Reproducciones: 1º Desnudo femenino durmiendo; 2º Autorretrato, 1823; 3º Desnudo sentado; 4º Frutas

Oriundo de York, a una edad muy temprana, solo con doce años, se puso a trabajar en una imprenta, donde permaneció siete años. Su vocación le llevó a Londres donde recibió instrucción en la Real Academia bajo la dirección de Thomas Lawrence. Allí se dedicó a copiar a diversos maestros, consiguiendo unas tonalidades de piel de gran realismo y calidad, aunque no la aprobación de la crítica. Fueron unos años duros con poco éxito comercial, pero a partir de 1820 su obra «La llegada de Cleopatra a Cilicia» tuvo una gran acogida. Por sus desnudos se ganó la fama de indecente en aquella sociedad mojigata; no obstante, la fortuna le comenzó a sonreír y pronto alcanzó la fama y el reconocimiento oficial. Fue elegido miembro de la Real Academia. Trabajó siempre con  modelos desnudos reales, algo que sus colegas consideraban inadecuado. Sus retratos y naturalezas muertas alcanzaron una enorme calidad y fue considerado un artista completo; de hecho fue el primero en pintar naturalezas muertas. Muy tímido, nunca se casó y vivió siempre con una sobrina. Murió en 1824 y nunca se desvinculó de su York natal contribuyendo a crear la primera escuela de bellas artes.

El primer desnudo, de gran factura, me lleva a la siguiente reflexión: ¡Hay que ver lo que dio de si la «Venus del espejo» de Velazquez!, reinterpretada por tantos pintores a lo largo de la historia. El bodegón o naturaleza muerte lo encuentro realmente bueno y el autorretrato es magnífico. 

Reproducciones: 1º Maceta de yaros (velas del diablo); 2º «Bouquet de lys sur fond rose; 3º Naturaleza muerta con follaje y libros, c. 1930; 4º Naturaleza muerta (Jarra blanca con flores) c. 1930

Juliette Roche nació en París el 21 de agosto de 1884 en el seno de una familia adinerada y vinculada con el mundo del arte vanguardista, la nobleza y con Jean Cocteau, ahijado de su padre. Este, Jules Roche, fue miembro del gobierno francés. Juliette estudió en la la Académie Ranson en París donde entra en contacto con Les Nabis. Su obra no solo se ciñe a la pintura, sino también a la creación literaria, el diseño y la poesía, que combina en sus composiciones. Fue en 1913 cuando expuso en el Salón de los Independientes y comenzó a escribir poesía, insertando eslóganes publicitarios. Su inquietud creativa le llevó siempre a la experimentación, a la búsqueda de nuevas formas y expresiones conforme a su espíritu inquieto y nada convencional. Pacifista convencida, cuando se declaró la Primera Guerra Mundial en 1914 viajó con el cubista Albert Gleizes a N.Y., donde participaron en actividades Dadá con Picabia y Duchamp; a la vuelta pasaron por Barcelona, donde expusieron en la Galería Dalmau, que tan unida estuvo con las vanguardias. Después se casaría con Gleizes, por lo que es más conocida como Juliette Roche Gleizes (lo de siempre o más de lo mismo). Colaboró con Duchamp en la preparación de la primera exposición de la Sociedad de Artistas Independientes de 1917, donde participó con obras Dadá. De nuevo en París escribió La Minéralisation de Dodley Cravin Mac Adam, que se publicó en 1919, donde narra las peripecias de Adam Cravin y otros exiliados en N.Y. Publicó también en la revista de Vicente Huidobro. Junto con su marido fundó una residencia de artistas en Sablons, que ofrecía estudios y talleres. Siguió exponiendo en colectivas hasta su muerte acaecida en noviembre de 1980.

En sus cuadros de flores, Juliette, crea formas y pinta flores «inventadas», algo que me toca muy de cerca, porque yo hago lo mismo. Es la revancha inconsciente, en mi caso así lo es, porque se asocia a las mujeres y las flores a «lo femenino». Quizás por eso he tardado treinta años en pintar flores, me asqueaba que identificaran o calificaran mi pintura con el hecho de ser mujer. Nada más injusto y contra lo que las artistas en general han tenido que luchar. Todavía no he oído que alguien diga de la obra de un pintor: ¡qué obra más masculina!. Las obras son malas o buenas y punto.

Reproducciones: 1º Screen I (díptico), 1955; 2º Young bamboo (díptico); 3º No. 3, 1953; 4º Blanco y oro, 1961

Kenzo Okada, nacido en septiembre de 1902 en Yokohama, tuvo que esperar a que su padre, que se oponía a que su hijo se dedicara al arte, muriera para poder dedicarse a su verdadera vocación. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Tokio, pero al igual que su compañero Fujita marchó a París en 1942. En aquella época, ya lo he dicho en varias ocasiones, el centro del mundo artístico estaba en París. En 1927 expuso en el Salon d’Automne y regresó a Japón el mismo año. En 1936 obtuvo un premio del Nikai Group de artistas contemporáneos, pasando a formar parte del mismo de forma vitalicia. Enseñó en la Universidad de Nihon y en la Universidad de Arte de Musashino. Su pintura realista realizada en Japón evoluciona al ir a N.Y. hacia la pintura abstracta, siendo el expresionismo abstracto imperante lo que le sedujo; no obstante, su sensibilidad oriental le hace ser distinto, con una fuerte personalidad que modula las formas y colores con una sutileza propia. En 1952 comienza a exponer en N.Y. en la galería Parsons. Su lirismo y reinterpretación de los efectos decorativos de la pintura tradicional japonesa lo hacen único. La neblina que envuelve sus obras, como sumergidas en agua, prestan a sus pinturas una atmósfera poética más propia del lenguaje escrito. Okada trabó amistad con Mark Rothko y especialmente con los amantes del color. Es un colorista nato. Murió en Tokio el 24 de julio de 1982.

Reproducciones: 1º «Retrato de su mujer»; 2º La escala amarilla (autorretrato), c. 1907; 3º «Discos de Newton, estudio para fuga en dos colores», 1911; 4º «Estudio para el lenguaje de las verticales», 1911; 5º «La catedral», 1912-1913.

Nunca de forma más clara se puede ver por las reproducciones la evolución de su pintura; desde el retrato de su mujer clásico, por cierto muy bueno, a la creación y estudio de la relación entre los colores. Kupka, nacido en la actual República Checa en 1871, estudió y se formó en Praga y expone por primera vez en Viena en 1894. En la primavera de 1896 se establece en Puteaux, en los alrededores de París, donde tiene como vecinos a Duchamp, Apollinaire, Léger, Metzinger y Gleizes. y, aunque expone en el Salón de Otoño en la sala de los cubistas, nunca quiso que se le encuadrara en dicho movimiento ni en ningún otro. A partir de 1911 se pasa a la abstracción, realizando formas circulares organizadas según una disposición rítmica. Se forma el grupo de Puteaux y acude a varias de sus reuniones. A principio se dio a conocer como ilustrador de libros, carteles y como caricaturista. Agrupó su obra artística en cinco categorías: círculos, verticales, verticales y diagonales, triángulos y diagonales. Expuso con otro excelente pintor checo, Alfons Mucha en el Jeu de Paume de París y en el MoMA de N.Y. Se hizo una retrospectiva de su obra en la Galerie Mánes de Praga en 1946 y en el mismo año en el Salon des Realités Nouvelles, donde expuso con regularidad hasta su muerte acaecida en Puteaux en 1957. Kupka se centró en sus teorías del color, que le llevaron a realizar discos que llamó de «Newton», porque con anterioridad había explorado sir Isaac Newton y Herman von Helmholtz. Su objetivo se centraba en liberar los colores de asociaciones descriptivas, reflejando sus teorías de movimiento, color y la relación entre la música y la pintura (orfismo).

Reproducciones: !ª Detalle del panel Pájaros y flores c.1570, Panel completo; 2º Cuervos y garzas, 1605-10, detalle y completo; 3º, Detalle y Panel completo derecho de Pinos.

Toharu, nacido en 1539 y originario de Nanao en la provincia de Noto, fue un pintor que comenzó haciendo pinturas budistas; ya a los veinte años era profesional y a los treinta se fue a Kioto para completar sus estudios en la prestigiosa escuela de Kano, que era conocida por sus murales, que decoraban los castillos y las casas de los más poderosos señores de la guerra. Se trataba sobre todo de tinta sobre papel blanco o bien de paneles de pan de oro que eran ostentosos a fin de mostrar el poder de los señores feudales. Su ansia por saber le llevó a estudiar los pergaminos más antiguos de Song, Yuan y Muromachi durante en su estancia en Kioto, de modo que desarrolló su propio estilo de Sumie y volvió al minimalismo de los antiguos. La influencia de Sesshu es evidente en muchas de sus obras, como su biombo de árboles y flores que fueron declarados tesoros nacionales de Japón. Tras la muerte de Kano Eitoku en 1590, Tohaku se convirtió en el mayor maestro vivo de su tiempo y en su taller se produjeron la obras más grandes y elegantes de algunos templos, que se conservan aún. Fue convocado a Edo y el shogun le otorgó el titulo sacerdotal de hogen. Murió a los 67 años-.

La elegancia, finura y trazos delicados de los grandes maestros japoneses están presentes; son la esencia de su pintura.

Reproducciones, «Desnudo de mujer» de Aurelia Navarro y «La Venus del espejo» de Velázquez, por este orden.

La vida y, como consecuencia, la obra de esta gran artista granadina estuvo dominada por una sociedad patriarcal que la marcó de forma tremendamente cruel. Y de ello no hace tanto; fue en 1882 cuando nace Julia Navarro en Granada en una plaza situada entre el Generalife y el Albaicín. La belleza de la ciudad que hizo llorar a Boabdil al rendirla dicen los entendidos que rodeó a la pintora, que formó su sensibilidad y la llevó a estudiar en la Escuela de Artes y Oficios donde Tomás Muñoz Lucena influyó en su quehacer artístico, de manera que marcha a seguir sus estudios en Madrid animada por su maestro. Y es allí donde se presenta a las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes y obtiene la tercera medalla del jurado. La notoriedad que va obteniendo, sin embargo, fue el motivo por el que su padre la hace regresar a Granada, como narra la doctora Matilde Torres López, para hacerla ingresar en un convento de la orden religiosa de las Adoratrices en 1923, truncando de esta manera su carrera artística, aberración que hoy nos parece impensable. Esta artista se atrevió a firmar sus cuadros, a pensar y recrear su mundo como hoy. puede hacer cualquier artista femenina. Otra cosa es que, como hemos visto en muchos casos, la obra de una mujer casi siempre supone una carrera de obstáculos frente al de sus colegas masculinos. Además tuvo la osadía de pintar este bellísimo desnudo, que se supone fue autorretrato, porque pintar el modelo en vivo también les estaba vedado a las pintoras. Los manuales de historia del arte han borrado su nombre y su familia ha contribuido a todo este disparate. Se calcula que pintó un centenar de obras entre 1904 y 1916. A María López Fernández, que ha investigado la imagen de la mujer en la pintura española, este caso le recuerda al de Camille Claudel (1864-1943); otro caso sangrante, pues terminó ingresada en una institución mental en Mondevergues (Francia). Lo que demuestra que en todo el mundo cuecen habas, como reza el dicho popular. Mujer, feminista y pintora en el siglo XIX y aun en el XX, una osadía y una locura… No sé que hacer: soy mujer, feminista y pintora, y nací en el siglo XX… Mon Dieu, quel horreur!

Según el arqueólogo Klaus Schmidt, que fue el que descubrió el yacimiento en 1995, este recinto fue una especie de catedral primitiva a la que acudían tribus desde muy lejos para realizar rituales. Si esto era así, demostraría que surgió la religión antes que las sociedades tal como las concebimos en la actualidad en torno a un poder político o militar. Aunque el esfuerzo enorme que supuso pudo ser el germen de lo social, ya que suponía un trabajo en común para lograr un mismo objetivo. Esta misteriosa religión veneraba cráneos humanos hace 11.500 años. El hallazgo de tres cráneos con marcas rituales así lo apunta. Por otra parte este tipo de uso ritual de los cadáveres es similar al de otros yacimientos Neolíticos y que los antropólogos conocen como el «culto de la calavera», aunque el de Göbekli Tepe presenta características únicas. Allí posiblemente la gente intercambiaba información y conocimientos y por ello no solo estamos ante el primer templo del mundo, sino también ante el primer lugar social. Hace 8.000 años fue abandonado y enterrado hasta formar una colina. Desde su hallazgo hace más de dos décadas su descubridor señaló, antes de su muerte, que solo se ha descubierto el 5% de todas las construcciones existentes. Hay, dijo, trabajo para 50 años más.