«Rochers a Fontainebleau»

«Le pont de Maincy»

«Arbres dans le forêt»

El paisaje, en el gran maestro de Aix, junto con los bodegones y retratos es, a mi entender, lo mejor de su obra. No así la serie de desnudos y bañistas donde los cuerpos los encuentro desproporcionados, alargando los miembros y en actitudes un tanto forzadas. En el primero de los paisajes, esos tonos malvas y azules muy uniformes, salvo unos toques sabiamente salpicados en ocres y alguna pincelada verde, otorgan al conjunto una delicada armonía, si se quiere poco realista, pero realmente de una serena belleza, como si fuera un paisaje soñado. En el segundo, el verdor vibrante de los árboles a la derecha se equilibra con esas rayas negras que atraviesan desde la derecha la imagen; a ello contribuyen también los dos árboles en primer plano que las refuerzan y las sostienen. El ojo del puente de la derecha se refleja en el agua hasta casi la misma masa de verdor del ojo de la derecha y, sin embargo, este queda más próximo al espectador sin por ello romper el perfecto equilibrio. Por último, el más colorista, de vivos tonos, nos sugiere una masa forestal del todo primaveral, como un canto a la naturaleza renovada. Fantásticos los tres.

«Compotier, verre et pommes»

«Nature morte avec pommes»

«Nature morte à la commode»

¡Qué decir ante estos bodegones del gran maestro Cézanne! En el primero, sobre la línea que delimita el fondo, dibuja unas suaves hojas que es un motivo que, por otra parte, suele utilizar para unificar con esas pinceladas vibrantes una armonía con el todo, difuminando el fondo. El frutero levantado en la superficie de atrás nos permite ver el contenido, al margen de la perspectiva que está forzada y al revés; las manzanas, definidas a su alrededor en negro, delimitan con el color el paso de la luz y las sombras. Maravilloso. El segundo, con una factura más clásica, la luz se reparte desde atrás hacia adelante con esos paños tan blancos y pulcros. Los elementos del bodegón están perfectamente definidos y ese color azul de la parte derecha se une al paño azul de tono más oscuro con arabescos muy marcados, como todos los elementos del cuadro. Una se queda sin palabras: es perfecto. Por último, el tercero, con el tratamiento que da a la madera de la cómoda que hace de fondo, nos lleva a ver un mueble gastado por el tiempo y utiliza el mismo recurso de levantar el tablero de la mesa del mismo modo que el paño blanco; aquí el color más uniforme de las manzanas nos lleva al mismo tono que la boca de la jarra y de los adornos de la cómoda. Como decía Picasso el color tiene que estar en todos los sitios de una obra, compartiendo, unificando el todo, de esta manera se logran la armonía y la belleza. Y en estas obras Cézanne lo consigue, sin lugar a dudas.

En 1946, el pintor inicia una serie de obras en blanco y negro; estas están realizadas con pintura de esmalte sobre papel y luego montadas sobre madera. La pintura de esmalte comercial se seca rápidamente por lo que se vio obligado a trabajar con rapidez, algo que venía muy bien con el gestualismo que implica el expresionismo abstracto. De esta manera se obvian los grises y se pasa del blanco al negro sin pararse siquiera a plantearse nada más. Este procedimiento supone, para el pintor, una actividad febril que a mi modo de entender supone el acto creativo puro, enérgico, donde la mano actúa guiada por el cerebro de forma totalmente instintiva. Lo sé por propia experiencia, solo que yo he utilizado pintura acrílica con la que se puede actuar con la misma celeridad. El proceso, sumamente interesante, resulta muy gratificante, pero agotador; algo similar a la escritura automática, donde la mano actúa con total libertad, solo guiada por el subconsciente. Esta serie de De Kooning llamada Black Untitled se presentó en su primera exposición individual en la Galería Charles Egan de N. Y. Los marcados contrastes entre el blanco y el negro se parecen al trabajo de action painting de Jackson Pollock, pero difiere de la obra de Franz Kline y Robert Rauschenberg en sus respectivas pinturas monocromáticas y acromáticas.

«Una escena del refugio de Tilbury», 1941

1941

«Tres figuras sentadas», 1941

Estos dibujos corresponden a la serie Escenas de Refugio que el artista realizó impresionado por lo que presenció en la estación de Belsize Park del metro, cercano a su casa,  mientras era bombardeada la ciudad de Londres. Fue en la noche de septiembre de 1940 cuando él y su esposa tuvieron que refugiarse de las bombas y lo que allí contempló lo trasladó al papel en una serie de dibujos conmovedores. Los bombardeos alemanes dejaron más de la mitad de la ciudad en ruinas. El propio Moore lo narra así: «Vi cientos de figuras, extendidas a lo largo de los andenes, incluso los túneles parecían ser los agujeros de mis esculturas». En enero del cuarenta y uno el director de la National Gallery de Londres le invitó para que se convirtiera en el artista oficial de la guerra y durante un año se dedicó exclusivamente a dibujar lo que vio, trabajo que realizó de memoria en su casa de campo de Perry Green, donde se trasladó al ser destruido su estudio londinense. El dramatismo del último de los dibujos, de las tres figuras femeninas destacadas sobre los ladrillos del metro nos trasmite la desolación y la expectante tensión.