Foto, Bárbara.
Siempre seguimos pidiendo para todos unas Felices Fiestas, salud y paz entre los pueblos, que falta hace, y que se vaya por fin este año que precisamente no se ha portado nada bien. Mi cariño para todos los que habéis perdido un ser querido por esta pandemia que tardaremos en olvidar.
Fotografía de Jero
Como siempre Jero me manda fotografías espectaculares que me gusta compartir con vosotros. ¡Mil gracias!
Reproducciones: 1º Desnudo femenino durmiendo; 2º Autorretrato, 1823; 3º Desnudo sentado; 4º Frutas
Oriundo de York, a una edad muy temprana, solo con doce años, se puso a trabajar en una imprenta, donde permaneció siete años. Su vocación le llevó a Londres donde recibió instrucción en la Real Academia bajo la dirección de Thomas Lawrence. Allí se dedicó a copiar a diversos maestros, consiguiendo unas tonalidades de piel de gran realismo y calidad, aunque no la aprobación de la crítica. Fueron unos años duros con poco éxito comercial, pero a partir de 1820 su obra «La llegada de Cleopatra a Cilicia» tuvo una gran acogida. Por sus desnudos se ganó la fama de indecente en aquella sociedad mojigata; no obstante, la fortuna le comenzó a sonreír y pronto alcanzó la fama y el reconocimiento oficial. Fue elegido miembro de la Real Academia. Trabajó siempre con modelos desnudos reales, algo que sus colegas consideraban inadecuado. Sus retratos y naturalezas muertas alcanzaron una enorme calidad y fue considerado un artista completo; de hecho fue el primero en pintar naturalezas muertas. Muy tímido, nunca se casó y vivió siempre con una sobrina. Murió en 1824 y nunca se desvinculó de su York natal contribuyendo a crear la primera escuela de bellas artes.
El primer desnudo, de gran factura, me lleva a la siguiente reflexión: ¡Hay que ver lo que dio de si la «Venus del espejo» de Velazquez!, reinterpretada por tantos pintores a lo largo de la historia. El bodegón o naturaleza muerte lo encuentro realmente bueno y el autorretrato es magnífico.
Receta y fotos: Bárbara
Parece una tortilla, pero no, se trata de garbanzos gratinados con mahonesa por encima. Procuro poner recetas sencillas, para andar por casa, con ingredientes que normalmente tenemos en la despensa y que nos solucionan una comida sin complicarnos la vida, pero que a la vez estén buenísimas, fáciles y sin que no tengan un coste elevado. Esta reúne todos los requisitos. Yo la hago con garbanzos Pedrosillano, pero lo mismo sirven los que vienen ya cocidos en bote de cristal, con lo cual el primer paso que es cocerlos nos lo saltamos. Tal como está el pescado de contaminado y la carne que no nos conviene tomar demasiada, al final nos tenemos que ir cada vez más a los productos de la huerta y a las legumbres. Pido disculpas por la foto, pero no quería emplatar más bonito para que se viera el conjunto tal como sale del horno.
Ingredientes: Garbanzos, salsa de tomate frito, mahonesa, a ser posible casera, cebolla y hierbabuena.
Ponemos la víspera a remojo los garbanzos con bicarbonato; si son de bote, con escurrir el agua y lavarlos bien es suficiente. Los cocemos y, si ya vienen cocidos, cuando estén listos los escurrimos y colocamos en un recipiente para el horno. Hacemos un sofrito con la cebolla y la salsa de tomate. Se lo añadimos a los garbanzos y mezclamos bien. Y ahora es el momento de agregar unos trocitos de hierbabuena, mejor si es fresca; no escatimemos, porque es la gracia de este plato. Mientras habremos hecho una mahonesa casera con la que cubrimos todos los garbanzos. Solo queda meter el recipiente en el horno unos pocos minutos a gratinar, si nos despistamos, se nos puede quemar la mahonesa. Más fácil imposible. ¡Y buen provecho!
Reproducciones: 1ºGerda Taro; 2º Gerda y su pareja Endre Friedmann; 3º Dos soldados republicanos con una camilla; 4º Miliciano leal. Frente de Aragón.
En 1936, iniciada la Guerra Civil Española, la pareja se traslada a España para cubrir el conflicto en los distintos frentes y sus reportajes fueron publicados en revistas como Regards o Vu. Al principio ambos utilizaron indistintamente el nombre de Robert Capa, pero cuando se produjo el distanciamiento entre ellos, él siguió utilizándolo y ella ya las firmaba como Taro. En septiembre de 2007 El Centro internacional de Fotografía inauguró una muestra de toda la obra de ella en los Estados Unidos. En el verano de 2016 se celebró en Leipzig una muestra de sus fotografías al aire libre, que se decidió que fuera permanente, pero sus obras sufrieron un atentado, que se supone fue perpetrado por antisemitas o antirrefugiados; sus fotografías fueron manchadas con pintura negra. Se han hecho documentales y una película sobre la relación entre ambos fotógrafos, incluso una canción de la banda británica de indie rock Alt-J llamada «Taro» donde se destaca su trabajo como fotógrafa de guerra. Las firmadas por Capa y las de ella, según la comisaria Kristen Lubben, tienen un sello diferente:» Sus fotografías son mucho más posadas, con ángulos de cámara marcados. Capa estaba mucho más enfocado al movimiento». En Leipzig se le puso el nombre de Gerda Taro a un instituto de secundaria en 2018.
Gerda Taro una mujer fotógrafa periodista de guerra, valiente y decidida que puso en peligro su vida en los diferentes frentes pare realizar un trabajo que le apasionaba: dar testimonio de aquella guerra civil entre hermanos, la peor de las guerras posibles. Lo que hoy llamamos corresponsal de guerra, es un trabajo durísimo que solo los auténticos periodistas de raza son capaces de realizar. Mi total admiración para todos ellos.
Reproducciones: 1º Muerte de un miliciano; 2º Tanque de combate T-26 y tanquista; 3º Soldados republicanos, frente de Málaga, 1937 4º Endre Friedmann; 5º Víctimas mortales de los bombardeos de Valencia, 1937 6º Victima mortal de la Guerra Civil Española, 1937; 7º Gerda en el hospital.
El que todos creíamos que fuera un famoso fotógrafo americano que estuvo en España durante la Guerra Civil Española fue un seudónimo que adoptaron dos fotógrafos: Gerda Taro, nacida en Alemania en 1910 y fallecida en El Escorial en julio de 1936, y que en realidad se llamaba Gerta Pohoryulle, periodista gráfica, y el también fotógrafo Endre Friedmann, su pareja sentimental en aquellos momentos. Al inventarse el personaje de Robert Capa pensaron que sus fotos de la contiendan se venderían mejor. De todas ellas la que se hizo más famosa y recorrió medio mundo fue la del miliciano herido de muerte (foto nº1), que todos conocemos. Gerda murió con apenas veintiséis años aplastada por un tanque. Cuando la pareja se distanció, él siguió utilizando la firma de «Capa» y ella comenzó a firmar sus fotos como «Photo Taro»; el reportaje más importante de Gerda Taro en solitario fue la primera fase de la batalla de Brunete, en la que por cierto participó mi suegro; el triunfo republicano de esta primera fase se la publicaron en Regards en junio del 37. Sin embargo el contrataque de los franquistas hizo que estos ganaran la batalla. Gerda volvió al frente y, poniendo en riesgo su vida, sacó muchas fotografías de los bombardeos y fue durante el repliegue del bando republicano cuando cayó al suelo desde el estribo del coche en el que iba y un tanque, al dar marcha atrás, la aplastó. Trasladada al hospital inglés de El Escorial, murió a las pocas horas. Al no llevar el pasaporte, la iban a enterrar en una fosa común, pero alguien llamó a Rafael Alberti y a María Teresa León, su mujer, para que la reconocieran y poder darle una sepultura digna. Su cuerpo fue trasladado y enterrado definitivamente en París, en el cementerio del Pére-Lachaise, en la división 97. con todos los honores de una heroína republicana. París le dedicó una calle en su honor.
Reproducciones: 1º Maceta de yaros (velas del diablo); 2º «Bouquet de lys sur fond rose; 3º Naturaleza muerta con follaje y libros, c. 1930; 4º Naturaleza muerta (Jarra blanca con flores) c. 1930
Juliette Roche nació en París el 21 de agosto de 1884 en el seno de una familia adinerada y vinculada con el mundo del arte vanguardista, la nobleza y con Jean Cocteau, ahijado de su padre. Este, Jules Roche, fue miembro del gobierno francés. Juliette estudió en la la Académie Ranson en París donde entra en contacto con Les Nabis. Su obra no solo se ciñe a la pintura, sino también a la creación literaria, el diseño y la poesía, que combina en sus composiciones. Fue en 1913 cuando expuso en el Salón de los Independientes y comenzó a escribir poesía, insertando eslóganes publicitarios. Su inquietud creativa le llevó siempre a la experimentación, a la búsqueda de nuevas formas y expresiones conforme a su espíritu inquieto y nada convencional. Pacifista convencida, cuando se declaró la Primera Guerra Mundial en 1914 viajó con el cubista Albert Gleizes a N.Y., donde participaron en actividades Dadá con Picabia y Duchamp; a la vuelta pasaron por Barcelona, donde expusieron en la Galería Dalmau, que tan unida estuvo con las vanguardias. Después se casaría con Gleizes, por lo que es más conocida como Juliette Roche Gleizes (lo de siempre o más de lo mismo). Colaboró con Duchamp en la preparación de la primera exposición de la Sociedad de Artistas Independientes de 1917, donde participó con obras Dadá. De nuevo en París escribió La Minéralisation de Dodley Cravin Mac Adam, que se publicó en 1919, donde narra las peripecias de Adam Cravin y otros exiliados en N.Y. Publicó también en la revista de Vicente Huidobro. Junto con su marido fundó una residencia de artistas en Sablons, que ofrecía estudios y talleres. Siguió exponiendo en colectivas hasta su muerte acaecida en noviembre de 1980.
En sus cuadros de flores, Juliette, crea formas y pinta flores «inventadas», algo que me toca muy de cerca, porque yo hago lo mismo. Es la revancha inconsciente, en mi caso así lo es, porque se asocia a las mujeres y las flores a «lo femenino». Quizás por eso he tardado treinta años en pintar flores, me asqueaba que identificaran o calificaran mi pintura con el hecho de ser mujer. Nada más injusto y contra lo que las artistas en general han tenido que luchar. Todavía no he oído que alguien diga de la obra de un pintor: ¡qué obra más masculina!. Las obras son malas o buenas y punto.
Fotos, Bárbara
Las flores de la bignonia están así de esplendidas a principios de diciembre. No se puede pedir más. Recuerdo el día en que mi cuñado Antonio se presentó en casa con esa planta, entonces pequeñita, porque él tenía una en su casa de campo y crecía que daba gusto verla. Nunca pensé que en el poco espacio de tierra que tengo crecería con las mismas ganas y generosidad. Y ahí sigue adornando nuestros días. ¡Gracias Antonio allí donde estés!
Reproducciones: 1º Screen I (díptico), 1955; 2º Young bamboo (díptico); 3º No. 3, 1953; 4º Blanco y oro, 1961
Kenzo Okada, nacido en septiembre de 1902 en Yokohama, tuvo que esperar a que su padre, que se oponía a que su hijo se dedicara al arte, muriera para poder dedicarse a su verdadera vocación. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Tokio, pero al igual que su compañero Fujita marchó a París en 1942. En aquella época, ya lo he dicho en varias ocasiones, el centro del mundo artístico estaba en París. En 1927 expuso en el Salon d’Automne y regresó a Japón el mismo año. En 1936 obtuvo un premio del Nikai Group de artistas contemporáneos, pasando a formar parte del mismo de forma vitalicia. Enseñó en la Universidad de Nihon y en la Universidad de Arte de Musashino. Su pintura realista realizada en Japón evoluciona al ir a N.Y. hacia la pintura abstracta, siendo el expresionismo abstracto imperante lo que le sedujo; no obstante, su sensibilidad oriental le hace ser distinto, con una fuerte personalidad que modula las formas y colores con una sutileza propia. En 1952 comienza a exponer en N.Y. en la galería Parsons. Su lirismo y reinterpretación de los efectos decorativos de la pintura tradicional japonesa lo hacen único. La neblina que envuelve sus obras, como sumergidas en agua, prestan a sus pinturas una atmósfera poética más propia del lenguaje escrito. Okada trabó amistad con Mark Rothko y especialmente con los amantes del color. Es un colorista nato. Murió en Tokio el 24 de julio de 1982.
Reproducciones: 1º «Retrato de su mujer»; 2º La escala amarilla (autorretrato), c. 1907; 3º «Discos de Newton, estudio para fuga en dos colores», 1911; 4º «Estudio para el lenguaje de las verticales», 1911; 5º «La catedral», 1912-1913.
Nunca de forma más clara se puede ver por las reproducciones la evolución de su pintura; desde el retrato de su mujer clásico, por cierto muy bueno, a la creación y estudio de la relación entre los colores. Kupka, nacido en la actual República Checa en 1871, estudió y se formó en Praga y expone por primera vez en Viena en 1894. En la primavera de 1896 se establece en Puteaux, en los alrededores de París, donde tiene como vecinos a Duchamp, Apollinaire, Léger, Metzinger y Gleizes. y, aunque expone en el Salón de Otoño en la sala de los cubistas, nunca quiso que se le encuadrara en dicho movimiento ni en ningún otro. A partir de 1911 se pasa a la abstracción, realizando formas circulares organizadas según una disposición rítmica. Se forma el grupo de Puteaux y acude a varias de sus reuniones. A principio se dio a conocer como ilustrador de libros, carteles y como caricaturista. Agrupó su obra artística en cinco categorías: círculos, verticales, verticales y diagonales, triángulos y diagonales. Expuso con otro excelente pintor checo, Alfons Mucha en el Jeu de Paume de París y en el MoMA de N.Y. Se hizo una retrospectiva de su obra en la Galerie Mánes de Praga en 1946 y en el mismo año en el Salon des Realités Nouvelles, donde expuso con regularidad hasta su muerte acaecida en Puteaux en 1957. Kupka se centró en sus teorías del color, que le llevaron a realizar discos que llamó de «Newton», porque con anterioridad había explorado sir Isaac Newton y Herman von Helmholtz. Su objetivo se centraba en liberar los colores de asociaciones descriptivas, reflejando sus teorías de movimiento, color y la relación entre la música y la pintura (orfismo).
La Estirga Burlona 