Reproducciones: 1º Desnudo femenino durmiendo; 2º Autorretrato, 1823; 3º Desnudo sentado; 4º Frutas

Oriundo de York, a una edad muy temprana, solo con doce años, se puso a trabajar en una imprenta, donde permaneció siete años. Su vocación le llevó a Londres donde recibió instrucción en la Real Academia bajo la dirección de Thomas Lawrence. Allí se dedicó a copiar a diversos maestros, consiguiendo unas tonalidades de piel de gran realismo y calidad, aunque no la aprobación de la crítica. Fueron unos años duros con poco éxito comercial, pero a partir de 1820 su obra «La llegada de Cleopatra a Cilicia» tuvo una gran acogida. Por sus desnudos se ganó la fama de indecente en aquella sociedad mojigata; no obstante, la fortuna le comenzó a sonreír y pronto alcanzó la fama y el reconocimiento oficial. Fue elegido miembro de la Real Academia. Trabajó siempre con  modelos desnudos reales, algo que sus colegas consideraban inadecuado. Sus retratos y naturalezas muertas alcanzaron una enorme calidad y fue considerado un artista completo; de hecho fue el primero en pintar naturalezas muertas. Muy tímido, nunca se casó y vivió siempre con una sobrina. Murió en 1824 y nunca se desvinculó de su York natal contribuyendo a crear la primera escuela de bellas artes.

El primer desnudo, de gran factura, me lleva a la siguiente reflexión: ¡Hay que ver lo que dio de si la «Venus del espejo» de Velazquez!, reinterpretada por tantos pintores a lo largo de la historia. El bodegón o naturaleza muerte lo encuentro realmente bueno y el autorretrato es magnífico. 

Reproducciones: 1º Maceta de yaros (velas del diablo); 2º «Bouquet de lys sur fond rose; 3º Naturaleza muerta con follaje y libros, c. 1930; 4º Naturaleza muerta (Jarra blanca con flores) c. 1930

Juliette Roche nació en París el 21 de agosto de 1884 en el seno de una familia adinerada y vinculada con el mundo del arte vanguardista, la nobleza y con Jean Cocteau, ahijado de su padre. Este, Jules Roche, fue miembro del gobierno francés. Juliette estudió en la la Académie Ranson en París donde entra en contacto con Les Nabis. Su obra no solo se ciñe a la pintura, sino también a la creación literaria, el diseño y la poesía, que combina en sus composiciones. Fue en 1913 cuando expuso en el Salón de los Independientes y comenzó a escribir poesía, insertando eslóganes publicitarios. Su inquietud creativa le llevó siempre a la experimentación, a la búsqueda de nuevas formas y expresiones conforme a su espíritu inquieto y nada convencional. Pacifista convencida, cuando se declaró la Primera Guerra Mundial en 1914 viajó con el cubista Albert Gleizes a N.Y., donde participaron en actividades Dadá con Picabia y Duchamp; a la vuelta pasaron por Barcelona, donde expusieron en la Galería Dalmau, que tan unida estuvo con las vanguardias. Después se casaría con Gleizes, por lo que es más conocida como Juliette Roche Gleizes (lo de siempre o más de lo mismo). Colaboró con Duchamp en la preparación de la primera exposición de la Sociedad de Artistas Independientes de 1917, donde participó con obras Dadá. De nuevo en París escribió La Minéralisation de Dodley Cravin Mac Adam, que se publicó en 1919, donde narra las peripecias de Adam Cravin y otros exiliados en N.Y. Publicó también en la revista de Vicente Huidobro. Junto con su marido fundó una residencia de artistas en Sablons, que ofrecía estudios y talleres. Siguió exponiendo en colectivas hasta su muerte acaecida en noviembre de 1980.

En sus cuadros de flores, Juliette, crea formas y pinta flores «inventadas», algo que me toca muy de cerca, porque yo hago lo mismo. Es la revancha inconsciente, en mi caso así lo es, porque se asocia a las mujeres y las flores a «lo femenino». Quizás por eso he tardado treinta años en pintar flores, me asqueaba que identificaran o calificaran mi pintura con el hecho de ser mujer. Nada más injusto y contra lo que las artistas en general han tenido que luchar. Todavía no he oído que alguien diga de la obra de un pintor: ¡qué obra más masculina!. Las obras son malas o buenas y punto.

Reproducciones: 1º Screen I (díptico), 1955; 2º Young bamboo (díptico); 3º No. 3, 1953; 4º Blanco y oro, 1961

Kenzo Okada, nacido en septiembre de 1902 en Yokohama, tuvo que esperar a que su padre, que se oponía a que su hijo se dedicara al arte, muriera para poder dedicarse a su verdadera vocación. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Tokio, pero al igual que su compañero Fujita marchó a París en 1942. En aquella época, ya lo he dicho en varias ocasiones, el centro del mundo artístico estaba en París. En 1927 expuso en el Salon d’Automne y regresó a Japón el mismo año. En 1936 obtuvo un premio del Nikai Group de artistas contemporáneos, pasando a formar parte del mismo de forma vitalicia. Enseñó en la Universidad de Nihon y en la Universidad de Arte de Musashino. Su pintura realista realizada en Japón evoluciona al ir a N.Y. hacia la pintura abstracta, siendo el expresionismo abstracto imperante lo que le sedujo; no obstante, su sensibilidad oriental le hace ser distinto, con una fuerte personalidad que modula las formas y colores con una sutileza propia. En 1952 comienza a exponer en N.Y. en la galería Parsons. Su lirismo y reinterpretación de los efectos decorativos de la pintura tradicional japonesa lo hacen único. La neblina que envuelve sus obras, como sumergidas en agua, prestan a sus pinturas una atmósfera poética más propia del lenguaje escrito. Okada trabó amistad con Mark Rothko y especialmente con los amantes del color. Es un colorista nato. Murió en Tokio el 24 de julio de 1982.