«Tulipanes en un jarrón», 1892

«El jarrón azul oscuro», 1880

«Vaso con flores», 1900-03

Paul Cézanne, el padre de la pintura moderna, se sintió atraído por las naturalezas muertas y por los bodegones. En el primer lienzo, destaca la superficie de la mesa desde la nueva perspectiva, levantada hacia el espectador, brillantemente equilibrada por las piezas de fruta a la izquierda. Las pinceladas, sueltas, de diversos tonos, del fondo y del mantel presagian una  forma de dotar de vida lo que antes podría ser un fondo plano. Y el jarrón, mitad vidriado del mismo color que las ramas verdes de la composición, unifica el conjunto de forma magistral, sin olvidar unas luces más claras que hacen vibrar el conjunto. Y, coronándolo todo, el rojo de los tulipanes… Realmente soberbio.

Picasso decía que, para que un cuadro funcionara, todos los colores utilizados debían estar en todos sitios a la vez  Eso nos lleva a la reflexión y a analizar de esta manera las obras de arte. Desde entonces yo lo hago y debo darle la razón; de esta manera, el equilibrio es perfecto, pero conseguir hacerlo ya es otra cosa.

En el segundo cuadro, Cézanne pinta la superficie del jarrón con flores; no se trata de que estas se transparenten a través de él, sino que añade ese detalle para volver, de otra manera, a unificar el conjunto oscuro y que, por tanto, no podría transparentar el interior… brillante.

Y por último, este cuadro muy empastado abre paso con ese tejido floral a lo que después muchos utilizarán, como Matisse con sus telas con arabescos en sus odaliscas. Curiosamente este cuadro, por el tratamiento de la pintura, me parecería a simple vista anterior a los otros, aunque no sea así.

«Silueta de dos árboles, tras un curso de agua», 1900-1902

«Àrbol gris», 1911

«El árbol horizontal», 1911

«Manzano en flor», 1912

«El árbol A», 1913

De la pintura paisajística primera, Mondrian se va acercando a la naturaleza de forma distinta, despojándola de lo accesorio, como consecuencia del impacto que el cubismo tuvo en él.  Su estancia en París, en 1911, cómo no, le hace replantearse ese acercarse al paisaje, pues nunca dejó de inspirarse en la naturaleza, pero buscando la esencia, sintetizando las formas, reestructurando el espacio para llevar a término su propio camino. Su evolución es evidente en esta serie de cuadros.

«La Grande Vallée XVIII», 1984

«Tríptico Girolata», 1963

Joan Mitchell es una figura fundamental del expresionismo abstracto americano, aunque no es todo lo conocida por el público que su obra se merece; volvemos al eterno problema de su condición de mujer. Nacida en Chicago en 1925, donde se formó en el Smith College y en el Art Institute, viajó por Europa donde creció su admiración por Césanne, Vang Gogh, Kandinsky y por todos los pre y postimpresionistas. Con los años, su pasión por el arte la llevó en los cincuenta a viajar por Francia para finalmente instalarse con su marido, el pintor Riopelle, en París y, finalmente, en Giverny, donde falleció en 1992. Su estilo, muy evocador y original, sugerente, realizado con brochazos llenos de fuerza sobre lienzos con fondo blanco y a veces sin imprimar, donde libera toda su energía de gran potencia intuitiva que contiene ritmos de un equilibrio perfecto lleno de cadencias donde aúna lo racional, meditado, y la improvisación más libre no exenta de un lirismo que me atrevería a llamar poético. Por todo ello sus obras de gran formato son exquisitas y de una gran belleza. Tuvo una estrecha relación con Elaine de Kooning, Kline y Samuel Beckett; entonces el arte tenía un nombre, París, y allí es donde había que estar. Su influencia sobre las siguientes generaciones de pintores se ha ido viendo con el paso del tiempo. En la Documenta de Kassel de 1959 fue donde se dio a conocer a nivel internacional y hoy su obra se expone en los más importantes museos estadounidenses y franceses.

«Chard II», 1986