson y cada elemento debía estar en su sitio. Su mirada nueva y honesta consigo mismo nos abre un mundo nuevo y diferente.

Fotografía de André Kertész de la serie «Distorsiones»

André Kertész: «Distorsión número 60»

El gran maestro húngaro de la fotografía, nacido en Budapest en 1894, maestro a su vez de fotógrafos como Cartier-Bresson y de Brassaï, se inicia en la fotografía a su llegada a París en 1925. Y es en 1933 cuando con una Leica produce su famosa serie de «distorsiones», fotografiando el reflejo de los personajes en espejos deformantes, consiguiendo con ello que la plena subjetividad del artista prevaleciera sobre la realidad. Conseguir el reconocimiento internacional como fotógrafo vanguardista no fue, precisamente, un camino de rosas, a pesar de su traslado a N.Y. Tiene que llegar la década de los sesenta, concretamente en el año 1964, cuando su obra se da a conocer a través de una exposición individual en el MOMA. Trabajó como freelance para revistas como Vogue, Look y Harper’s Bazaar, pero es a raíz de su muestra en el MOMA cuando su carrera despega definitivamente; a partir de ahí se celebran homenajes por todo el mundo, Tokio, París, Estocolmo. Londres… En 1975 es el invitado de honor en Los Encuentros Internacionales de Fotografía de Arles. En 1984 dona sus negativos al Estado Francés. Su última serie, «Desde mi ventana», la realiza con una Polaroid. Fallece en su casa de N.Y. el 28 de septiembre de 1985.

Man Ray: «Dora Maar» 1936. París

Man Ray: «Dora Maar». 1936. París.

Man Ray junto con Brasaï están considerados los dos fotógrafos del surrealismo aunque la manera de trabajar del primero molestara a Bretón que lo consideraba «pre-surrealista» Para Man Ray el artista debe ser un ser privilegiado capaz de liberarse de todas las convenciones sociales, en cuya meta debería alcanzar la libertad y el placer, por tanto: el arte debe ser un placer sin esfuerzo.

 En este caso la fotógrafa Dora Maar, una de las compañeras de Picasso, es objeto de la captura de la realidad- huella de la cámara de Man Ray. El surrealismo abre un camino a la fotografía que se aproxima a un sueño, lo onírico tiene un gran campo de acción en el blanco y negro.