Escultura en madera, sin titulo

Escultura en piedra, sin titulo

Torso. «Homenaje a Elisa Séiquer», escultura en piedra.

Expuestas en el Colegio de Arquitectos de Murcia, en 1987, en la exposición colectiva «Pintura y Escultura», subvencionada por la Consejería de Educación y Cultura de la Comunidad. Los trabajos de Aurelio, tanto en piedra como en madera, se ciñen al material que trabaja en función de los objetivos que persigue; de modo que mima la superficie de la madera, puliéndola como una piel que se adapta a las volúmenes que va creando. y su tacto es como una caricia que invita a recorrerlas con las manos. La piedra la trabaja sin obviar las propias características de rugosidad y rudeza volumétrica que potencian las propias características del objetivo de fuerza que pretende y consigue.

Epic, 1959

Beent Steel, 1974

Male Study, 1955

Catapult, 1990

Sigo mostrando el trabajo excelente de mujeres artistas que, no en este caso, pero que casi siempre tuvieron que luchar contra la sombra de sus colegas pintores. Judith trabó amistad con Jackson Pollock, Franz Kline, Willem de Kooning y Marcel Duchamp. Pintora estadounidense abstracta perteneciente al movimiento expresionista; el ambiente familiar, su padre amaba la arquitectura y la jardinería paisajista, facilitó que ella se dedicara a la pintura. Pocas veces, en el caso de las mujeres artistas, estas no tienen que salvar el obstáculo familiar, pero en este caso Judith encontró el camino trillado. Nacida en 1930 en Virginia, estudió durante dos años en el Mary Baldwin College en 1948-09. Allí fue donde conoció a la bailarina y coreógrafa Martha Graham, que tanto influyó en su obra. La danza fue su fuente de inspiración, lo que dotó de movimiento a su obra, a su trazo vigoroso y ondulante, a su manera de arrastrar el color sobre el lienzo. Se licenció en el 52 en la Virginia Commonwealth University, donde a modo de anécdota se cuenta que consiguió que las estudiantes pudieran ir con vaqueros a clase. Su talento hizo que en la la misma universidad le aconsejaran que se trasladara a N.Y., cosa que hizo en 1953, donde asistió a la Art Students League; una vez allí Hans Hofmann tuvo una gran influencia en su desarrollo artístico, sobre todo en el sentido del color. Ella acudía al estudio de este donde trabajaba con su esposa y ambos tuvieron mucho que ver con su crecimiento profesional. La fuerza de su gestualismo se ve en toda su obra. El pintor japonés Kenzo Okada, del que ya me he ocupado antes, fue otro artista que la influyó notablemente y a través de este conoció a la galerista Betty Parsons y expuso en su nueva galería Section Once. También, en un sentido puramente anecdótico, fue la artista femenina más joven en exponer allí.

«El tango vive», 1977

«Una estricta intimidad», 1965

«Dos palabras», 1663

«La tentación de S. Antonio», 1945-46

A partir de los años 50 realiza pinturas conocidas como «insomnios»; en estos cuadros, cuerpos o partes del cuerpo flotan junto con formas indefinidas formando lugares de ensueño. Poco a poco corta con lo que había hecho antes y se produce un curioso acercamiento al impresionismo. Trataba, como cualquier creador, de buscar y explorar nuevos caminos, modos de expresión, nuevos estilos y encontró el grabado, la escritura y la poesía .De nuevo al modo renacentista, que lo abarca todo; nada nuevo cuando el auténtico creador necesita expresarse por medios diferentes, pero a toda costa. Trabajó como grabadora en los talleres de de Georges Visal y Pierre Chave. En las décadas siguientes expone principalmente en la galería Alexandre. de N.Y. y por toda Europa. Las esculturas que realiza con materiales blandos conforman una instalación que pertenece a la exposición permanente del Centro Pompidou. Tras la muerte de su marido, vuelve a N.Y donde continua pintando, dibujando y haciendo collages. Su interés por la poesía continuó y por ello creó el premio anual Wallace Stevens e hizo un legado de la suya a la Academia de Poetas Americanos. Ella bromeaba diciendo que «era la más vieja de los nuevos poetas emergentes». Su calidad como poeta fue ampliamente reconocida por distintas publicaciones. En el 2004 se publicó su primer libro de poema, » A table of contents», y su novela corta «Chasm: A Weekend». Antes de morir publicó su segundo libro de poemas «Coming to that». Murió con 101 años el 31 de enero de 2012 en N.Y.

«Cumpleaños»

«Sotto voce II»,1959

«Far-From», 1954

«Naufragio en rosa», 1958

Esta polifacética artista americana, nacida en Illinois en 1910, fue ilustradora, escritora, pintora, escultora, diseñadora y una figura notable dentro del surrealismo e incluso del impresionismo. En 1930 se marchó a estudiar arte a Chicago. Cinco años más tarde se instaló en N.Y. donde trabajó como diseñadora publicitaria y allí entró en los círculos de artistas surrealistas y dadaístas. En 1939 fue a París con cartas de recomendación, pero en un momento en el que el país se estaba preparando para la guerra y en el que los artistas de la ciudad habían huido de la capital. En 1941 trabajó ilustrando para la casa de moda Macy’s mientras pintaba dentro del movimiento surrealista. Expuso en la galería de Julien Levin y este la puso en contacto con los pintores surrealistas que se habían exiliado desde Europa huyendo del nazismo. Fue así como conoció a Max Ernst con el que estaría durante 34 años hasta la muerte de este en 1976. Peggy Guggenheim estaba organizando una exposición de mujeres en el surrealismo para su galería y Ernst visitó el estudio de Dorothea buscando un cuadro de ella para dicha exposición. Tanning tenía su autorretrato «Birthday» en el que aparece con sus pechos desnudos; ella formó parte de la exposición y ese día en su estudio fue cuando se enamoraron. Vivieron en Serona (Arizona) y en París. Tuvo amistad con Duchamp, Rolan Penrose, Lee Miller y de George Balanchine para el que diseñó el vestuario de algunos de sus ballets. Hasta el 49, que se marcharon a Francia donde pasaban temporadas en París, en Turena o en la Provenza.

Reproducciones: 1ª, «Una quietud persuasiva»; 2ª «Surge, 1960; 3º, Sin título, 1946; ª, 4º, » Figura descendiendo una escalera», 1960

Perle Fine es otra pintora unida al expresionismo abstracto americano relativamente poco conocida a pesar de su gran categoría. Sigo pues tratando de dar voz a tantas magníficas artistas que, unidas a grandes pintores y coincidentes con estos en vida, en el tiempo, se vieron y aún se ven eclipsadas para el gran público, que no, por supuesto, para los estudiosos y críticos de arte ni para los artistas con los que se rodeó. Nacida en Boston en 1908 se mudó a N.Y. donde se fraguaba, por entonces, toda actividad creativa. Hasta 1930 estudió y se formó en distintas academias de N.Y. y Massschussetts. En 1950 fue propuesta por Willen de Kooning para formar parte del 8th Stret «Artiss Club» ubicado en el número 39. Participó durante la década de los cincuenta y durante siete años en las muestras anuales de Pintura y Escultura de N.Y. De todas las publicaciones anuales y de un total de 256 artistas de N. Y., Fine estuvo entre los 24 que aparecieron en todas ellas, dato importante por el hecho de que eran los propios artistas quienes hacían la selección. También en los años cincuenta vivió en Long Island, donde Jackson Pollok y Lee Krasner, Willem de Kooning y otros miembros de la Escuela de N.Y. fijaron su residencia de modo permanente. Murió en 1988. Podemos ver en su pintura, en distintos momentos evolutivos, elementos mironianos e incluso de Rotko, con esas superficies monocromáticas. que lo definen.

Mimosa, 1915

Autorretrato, 1889

Jardín en Vernonnet, 1915

Autorretrato

Polifacético Pierre Bonnard, fue pintor, fotógrafo y litógrafo francés nacido en Fortenay- aux-Roses en 1867. Unido al grupo de los nabis evolucionó a un estilo personal cercano al impresionismo. Cursó los estudios de Derecho y ejerció la abogacía, pero comenzó a tomar clases de pintura y dibujo en la Académie Julian. Allí entró en contacto con Mauricie Denis y Paul Sérusier cuyo cuadro, hoy en el Musée d’Orsay, «El talismán» le causó una fuerte impresión; esta obra, siguiendo el sintetismo de Gaugin y el simbolismo, la aplicación del color sobre todo y el arte japonés, tan en boga en aquellos años, le empujó a dedicarse plenamente a la pintura. Son años de gran efervescencia en el mundo del arte. Van Gohg llega a la Provenza en 1888. En su primera exposición colectiva expuso junto a Sérusier, Denis, Xabier Roussel, Edouard Vouillard… y, decidido plenamente a dejarlo todo por el arte, alquiló un taller en Montmartre. El grupo de los nabis, muy unido al teatro, le llevó a realizar decorados y vestuarios para obras de teatro como «Ubu roi» de Jarry en 1896. Asimismo diseñó vidrieras, tejidos, muebles e ilustró revistas como «la Revue Blanche», periódicos y libros. Su actividad se puede decir que lo abarcó todo. Y, como a tantos, la luz del Midi le influyó de modo bien claro y le llevó a reinterpretar el impresionismo de Renoir y Monet. En las dos últimas décadas de su vida realizó muchas exposiciones y fue reconocido por artistas como Matisse, Signac o Rouault.