Dalí: «Persistencia de la memoria». Óleo sobre lienzo. 24 x 33 cm. MOMA , N.Y.

Esta obra, conocida también como «los relojes blandos», la pintó Salvador Dalí en el año 1931, se expuso primero en París en ese mismo año y con posterioridad en N.Y. En 1934 Hellen L. Resor lo dona al MOMA donde permanece. El cuadro, plenamente surrealista, registra el pensamiento científico y humanista del creador; siempre hago hincapié en el saber enciclopédico del pintor que marca el trasfondo de sus obras; las teorías físicas y filosóficas del momento (Freud sobre todo) están presentes de forma inequívoca. Ello hace que sus obras vayan más allá de lo anecdótico; en este caso, el paisaje amado de Cadaqués como telón de fondo de esa memoria ceñida a los relojes blandos, pero implacables.

Dalí: «La desintegración de la persistencia de la memoria». Óleo sobre lienzo. 1952-54.

Con posterioridad Dalí vuelve sobre el mismo tema de la memoria; me pregunto si lo obvio, que sería pensar en la perdida de memoria con el paso del tiempo, es eso solo o él sabía que durante el sueño se regenera la memoria reciente, nos gasta una broma o nos dice algo más que no sabemos interpretar… El átomo, los sueños, la memoria, la desintegración y la muerte son temas recurrentes que no surgen por que sí; el miedo al paso del tiempo, que conduce a la desaparición total, le obsesionaba, aunque dijese que se inspiró en el queso camenbert para pintar los relojes blandos en  cuanto que eran: «tiernos, solitarios, extravagantes y paranoico-críticos». La boutade, estaba servida.

Este cuadro de 25 x 33 cm. se encuentra en el Museo Salvador Dalí, San Petersburgo (Florida).

Kandinsky: «Improvisación Barranco. 1914». Óleo sobre tela. 110 x 110 cm. Múnich, Galería Estatal de Lenbachaus.

Kandinsky  falleció el 13 de diciembre de 1944 en Francia; ayer se cumplieron setenta años. Esta obra de hermosísima factura, con esos azules tan queridos por el pintor, la creó en Múnich y la terminó cuatro semanas antes de volver a Moscú, a donde consigue llegar tras muchas penalidades. Las posibles referencias a la realidad circundante de los barrancos del Valle del Infierno, donde el pintor fue de excursión con Grabielle Munter, no distorsionan los sentimientos encontrados que los torbellinos de color provocan en el espectador; y aunque lo real está dispuesto como una cascada, un sendero y una pareja… la fuerza del color y las formas se imponen en el camino del despojamiento exterior hacia la abstracción más pura. Esta época muniquesa le deparó  grandes luchas internas creadoras y el descubrimiento de nuevos horizontes que desarrollará a su vuelta a Moscú; un arte nuevo y revolucionario.

Juan Gris: «La botella de banyuls». Kunstmuseum, Berna, Suiza.

José Victoriano González Pérez, verdadero nombre de Juan Gris, es uno de los más grandes exponentes del cubismo, a cuyo movimiento permanece fiel cuando ya se imponía en las vanguardias francesas la vuelta al clasicismo; Picasso comienza entonces su época neoclásica, razón por la cual su alejamiento se hace patente. Este cuadro de 1914 es el resultado de la experimentación con diversos materiales como pasta de papel, óleo, carboncillo, lápiz y guache sobre lienzo, lo que le proporciona unas calidades y texturas muy interesantes.

El banyuls es un vino dulce que, en esa comarca, iniciaron los Templarios, aunque la receta se atribuye a Arnaud de Vilanova en 1285. Dichas viñas, cultivadas manualmente, descienden en terrazas hasta el Mediterráneo. Banyuls-sur-mer es el centro de esta zona vinícola, situada en El Pays Catalan (Pirineos Orientales). En esta localidad nació Aristide Maillol en 1861, cuyas primeras obras (tapices) están influenciadas por Puvis de Chavanne y Gaugin y sus esculturas de cuerpos femeninos se consideran como precursoras de las de Henry Moore o Alberto Giacometti.

Velázquez : «La Venus del espejo» Óleo sobre lienzo, 122 x 177 cm. National Gallery, London.

La venus del Espejo -catalogada en la National Gallery como «The Toilet Venus»-, conocida también como The Rokeby Venus, así llamada por ser durante el siglo XIX  propiedad de John Morritt que la colgó en su casa de Rokeby Park, en Yorkshire, es uno de los desnudos más hermosos que se hayan pintado. Se cree que durante la guerra de Independencia los ingleses la robaron y la sacaron de España; los ingleses siempre han tenido buen gusto, no hay más que ver sus museos. Lástima que sufriera el ataque de una furibunda sufragista que, armada con un hacha, dañó la tela; debido a ello la protegen con un cristal; nada más deprimente que ver una pintura al óleo sin respirar. con los reflejos inevitables del cristal; lo mismo le sucede a la cesta de pan de Dalí en su Museo de Figueres… una pena.

Los rosas y grises maravillosos de Velázquez, que los trató como nadie, rodean ese cuerpo de una delicadeza y belleza estilizada insuperable. Siempre se ha dicho que el rostro desdibujado que se refleja en el espejo no se corresponde con la finura del cuerpo; la verdad es que a mí me ha chocado siempre esa disonancia tan patente. Por otro lado la carnalidad, más propia de los pintores del diecinueve y de principios del veinte, hacen de esta Venus, una «deidad» más próxima a nuestros gustos, obviando claro al angelote en esta composición clásica, aunque con el desnudo de espaldas al espectador. Esta postura del cuerpo, frente a la mayoría de desnudos en posición frontal, le otorga además un halo enigmático, que se acrecienta con la distancia que Velázquez pone entre el primer plano y el rostro, haciendo borrosos los objetos en la distancia, como en las Meninas, en que también es evidente. Efecto este que se utiliza en el Renacimiento por ejemplo en el Tondo Doni de Miguel Ángel: pero que Velázquez utiliza de forma casi fotográfica.