Dubuffet: «París plaisir V». 1962

El arte primitivo, popular, como expresión de una necesidad interior, realizado por personas al margen de consideraciones artísticas o de convencionalismos culturales, ha existido siempre; sus realizaciones, caracterizadas por su pureza, originalidad y alejadas de todo formalismo artístico, es el reflejo de lo más intimo del ser, de su subconsciente. Cosificar, tanto como clasificar, es una tentación a la que esta pura expresión de los pueblos primitivos no escapa; y así, en Francia, en los años cuarenta del pasado siglo, el pintor vanguardista Jean Dubuffet crea la expresión l’art brut (arte en bruto) para designar estas manifestaciones mezcla de estética neofigurativa y de pintura matérica.

El arte bruto o fuera de las normas encuentra su inspiración en el arte popular tradicional, pero a diferencia del naïf no está realizado cara a un reconocimiento posterior.  En la espontaneidad de los niños, de los enfermos mentales, de los marginados es la fuente donde bucea Dubuffet, que en 1945 crea la compañía del Arte Bruto en París con André Breton y el también escritor Jean Paulhan, y publican un manifiesto. En el Museo de las Artes Decorativas de París se realiza, en 1967, una gran muestra dedicada a este movimiento, al final «artístico», una vez que el sistema lo ha integrado.

No hay que desdeñar la gran influencia del psiquiatra Hans Prinzhorn, que ya en 1922 publicó un estudio sobre las expresiones artísticas basado en las de los enfermos mentales del psiquiátrico de Heidelberg en el que trabajaba, demostrando que la pulsión creadora instintiva no desaparece con la desaparición de la personalidad; sin duda en los medios artísticos fue un gran revulsivo, influenciando a Paul klee, Schlemmer, Max  Ernst, André Breton,,,  En los años 30 se realizan ya exposiciones temporales en varios países europeos.

Dubuffet :»La Grotte» de la ville Falbala.

La Grotte se encuentra dentro de la Closerie o Ville Falbala, construida en Périgny-sur-Yerres -donde está la fundación Dubuffet, lugar donde se conservan más de 1000 obras de este artista polifacético-, simulacro de un jardín cerrado construido por el artista en epoxi y cemento proyectado, y pintado con poliuretano sobre una superficie de 1610 metros cuadrados, declarada Monumento Histórico en noviembre de 1998.  La Ville Fabala está considerada su obra mayor.

Jackson Pollok: «Obra número 18». Museo Guggenheim de N. Y.

Se suele decir que «nunca segundas partes fueron buenas», en este caso doy fe de que sí; los cuadros de Pollok, a medida que avanza en su estilo, son cada vez mejores. Fue una gran pérdida su muerte prematura en un accidente y siempre se piensa, en estos casos, lo que podría haber llegado a hacer. En la Colección Peggy Guggenheim de Venecia se encuentra, por ejemplo, «La mujer luna» de 1942 con referencias todavía naturalistas. Al ir eliminando elementos reconocibles su personalísima forma de pintar abre un camino nuevo lleno de posibilidades. A Pollok se le llegó a conocer como «Jack the Dripper», haciendo un juego de palabras con «Jack the Ripper» (Jack el destripador).

Jackson Pollok: «Número 30. Ritmo de otoño». Museo de Arte Moderno de N. Y.

J. Pollok : «Numero 8». 1949. Museo Neuberger  de la Universidad Estatal de N.Y.

A partir de 1947  Pollok evolucionó hacia el expresionismo abstracto desarrollando el Dripping o Action-painting.

J. Pollok : «Shimmering Subtance». 1946. MoMA.

Esta técnica consiste en gotear y salpicar la pintura sobre una tela sin tensar colocada en el suelo. Según sus propias palabras: «Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor de ella, trabajar desde cuatro lados y estar literalmente en la pintura. Esto es propio de los métodos de pintura en arena de los indios del Oeste».

Dalí: «Persistencia de la memoria». Óleo sobre lienzo. 24 x 33 cm. MOMA , N.Y.

Esta obra, conocida también como «los relojes blandos», la pintó Salvador Dalí en el año 1931, se expuso primero en París en ese mismo año y con posterioridad en N.Y. En 1934 Hellen L. Resor lo dona al MOMA donde permanece. El cuadro, plenamente surrealista, registra el pensamiento científico y humanista del creador; siempre hago hincapié en el saber enciclopédico del pintor que marca el trasfondo de sus obras; las teorías físicas y filosóficas del momento (Freud sobre todo) están presentes de forma inequívoca. Ello hace que sus obras vayan más allá de lo anecdótico; en este caso, el paisaje amado de Cadaqués como telón de fondo de esa memoria ceñida a los relojes blandos, pero implacables.

Dalí: «La desintegración de la persistencia de la memoria». Óleo sobre lienzo. 1952-54.

Con posterioridad Dalí vuelve sobre el mismo tema de la memoria; me pregunto si lo obvio, que sería pensar en la perdida de memoria con el paso del tiempo, es eso solo o él sabía que durante el sueño se regenera la memoria reciente, nos gasta una broma o nos dice algo más que no sabemos interpretar… El átomo, los sueños, la memoria, la desintegración y la muerte son temas recurrentes que no surgen por que sí; el miedo al paso del tiempo, que conduce a la desaparición total, le obsesionaba, aunque dijese que se inspiró en el queso camenbert para pintar los relojes blandos en  cuanto que eran: «tiernos, solitarios, extravagantes y paranoico-críticos». La boutade, estaba servida.

Este cuadro de 25 x 33 cm. se encuentra en el Museo Salvador Dalí, San Petersburgo (Florida).

Kandinsky: «Improvisación Barranco. 1914». Óleo sobre tela. 110 x 110 cm. Múnich, Galería Estatal de Lenbachaus.

Kandinsky  falleció el 13 de diciembre de 1944 en Francia; ayer se cumplieron setenta años. Esta obra de hermosísima factura, con esos azules tan queridos por el pintor, la creó en Múnich y la terminó cuatro semanas antes de volver a Moscú, a donde consigue llegar tras muchas penalidades. Las posibles referencias a la realidad circundante de los barrancos del Valle del Infierno, donde el pintor fue de excursión con Grabielle Munter, no distorsionan los sentimientos encontrados que los torbellinos de color provocan en el espectador; y aunque lo real está dispuesto como una cascada, un sendero y una pareja… la fuerza del color y las formas se imponen en el camino del despojamiento exterior hacia la abstracción más pura. Esta época muniquesa le deparó  grandes luchas internas creadoras y el descubrimiento de nuevos horizontes que desarrollará a su vuelta a Moscú; un arte nuevo y revolucionario.