Marc Chagall: «Autorretrato». 1968. 61 x 51. Óleo sobre lienzo. Galería de los Uffizi (Florencia)

Marc Chagall: «El árbol de Jesé». Óleo sobre lienzo, 150 x 120. 1960. Öffentliche Kunstsammlung, Basilea.

¿Qué tiene Notre Damme de París? ¿Es real el simbolismo de la barca de Isis-Cité donde se asentó el núcleo de lo que después sería París?; ¿qué relación tiene con las Vírgenes negras, ya que todas reciben el nombre de Nuestra Señora?… ¿qué hace que algunos lugares objeto de culto y peregrinaciones resulten mágicos desde tiempos muy remotos? Siempre me hago esta pregunta cuando esa magia la siento en alguno de esos lugares, no siendo precisamente alguien practicante; lo curioso es que lo que cambia sea el culto, el nombre, la religión: el lugar sigue siendo el mismo. Las religiones mistéricas de la antigüedad se han ido sustituyendo, en apariencia, bajo otros nombres.

Chagall hace al cielo soporte de su pintura, uno de azules intensos donde libremente, sin sujeción ninguna el hombre libre vuela, donde la magia permite que los peces con cabeza de asno circulen y se crucen con arpías, y de Notre Dame brote el árbol de Jesé, que es la representación simbólica de la genealogía de Cristo a partir de la figura de Jesé padre del rey David. En el primer cuadro, su autorretrato, el pintor sostiene en la cabeza un gallo y a una mujer; la total falta de respeto de Chagall por la proporción, por la medida y la lógica lo hacen especialmente atractivo para los surrealistas cuando desembarca en París en 1910; entonces triunfaban estos y los fauvistas, y también posteriormente se dejó influenciar por los cubistas, pero solo admite algún elemento de pasada: su camino era distinto. Chagall, de origen judío, fuera de Bielorrusia necesita poblar su pintura de todo su acervo, los violines, velas, samovares, vacas, su origen y sus raíces, con la ingenuidad de niño; pero desde la fábula, la risa y la comicidad de los inteligentes. Su color,  el color, debe responder a la química, resultado de una intensidad casi alquímica.

Pero ¿qué tiene Notre Dame?, ¿responde a su necesidad de magia, de lo esotérico»? En el cuadro que tituló «El monstruo de Notre Dame», el tamaño de la Estirga saliendo de las torres casi dobla al de la catedral; la intensidad la contiene el «monstruo». La atracción que siente por Notre Dame es evidente. Lo mismo se puede decir de Picasso que, ¿se lo imaginan? iba a los muelles a dibujarla, a hacer bocetos que nunca quiso enseñar ni exponer.

Marc Chagall: «Los girasoles». Óleo sobre lienzo, 147 x 60. 1955. Galería Maeght, París.

Muy curiosa esta obra del pintor ruso por el uso de una paleta de tonos apagados, aunque aparecen la ventana y la escena cotidiana de una pareja con su hija (¿Ida?) asomados a un espacio ciudad-cielo. Los girasoles que han pintados casi todos los pintores que han pasado por la Provenza, en este caso no forman parte del paisaje, sino que forman parte de ese otro paisaje interior en los que Chagall reinventa la realidad con su magia y fantasía, donde  los enamorados vuelan por el cielo y los burros también y las vacas son verdes o blancas… y la música y los violines y los samovares; todo grácil y etéreo. Cuando Chagall pinta este óleo atípico -los enamorados están dentro de una habitación-, en 1955, hacía tres años que se había casado con su segunda mujer, Vava, y lejos quedaban los años en que él y su primera mujer, Bella, se refugian en el precioso pueblo de Gordes  al estallar la Segunda Guerra Mundial, como Vassarely y tantos otros. Fueron años, a pesar de todo, tranquilos en ese pueblo provenzal situado en la zona del Parque Natural del Luberon y con las bellezas paisajísticas de Vaucluse. Pero la memoria la utiliza el pintor para bucear y rastrear su pasado remoto de la infancia y el más próximo, a fin de que de «su realidad» no se escape nada; como en sus memorias, «Ma vie», escritas en 1933.  De modo que, muerta su querida Bella, la sigue evocando en estos girasoles que son los «vividos»  por ambos en la Provenza.

Odilon Redon: «La rama florecida amarilla». Carboncillo, óleo y temple sobre lienzo. 248 x 163. 1901. Museo de Orsay. París.

Odilon Redon: «Margaritas». Óleo y temple. sobre lienzo. 123 x 149. Museo de Orsay, París.

Odilon Redon es de la generación de los impresionistas y, como estos, recibe encargos para decorar salones, castillos o grandes mansiones. Lo «decorativo», a partir de 1900 no tiene el carácter peyorativo que posteriormente se le ha dado; grandes figuras como Monet o Renoir y el mismo Odilon Redon  reciben gustosos los encargos de las grandes fortunas de Francia para llevar a cabo dichas decoraciones que les permiten realizar obras de gran formato. Para algunos hoy sería un escándalo la frase que acuñó Albert Aurier, escritor y crítico: » No existen cuadros, solo existen decoraciones». El primer encargo que recibió fueron los cerca de quince paneles para el castillo del barón Robert de Domecy en Yonne, entre 1900 y 1901; realizados con temple, óleo y pastel, atrás quedaron sus obras en carboncillo, sus «Negros» de otra época anterior. En 1902 decora el salón de música de la casa parisina de la viuda del músico Chausson; y posteriormente la manufactura de Gobelins le encarga cartones para tapicerías. Pero es en Fontfroid en donde realiza su gran obra en decoración.

El primer cuadro, «La rama florecida amarilla», destaca por su marcado aire japonés dentro de su peculiar estilo; el segundo nos lleva a los paneles de Fontfroid.