Monet y su esposa en Venecia
Simpática fotografía de 1908 donde se ve a Monsieur et Madame Monet en Venecia rodeados de palomas. Con su primera mujer, Camille, tuvo dos hijos y a la muerte de esta se casó con Alice Hoschedé que tenía seis hijos. En Giverny vivió con esta última y los ocho hijos de ambos. La de la fotografía es Alice, su segunda esposa.
Cuando estuve en Bruselas con ocasión de «Europalia 85», en la que España era el país protagonista y me habían expuesto un cuadro, cosa que, como es natural, me hizo mucha ilusión, me llamó la atención, que alrededor de la bellísima Gran Place, en las callecitas circundantes, en todos los restaurantes ofrecían «les moules» como plato típico y obligado. La verdad es que están buenísimos y es una receta sencilla y sin complicaciones, allí me hice adicta.
Ingredientes:
1 kilo de mejillones, tres o cuatro patatas para freír, una ramita de apio, cuatro chalotas, 100 ml. de vino blanco, 100 ml. de nata líquida, una cucharada de aceite de oliva o de mantequilla (yo lo hago todo con aceite de oliva, por aquello del colesterol), sal, pimienta negra y perejil fresco picado (opcional, yo como ese día no tenía no lo puse) Hay personas a las que el sabor fuerte del apio no les agrada, se puede prescindir de él.
Quitamos las barbas de los mejillones y las conchas que pudieran tener adheridas (se puede hacer con un cuchillo o con un estropajo de aluminio solo para eso). En una cazuela caliente ponemos el aceite o la mantequilla, y pochamos las chalotas y el apio (si queremos) cortados en daditos pequeños a fuego medio; a los cinco minutos añadimos el vino blanco y salpimentamos al gusto, teniendo en cuenta que el agua que sueltan los mejillones es ya bastante salada. Dejamos reducir unos minutos; incorporamos la nata y los mejillones y tapamos; a los cuatro o cinco minutos los mejillones se habrán abierto. Retiramos del fuego, añadimos el perejil picado y unas «frites», patatas fritas. Et voilà!
«Barcos de pesca en Honfleur»
«Barcas en Honfleur», 1866
«Barco en marea baja», 1881
Muchos pintores de la época, y aun hoy, buscan la luz de Normandía. Honfleur, una ciudad situada enfrente de Le Havre, en la desembocadura del Sena, según palabras del pintor dirigida a un amigo la describía así: «Esto, querido amigo, es adorable, descubro todos los días cosas cada vez más bellas». Allí Monet pintó una serie de cuadros con el tema de las barcas y los barcos que fondeaban en el puerto rodeado de casas muy pintorescas de pizarra donde hoy la mayoría albergan restaurantes y algunas han sido declaradas monumentos históricos. Durante sus estancias estivales, se hospedada en un local que fue casa de postas en el siglo XV llamado le Cheval Blanc. Igual que sucede en Bruselas, el menú típico eran les moules-frites, los mejillones con patatas fritas y un calvados. Curiosamente el local más famoso entonces, por su excelente cocina, era la granja Saint-Simon, un albergue frecuentado también por pintores y de precio muy asequible -ahora es un famoso hotel de cinco estrellas que ofrece clases de pintura, ¡lo que hace el turismo!-. La diferencia de tratamiento del segundo cuadro al tercero es muy evidente y en la datación se percibe claramente; el segundo, de los tres es el más «clasico», siendo el tercero en el que se aprecia de manera muy patente como el impresionismo lo impregna todo: la atmósfera envolvente y las pinceladas, los contornos difuminados…
«Tulipanes en un jarrón», 1892
«El jarrón azul oscuro», 1880
«Vaso con flores», 1900-03
Paul Cézanne, el padre de la pintura moderna, se sintió atraído por las naturalezas muertas y por los bodegones. En el primer lienzo, destaca la superficie de la mesa desde la nueva perspectiva, levantada hacia el espectador, brillantemente equilibrada por las piezas de fruta a la izquierda. Las pinceladas, sueltas, de diversos tonos, del fondo y del mantel presagian una forma de dotar de vida lo que antes podría ser un fondo plano. Y el jarrón, mitad vidriado del mismo color que las ramas verdes de la composición, unifica el conjunto de forma magistral, sin olvidar unas luces más claras que hacen vibrar el conjunto. Y, coronándolo todo, el rojo de los tulipanes… Realmente soberbio.
Picasso decía que, para que un cuadro funcionara, todos los colores utilizados debían estar en todos sitios a la vez Eso nos lleva a la reflexión y a analizar de esta manera las obras de arte. Desde entonces yo lo hago y debo darle la razón; de esta manera, el equilibrio es perfecto, pero conseguir hacerlo ya es otra cosa.
En el segundo cuadro, Cézanne pinta la superficie del jarrón con flores; no se trata de que estas se transparenten a través de él, sino que añade ese detalle para volver, de otra manera, a unificar el conjunto oscuro y que, por tanto, no podría transparentar el interior… brillante.
Y por último, este cuadro muy empastado abre paso con ese tejido floral a lo que después muchos utilizarán, como Matisse con sus telas con arabescos en sus odaliscas. Curiosamente este cuadro, por el tratamiento de la pintura, me parecería a simple vista anterior a los otros, aunque no sea así.
«Silueta de dos árboles, tras un curso de agua», 1900-1902
«Àrbol gris», 1911
«El árbol horizontal», 1911
«Manzano en flor», 1912
«El árbol A», 1913
De la pintura paisajística primera, Mondrian se va acercando a la naturaleza de forma distinta, despojándola de lo accesorio, como consecuencia del impacto que el cubismo tuvo en él. Su estancia en París, en 1911, cómo no, le hace replantearse ese acercarse al paisaje, pues nunca dejó de inspirarse en la naturaleza, pero buscando la esencia, sintetizando las formas, reestructurando el espacio para llevar a término su propio camino. Su evolución es evidente en esta serie de cuadros.
Foto : Bárbara
Foto: Bárbara
Foto: Bárbara
No es la primera vez que lo digo, el otoño es mi estación preferida, quizá porque de forma palpable se ve como el ciclo de la vida se pone otra vez en marcha, para en la primavera volver a contemplar cómo nacen los diminutos brotes y los ves crecer día a día. El otoño es como la vejez de la naturaleza que, al igual que en los humanos, pone arrugas de sabiduría en nosotros; yo aspiro a envejecer con la misma dignidad y belleza de las moreras que hay frente a mi casa. Un rostro surcado de arrugas puede ser tan bello o más que el cutis terso de un adolescente insulso, que los hay. El paso del tiempo no nos debe asustar, pues formamos parte de ese ciclo de vida que renueva nuestro mundo y ese mundo, hay que reconocerlo, es muy hermoso.
«Esqueleto con un cigarrillo encendido» , 1885-86. Museo Van Gogh de Ámsterdam.
«Cráneo», invierno 1887-88. Museo Van Gogh, Ámsterdam
«Cráneo lateral». 1887-88. Museo Van Gogh, Ámsterdam
«esqueleto colgando con gato», 1886-87. Museo Van Gogh, Ámsterdam.
Cuando Van Gogh era joven y estudiaba en Amberes, a los alumnos de Bellas Artes les hacían dibujar esqueletos para que llegaran a conocer bien la anatomía humana antes de iniciarse con el cuerpo -a este respecto, hay unos dibujos de anatomía que siempre me han fascinado y que son prodigiosos en donde se dibujan esqueletos con sus músculos; me refiero concretamente al libro de anatomía, todo un clásico, donde aparecen los dibujos de Vesalius. A Van Gogh estas clases le fastidiaban, le aburrían y reconocía que no se aprendía nada de ellas; por eso se permitía, con gran sentido del humor, dibujar esta primera calavera fumando, sosteniendo un cigarrillo entre los dientes. Van Gogh, que era un gran fumador de pipa, hoy estaría perseguido como un apestado, como lo somos todos los fumadores, aunque no contaminemos por no conducir. ¡Díganle a un defensor del medio ambiente que prescinda de su coche! El último es un dibujo a lápiz probablemente para los menús de Le Chat Noir y los demás están pintados al óleo.
«La Grande Vallée XVIII», 1984
«Tríptico Girolata», 1963
Joan Mitchell es una figura fundamental del expresionismo abstracto americano, aunque no es todo lo conocida por el público que su obra se merece; volvemos al eterno problema de su condición de mujer. Nacida en Chicago en 1925, donde se formó en el Smith College y en el Art Institute, viajó por Europa donde creció su admiración por Césanne, Vang Gogh, Kandinsky y por todos los pre y postimpresionistas. Con los años, su pasión por el arte la llevó en los cincuenta a viajar por Francia para finalmente instalarse con su marido, el pintor Riopelle, en París y, finalmente, en Giverny, donde falleció en 1992. Su estilo, muy evocador y original, sugerente, realizado con brochazos llenos de fuerza sobre lienzos con fondo blanco y a veces sin imprimar, donde libera toda su energía de gran potencia intuitiva que contiene ritmos de un equilibrio perfecto lleno de cadencias donde aúna lo racional, meditado, y la improvisación más libre no exenta de un lirismo que me atrevería a llamar poético. Por todo ello sus obras de gran formato son exquisitas y de una gran belleza. Tuvo una estrecha relación con Elaine de Kooning, Kline y Samuel Beckett; entonces el arte tenía un nombre, París, y allí es donde había que estar. Su influencia sobre las siguientes generaciones de pintores se ha ido viendo con el paso del tiempo. En la Documenta de Kassel de 1959 fue donde se dio a conocer a nivel internacional y hoy su obra se expone en los más importantes museos estadounidenses y franceses.
«Chard II», 1986
Picasso, con su sentido del humor, tan español, jugaba con la misma intensidad que lo hacen los niños y él siguió siendo un niño grande que sostenía los siguiente:
Foto: Bárbara
Foto: Bárbara
De nuevo en casa, después de unos días en Madrid y en Alcalá de Henares. En Alcalá he visto unos rosales rosas y amarillos que eran una preciosidad, pero ni tiempo he tenido para poder hacer alguna foto y lo lamento de veras; el tiempo era frío y húmedo, supongo que por la cercanía del río Manzanares, y ha llovido de modo que tampoco he podido pasear por sus orillas embarradas. Alcalá tiene rincones increíbles para traerlos en las retinas y en la máquina; otra vez será… y a modo de reencuentro me he acordado de estas flores de una planta carnosa que, igual que a los cactus, siempre me sorprenden por su aparente sencillez, pero de indudable belleza.
La Estirga Burlona 