Moholy-Nagy

Moholy-Nagy

Moholy- Nagy

Moholy- Nagy

Mology-Nagy (1895-19469) es una figura renacentista del arte del siglo XX; de origen húngaro, su actividad abarca casi todos los saberes, pues fue crítico, pintor, escenógrafo, fotógrafo, pedagogo, diseñador y cineasta. Su preocupación por la luz, los efectos lumínicos  y el tiempo es una constante que se refleja en sus fotogramas. Los fotogramas, inventados al mismo tiempo que la fotografía a principios del siglo XX, fueron utilizados a partir de los años 20 por por Man Ray y Schad, pero el artista, que en ese momento estaba sobre todo dedicado a la creación pictórica, inicia sus fotogramas al entender las enormes posibilidades de este procedimiento que seguirá hasta su muerte; en total hablamos de unas 430 obras. Las propuestas de Maholy-Nagy siguen vigentes; la interacción entre sensibilidad y pensamiento, que desarrolla no solo en sus escritos sino en sus obras y su labor como pedagogo, dirigiendo en Chicago la New Bauhaus y creando el  Institute of Design, nos hablan de su intensa actividad. De igual manera que otros artistas en los años 20, utilizará y experimentará con distintos materiales como el aluminio, el acetato de celulosa. el plexiglás, que, posibilitando nuevas técnicas, corroboran la relación entre la industria, las artes y la ciencia. En sus fotogramas, usará dos técnicas diferentes, intentando captar la luz; para ello se sirve de objetos traslúcidos, como el vidrio, el cristal, tamices, velos que a veces superpone, que sitúa sobre un papel fotográfico especial que expone a la luz natural o artificial, o bien utilizando una cámara oscura. El tiempo de exposición dejará sobre el soporte de las superficies claras un fondo oscuro; con la cámara oscura el resultado se verá solo después del revelado tras la fijación de la copia.

Maholy-Nagy definió el fotograma como «una escritura y dibujo de la luz» o dijo de él que le permitía «pintar con la luz». Pero el fotograma era mucho más: el descubrimiento de otra realidad enriquecida.

Picabia: «Jesús y el delfín», 1928. Óleo sobre tela, 105 x 75.

Picabia: » Cordero místico y beso», 1927. Témpera sobre cartón, 48 x 62.

Picabia: «Luscunia», 1928. Óleo sobre panel, 149 x 139.

Después de la muerte del movimiento dadá, Picabia inicia la serie de Transparencias; esto suceda a partir de 1927. Las primeras de ellas las expone en la Riviera francesa, concretamente en el Club náutico de Cannes.  En esta serie de obras, el pintor de origen español superpone varias figuras o varias escenas sobre todo de temática española y otras de connotaciones del mundo clásico. En 1930, expone por primera vez en la galería del que será su marchante, nada menos que en la de L. Rosenberg. En esos años viaja constantemente y reside en Cannes y continúa exponiendo en el sur de Francia tanto como en París. Tras su serie de Transparencias sigue utilizando la figura y realiza retratos como el de Gertrud Stein y autorretratos, un género al que pocos pintores se han resistido. A partir de 1938 se instala en París; la ciudad de la luz persiste en ser el centro del mundo del arte; allí muestra sus trabajo «Paisajes del Mediterráneo», obras con reminiscencias de su época fauvista e incluso impresionista; un paso de reflexión hacia atrás que le impulsa a realizar a continuación obras abstractas; así es en casi todos los creadores con una larga trayectoria, Picasso en eso es un auténtico demiurgo. En años posteriores, instalado en Suiza, continúa investigando para llegar a realizar con su trabajo obras que se pueden considerar un precedente del arte Pop. Pero la vida sigue y su obra también.

Francis Picabia: «Retrato de Marie Laurencin, 1916-17. Tinta y acuarela sobre cartón, 56 x 45.

Francis Picabia:» He ahí a la mujer», 1915. Acuarela, gouache y óleo sobre papel. 73 x 48.

Francis Picabia:»Parade amoureuse, 1917. Óleo sobre lienzo, 96 x 73.

Francis Picabia:» El niño carburador», 1919. Óleo, esmalte, pintura metálica, pan de oro, lápiz y carboncillo sobre contrachapado. 176 x 101.

La aventura o trayectoria de toda una vida buscando un lenguaje propio es una línea, en la mayoría de los casos, sinuosa. El artista como explorador de los diferentes caminos donde el arte se desarrolla se ve asaetado por tentaciones a las que debe o bien dejarse sucumbir o sortear con mayor o menor éxito. El barniz que cualquiera de esas circunstancias deja en su obra es una vía en cualquier caso apasionante. El espectador, ante ese panorama deslumbrante, a veces se puede sentir abrumado o desconcertado. En el caso de Francis Picabia (París, 1879), pintor francés de origen español, se dan todas estos vericuetos, pero aquí veremos gráficamente solo uno de esos caminos. Así, el mismo pintor dice, hablando de sus principios: «El impresionismo fue el cordón umbilical que me permitió desplegar los pulmones, aprender a nadar». Por ello después, a partir de 1908, sus obras experimentan «tentaciones» por el fauvismo, el neoimpresionismo, el cubismo y la abstracción. A través del conocimiento de Duchamp entra en contacto con el grupo de Puteaux (que ya hemos visto recientemente) y expone en la «Sección de oro» donde presenta La Procesión, Sevilla, París y Figura triste (España y los toros, presente siempre en su obra). Así en 1915 comienza su periodo maquinista o mecanomórfico y, junto con Duchamp, abandera el movimiento dadaísta neoyorquino. Sus máquinas son como retratos y, a su través, muestran situaciones equivalentes a las humanas, destacando sus valores propios visuales y funcionales. En los años posteriores desarrolla su labor como guionista, editor y poeta. Participa en el movimiento dadaísta en Zúrich, invitado por Tzara. En 1927 comienza su periodo de transparencias, pero ese es otro tema que merece capítulo aparte. Su obra da mucho de sí.