Salvador Dalí expresó en distintas ocasiones su admiración por Velázquez y por Vermeer. Por el estudio me he encontrado con estas fotos del pintor, en una visita que hizo con Gala al Museo del Prado, en la que está ante su versión y el original del retrato de la infanta Margarita de Velázquez, así como de su «pose» ante el retrato de Felipe IV luciendo ambos bigotes parecidos, posiblemente él los calificaría de «dalinianos». Curiosas fotos muy al estilo del genio ampurdanés. Son fotos antiguas, por ello su calidad, hoy, no es muy buena, aunque como testimonio son impagables. Las fotos fueron publicadas por la revista «Blanco y negro» en un artículo de Miguel Utrillo.

George Braque. «Violín y vaso». 1010-11. Praga, Galería Národní. Cubismo analítico.

El día 21 de este mes la corresponsal en París del diario «El País», Ana Teruel, nos ofreció otro de sus interesantes artículos, esta vez dedicado a George Braque. El pintor, cofundador con Picasso del cubismo, tendrá por fin el merecido homenaje por parte del gobierno francés. Durante los cincuenta años que han pasado desde su muerte, su figura ha sido paulatinamente eclipsada por la de su amigo; posiblemente ha contribuido a ello también el hecho de que fuera, en vida, el pintor oficial del gaullismo y el único pintor vivo que tuvo el honor de exponer en el Museo del Louvre. Siendo Malraux ministro de cultura en el momento de su fallecimiento, tuvo unos funerales casi de jefe de estado. Por todo ello se puede decir que Braque concitó en vida todos los honores y reconocimientos posibles, y que su estrella se ha ido apagando durante 5 décadas. Ahora se está preparando una muestra en el Grand Palais que esperábamos con ansia los amantes del cubismo y, sabiendo como hacen las cosas en el país vecino, seguro que no nos defraudará. Los cuadros que pintara en l’Estaque, cerca de Marsella, como «Casas en l’Estaque» y «Paisaje en l’Estaque», se pueden considerar los primeros trabajos cubistas; aunque al principio los colores fauvistas imperasen en sus cuadros, el propio Matisse reconoció que Braque pintaba, ya en esa época, la realidad mediante cubos. Pero es indudable que Picasso y él, cuando este preparaba «Las señoritas de Aviñón» en el «Bateau-Lavoir», iniciaron una amistad y una relación extraordinariamente fructífera que será el desarrollo del cubismo. Que una personalidad tan fuerte como la del malagueño fuera capaz de trabajar codo con codo con otro pintor es en sí un hecho reseñable;  ante el carácter difícil de Picasso, la personalidad de Braque debió ser fuera de lo común; felizmente alumbraron un camino nuevo, que según mi opinión no está ni mucho menos agotado. Este otoño se abrirá una exposición que puede ser la exposición del año. Y espero no perdérmela.

Respecto al cubismo, Braque dijo: «Lo que me atraía de modo especial era la materialización de una nueva espacialidad. La primera indagación cubista era precisamente el espacio; el color solo tenia una función modesta: del color no nos interesaba mas que su aspecto luz. La luz y el espacio son dos cosas intimaménte conexionadas y nosotros las abordábamos juntas».

Cézanne: «Naturaleza muerte con cesta», 1888-90. Museo D’Orsay.

La vida de Cézanne, repartida fundamentalmente entre Aix en Provence y París, nos puede a simple vista parecer insulsa comparada con la de Gauguin o de van Gogh o con la idea que tenemos del pintor un tanto atormentado y salvaje. Su infancia y adolescencia en Aix, una ciudad provinciana en 1839, estará ligada a su obra hasta su muerte en 1906. El pintor nunca se llegó a encontrarse cómodo en los círculos artísticos de París. En Aix inicia sus estudios de pintura y allí los continúa en la academia Suisse y se aplica en la copia de los grandes maestros del Louvre.  Fue tertuliano del Café Guerbois al que asistían Manet, Pissarro, Renoir, Bazille… Su trayectoria en París no es fácil y su obra fue rechazada una y otra ven en El Salón de Otoño. El 1865 Manet había presentado en el Salón su Olimpia con un gran escándalo, Cezánne admiraba profundamente su obra y se nota su influencia en muchas de sus obras de ese periodo. En 1869 conoce a la que será su mujer, Hortense Fiquet, y madre de su único hijo Paul. Se refugia en L’Estaque, en la bahía de Marsella, durante el periodo que desemboca en la instauración de la III República. En esta estancia se percibe el comienzo de una nueva etapa: deja atrás el estilo romántico dando paso a la pintura de la reflexión. En Pantoise comienza a pintar muy unido a Pissarro al que considera su maestro. Vive con su familia una temporada en Auvers-sur-Oise en casa del doctor Gachet, quien más tarde acogerá a otro genio, Van Gogh; su paleta se aclara en los paisajes que pinta allí al aire libre. En París fracasa en las exposiciones en las que participa con los impresionistas, abandonando los círculos artísticos y manteniendo su amistad con Pissarro y con Zola. su amigo desde la infancia, a los que visita en Pantoise y en Médan. Continua pintando en L’Estaque. La ruptura con su entrañable amigo Zola se produce como consecuencia de la publicación de este de «L’Oeuvre», una novela en la que Cézanne es el protagonista solapado en un pintor fracasado; Zola es ya un novelista afamado y curiosamente, a partir de ahí comienza el reconocimiento del pintor por los grandes del impresionismo y por parte de pintores más jóvenes, como Matisse. El pintor nunca perdonó a Zola. Cézanne ya es admitido en el Salón y la aparición de Vollard, el famoso galerista y marchante, admirador de su obra, lanza esta hacia lo más alto.

El pintor desde que dejara los postulados impresionista, aunque siguiera toda su vida pintando la naturaleza,  en la Provenza, va realizando un proceso lento de introspección, más propio de la labor de un arquitecto. Él aspira a realizar una obra digna de los museos; no es un vanguardista ni pretende una ruptura con la tradición si no dar un paso hacia adelante y lo consigue buscando la esencia de las cosas, no la superficie de ellas, Para Cézanne la pintura era «un modo insustituible en la investigación de las estructuras profundas del ser, una búsqueda ontológica, una especie de filosofía». Hoy es un maestro imprescindible para entender la pintura posterior, por ejemplo, en su serie de las bañistas la esquematización de los cuerpos, la inexistencia de perspectiva, ni  de leyes anatómicas y los rostros que miran directamente al espectador son como máscaras…  Matisse y Picasso, evidentemente le deben mucho; en cuanto a la deuda de los cubistas daría para mínimo para otro post. Vivió en soledad sus últimos años; en la actualidad en Les Lauves está su casa museo donde se guardan bocetos, dibujos y elementos que formaron parte de sus naturalezas muertas.

Gauguin: «Autorretrato con nimbo». Óleo sobre lienzo. 79,6 por 51,7 cm. National Gallery of Art, Washington

Es posiblemente un autorretrato que cualquier pintor con sentido del humor y fina ironía hubiera querido hacer. La aureola de santidad sobre su cabeza quizá es lo primero que llama la atención. Este autorretrato lleva por título «Autorretrato con nimbo». Dos grandes masas de color conforman el cuadro, la parte superior en rojo, donde destacan dos manzanas, y la amarilla, en la que una serpiente que sostiene el pintor completa la idea de la tentación. La crítica religiosa se evidencia en esta simbología y en la intención de presentarse como «Tentador»; Gauguin se burla de sí mismo e ironiza sobre la imaginería cristiana.  Choca también su expresión triste o melancólica o de resentimiento; se ha hablado de amargura por no tener el reconocimiento esperado de sus compatriotas. El cuadro está fechado en 1889, antes de partir hacia la Polinesia francesa.