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Un personaje florentino

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Foto: Bárbara

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Los Uffizi. Foto: Bárbara

Debajo de la escultura de Pisano, este personaje renacentista, inmóvil, con la cúpula del Duomo a cuestas, un hito en la historia de la arquitectura, se supone que va disfrazado de su autor, Brunelleschi, deja pasar las horas frente a los Uffizi como si nos quisiera retrotraer a aquellos tiempos en los que el arte se escribía con mayúsculas. Dicha inmovilidad me sobrecoge.

La Grenuillère, Monet y Renoir (1869)

1 -M

“Bain à la Grenuillère”. Monet. Óleo de 75×99 cm, Metropolitan Museum of N.Y.

2 - R

“La Grenuillère”. Renoir

A las afueras de París y a lo largo del Sena, en la época en que tan de moda estaban los balnearios, Monet y Renoir dedicaron parte de su tiempo a pintar los efectos del agua y la luz sobre el paisaje. Uno de los lugares más populares y frecuentados por los parisinos era la isla de La Grenuillère donde además había un restaurante y, como es bien sabido, donde se come y se bebe bien, y hay buen ambiente, la concurrencia está asegurada. Monet y Renoir no eran ajenos a su encanto y ambos tomaron el mismo motivo y desde el mismo ángulo para realizar estas obras; poder compararlas así me parece muy interesante; algo que ellos sin duda hicieron en su momento. A simple vista el de Renoir es más impresionista, baste con observar el bosquecillo de árboles del fondo o las barcas, cuya definición es más imprecisa, o la ondulación del agua, donde la pincelada es más corta, y los mismos elementos en Monet, donde la pincelada está más definida y larga, más “clásica” por así decir. No obstante, como siempre digo, en la trayectoria de cualquier artista hay obras que nos sorprenden, porque nos chocan al no responder a a su estilo, lo que demuestra que en todos siempre hay intentos, ensayos, estudios o experimentos que les ayudan y que luego les conducirán a su camino definitivo.

Picasso en Gósol

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Pisasso.” Gósol”. 1908

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Picasso. “Desnudo con las manos juntas”. 1908

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Picasso.”Adolescentes”. 1908

En la actualidad, estas tres obras de Picasso que él pintara durante su estancia en Gósol están en L’Orangerie (París).

 

El Museo Arqueológico de Florencia

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Fotos : Bárbara

Hay tanto que ver en Florencia que  muchos no nos planteábamos ir al Museo Arqueológico y la verdad es que merece la pena. Es un museo pequeño que se recorre con facilidad, abierto a un jardín lleno de árboles y pájaros que te acompañan con sus trinos como música de fondo. Muy bien montado, de forma muy didáctica, está justo al lado de la Piazza della Santissima Anunziata, en una callecita lateral de la iglesia barroca dedicada a S. Antonio, si no recuerdo mal. Lo encontramos por pura casualidad y nos encantó. La historia estaba allí representada por ánforas, vasijas, copas, pulseras, armaduras y enterramientos etruscos.

Marlene Dumas

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“Por quién doblan las campanas”, 2008. Interpretación de Ingrid Bergman en una escena de la pelicula

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“Medir su propia tumba”, 2003

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“Blanco roto”, 2006

 

Marlene Dumas es una artista sudafricana nacida en Ciudad del Cabo en 1953; su vida se dasarrolla en África y en los Países Bajos donde se traslada becada por dos años. Su lengua materna es el afrikáans y la realidad del continente prevalece como una segunda piel: están ahí el apartheid y el colonialismo que se manifiestan en su obra de forma permanente. El cuerpo humano y la psicología penetran en la consideración del individuo en los límites extremos del ciclo de la vida; sus imágenes las toma directamente de fotografías y de periódicos y nada es superfluo. El individuo, despojado de cualquier referencia histórica, está solo ante su condición, la soledad, el sufrimiento y la muerte; por todo ello su arte no es complaciente ni busca la belleza, crea desasosiego y es un espejo ante el que nos miramos. Las obras producidas durante treinta años fueron objeto de una exposición retrospectiva entre 2007 y 2009 bajo el título de “Relaciones Intimas”. Su obra fue inicialmente reconocida en Japón. En 1998 recibió el Premio Sandberg, el Premio de Arte Contemporáneo Coutts y el Príncipe Bernhard. En 2010 la Universidad de Rhodes Grahammstown en Sudáfrica le otorga el doctorado honorario de la Facultad de Humanidades y en el 2011 el Premio Rof Choque. Sus creaciones están en los mejores museos del mundo y en las colecciones de instituciones internacionales como el Centro Pompidou en París o la Tate Gallery.  Sería demasiado prolijo enumerar todas las exposiciones internacionales en las que ha participado y en los Museos en los que su obra ha sido expuesta temporalmente. Después de la muerte de su madre, acaecida en 2007, utiliza la imagen de grandes actrices de la cinematografía del siglo XX, como Ingrid Bergman o Anna Magnani como autenticas “Pietas” para expresar el dolor de una pérdida.  En la actualidad reside en Ámsterdam donde continua su labor artística.  Desde su percepción, esta magnífica artista, con sus imágenes desdibujadas, de color primario, desenfocadas nos alerta sobre el sufrimiento y la nostalgia, la perdida irreparable que trasciende lo individual para llevarnos a lo universal. La representación del cuerpo femenino es también una obsesión como parte de la comercialización a que se ve sometido, así como cualquier otro aspecto de nuestras vidas en la sociedad actual.  Una grandísima artista, una gran mujer.

Las flores de Mondrian

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Piet Mondrian. “Dalia roja”

 

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Piet Mondrian. “Crisantemo”

 

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Piet Mondrian. “Crisantemo”

 

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Piet Mondrian. “Crisantemo”

Entre 1907 al 1910 Mondrian realiza sobre papel, con tintas y acuarelas, una serie de obras con el tema recurrente del crisantemo y alguna que otra dalia, como la primera aquí reproducida. Su  gran sensibilidad queda bien patente por la delicadeza, la limpieza de ejecución y el sutil manejo del color. Quien no conozca esta serie, posiblemente se sorprenda, pero siempre digo que, en la trayectoria de cualquier artista, la simple investigación, el recorrido profesional le lleva en diferentes direcciones hasta encontrar el camino propio: En cualquier caso, encontrarme con estas acuarelas me ha producido la misma satisfacción que cuando pude ver las hermosas acuarelas de Rodin en su Museo de París, porque Mondrian es conocido por sus abstracciones geométricas de los años 1919 a 1944, composiciones no figurativas de formas rectangulares y cuadradas en rojos, amarillos, azules y blancos separadas por lineas negras. Por ello, algunos ven en esos dibujos y estudios de flores, un posible antecedente en cuanto le interesa cada flor  como una unidad separada y por su forma geométrica particular, sin duda.

COMPOSICIÓN Nº V

Piet Mondrian.

En esta obra posterior ya es bien patente el cambio producido.

 

Judith Leyster

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“Joven tocando la flauta”, c. 1635. Óleo sobre lienzo. National Museum, Estocolmo.

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“Un niño y una niña con un gato y una anguila”. Óleo sobre tabla, 59 x 49. National Gallery, Londres

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“Joven con jarra”, 1633. Óleo sobre tabla, 31 x 21. Colección privada.

Nacida en Holanda (Haarlem, 1609) en el seno de una familia numerosa de comerciantes y productores de cerveza, destacó a edad muy temprana por sus dotes artísticas; de hecho es una de las pocas pintoras que con diecinueve años se ganaba la vida profesionalmente con la pintura, algo poco frecuente en el siglo XVII y como tal es mencionada en un libro del cronista oficial de Haarlem en 1628. No se sabe con certeza cuales fueron sus maestros ni que siquiera lo fuera Frans Hals del que, sin duda, tiene gran influencia, del mismo modo que de su hermano Dirck Hals; lo cierto es que de ser así debió de ser antes de 1629, que es cuando ella comienza a firmar y fechar sus obras y ya trabajaba como artista independiente. Sobre esas fechas más o menos la familia se traslada a Utrecht, donde probablemente recibió la influencia de Caravaggio. Todo lo anterior es para situar mejor la obra de esta artista independiente, de habilidad asombrosa para su juventud. Alrededor de 1633 Judith Leyster era ya miembro del gremio de pintores de Haarlem, siendo la primera mujer admitida como maestra. Durante los años siguientes alcanzó un gran éxito profesional. Su obra se centró sobre todo en obras de género, retratos y bodegones. Se casó con un pintor, alumno de Frans Hals, Jan Miense Milenaer, con menos talento que ella y que la fagocitó de alguna manera (el eterno problema), porque a partir de ahí, 1640, siguió pintando en colaboración con su marido, pero sin firmar las obras. ¡Qué mal llevan los maridos que sus mujeres sobresalgan y sean mejores que ellos!

La pareja simultaneaba su vida en Heemstede, cerca de Haarlem, y en Amsterdam, donde tenían otra casa. Tuvieron cinco hijos. Murió en 1660 y está enterrada en Heemstede. Con el tiempo su obra fue olvidada hasta que el Museo del Louvre, en 1893, descubrió una pintura con su firma, J L, sus iniciales, y una estrella de cinco puntas (siempre firmaba así) oculta bajo la firma falsa de Frans Hals. La historia está llena de esas manipulaciones, robos de autorías y el peor de los maltratos: silenciar el talento de las mujeres.

Su pincelada suelta, libre, espontánea, su composición y temas se asemejan a la pintura de los Hals, hecho que sin duda propició el robo y el expolio de su obra. En las escenas domésticas, la artista supo imprimir un estilo más personal que no aparecería en la pintura holandesa hasta mediados de siglo. En 1993  se restableció su merecido lugar en la historia del arte gracias a una retrospectiva que le dedicó el National Museum of Woman in the Arts de Washington.