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Dorothea Tanning y el surrealismo (I)

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“Cumpleaños”

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“Sotto voce II”,1959

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“Far-From”, 1954

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“Naufragio en rosa”, 1958

Esta polifacética artista americana, nacida en Illinois en 1910, fue ilustradora, escritora, pintora, escultora, diseñadora y una figura notable dentro del surrealismo e incluso del impresionismo. En 1930 se marchó a estudiar arte a Chicago. Cinco años más tarde se instaló en N.Y. donde trabajó como diseñadora publicitaria y allí entró en los círculos de artistas surrealistas y dadaístas. En 1939 fue a París con cartas de recomendación, pero en un momento en el que el país se estaba preparando para la guerra y en el que los artistas de la ciudad habían huido de la capital. En 1941 trabajó ilustrando para la casa de moda Macy’s mientras pintaba dentro del movimiento surrealista. Expuso en la galería de Julien Levin y este la puso en contacto con los pintores surrealistas que se habían exiliado desde Europa huyendo del nazismo. Fue así como conoció a Max Ernst con el que estaría durante 34 años hasta la muerte de este en 1976. Peggy Guggenheim estaba organizando una exposición de mujeres en el surrealismo para su galería y Ernst visitó el estudio de Dorothea buscando un cuadro de ella para dicha exposición. Tanning tenía su autorretrato “Birthday” en el que aparece con sus pechos desnudos; ella formó parte de la exposición y ese día en su estudio fue cuando se enamoraron. Vivieron en Serona (Arizona) y en París. Tuvo amistad con Duchamp, Rolan Penrose, Lee Miller y de George Balanchine para el que diseñó el vestuario de algunos de sus ballets. Hasta el 49, que se marcharon a Francia donde pasaban temporadas en París, en Turena o en la Provenza.

Pintando en el estudio

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Llevo varios días con el router fastidiado, por lo que no he podido subir nada y hoy me he dicho que quiero dejaros una imagen mía en plena faena, pintando en mi estudio. El confinamiento obligado o voluntario por la pandemia ha hecho que pinte con una asiduidad que hacía tiempo no tenía. Y la verdad sea dicha es cuando me siento más feliz, porque te abstraes y te olvidas de todo, del virus que tantas vidas se ha llevado, del dolor de tantos y del desconsuelo de todos los que sentimos que la vida es el mejor tesoro que tenemos. Fotos, Aurelio Serrano.

Una fachada preciosa de la Catedral de Murcia por la noche

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Fotografía de Jesús Juárez Torralba.

Esta fachada barroca de la Catedral de Murcia es sin duda lo mejorcito que tenemos en la ciudad; ubicada en la plaza del cardenal Belluga es el epicentro, el eje, el corazón de la misma. Personalmente me recuerda a una plaza italiana; las terrazas llenas de gente que toman el aperitivo en este escenario tan bello o bien una copa al atardecer, cuando las luces doran la piedra, o por la noche, iluminada como en la fotografía, en cualquier momento, es un escenario que nos trasporta a otros tiempos, que nos reconcilia con el mundo tan convulso, a veces, como ahora, en el que la pandemia nos tiene acongojados. Tengo ganas de volver a sentarme en una de esas terrazas o bailar al son de los músicos callejeros en este escenario único. ¡Muchísimas gracias, Jesús, por esta instantánea tan bella!

Perle Fine y el expresionismo abstracto americano

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Reproducciones: 1ª, “Una quietud persuasiva”; 2ª “Surge, 1960; 3º, Sin título, 1946; ª, 4º, ” Figura descendiendo una escalera”, 1960

Perle Fine es otra pintora unida al expresionismo abstracto americano relativamente poco conocida a pesar de su gran categoría. Sigo pues tratando de dar voz a tantas magníficas artistas que, unidas a grandes pintores y coincidentes con estos en vida, en el tiempo, se vieron y aún se ven eclipsadas para el gran público, que no, por supuesto, para los estudiosos y críticos de arte ni para los artistas con los que se rodeó. Nacida en Boston en 1908 se mudó a N.Y. donde se fraguaba, por entonces, toda actividad creativa. Hasta 1930 estudió y se formó en distintas academias de N.Y. y Massschussetts. En 1950 fue propuesta por Willen de Kooning para formar parte del 8th Stret “Artiss Club” ubicado en el número 39. Participó durante la década de los cincuenta y durante siete años en las muestras anuales de Pintura y Escultura de N.Y. De todas las publicaciones anuales y de un total de 256 artistas de N. Y., Fine estuvo entre los 24 que aparecieron en todas ellas, dato importante por el hecho de que eran los propios artistas quienes hacían la selección. También en los años cincuenta vivió en Long Island, donde Jackson Pollok y Lee Krasner, Willem de Kooning y otros miembros de la Escuela de N.Y. fijaron su residencia de modo permanente. Murió en 1988. Podemos ver en su pintura, en distintos momentos evolutivos, elementos mironianos e incluso de Rotko, con esas superficies monocromáticas. que lo definen.

Pierre Bonnard

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Mimosa, 1915

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Autorretrato, 1889

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Jardín en Vernonnet, 1915

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Autorretrato

Polifacético Pierre Bonnard, fue pintor, fotógrafo y litógrafo francés nacido en Fortenay- aux-Roses en 1867. Unido al grupo de los nabis evolucionó a un estilo personal cercano al impresionismo. Cursó los estudios de Derecho y ejerció la abogacía, pero comenzó a tomar clases de pintura y dibujo en la Académie Julian. Allí entró en contacto con Mauricie Denis y Paul Sérusier cuyo cuadro, hoy en el Musée d’Orsay, “El talismán” le causó una fuerte impresión; esta obra, siguiendo el sintetismo de Gaugin y el simbolismo, la aplicación del color sobre todo y el arte japonés, tan en boga en aquellos años, le empujó a dedicarse plenamente a la pintura. Son años de gran efervescencia en el mundo del arte. Van Gohg llega a la Provenza en 1888. En su primera exposición colectiva expuso junto a Sérusier, Denis, Xabier Roussel, Edouard Vouillard… y, decidido plenamente a dejarlo todo por el arte, alquiló un taller en Montmartre. El grupo de los nabis, muy unido al teatro, le llevó a realizar decorados y vestuarios para obras de teatro como “Ubu roi” de Jarry en 1896. Asimismo diseñó vidrieras, tejidos, muebles e ilustró revistas como “la Revue Blanche”, periódicos y libros. Su actividad se puede decir que lo abarcó todo. Y, como a tantos, la luz del Midi le influyó de modo bien claro y le llevó a reinterpretar el impresionismo de Renoir y Monet. En las dos últimas décadas de su vida realizó muchas exposiciones y fue reconocido por artistas como Matisse, Signac o Rouault.

Roderic O’Conor

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Autorretrato

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Autorretato

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Campo de trigo en Pont-Aven, 1892

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Acencándose a De Lezaven Manor House en Pont-Aven, c. 1824

Roderic O’Conor es posiblemente el mejor y más reconocido pintor irlandés. Nacido el 17 de octubre de 1860, murió en Nueil-sur-Layon en 1940. Este magnífico pintor trató todos los temas, el paisaje, el retrato, el desnudo, bodegones… y, aunque pertenece en parte a la escuela de Pont Aven por su cromatismo y su técnica, su obra tiene una gran personalidad propia. Magníficos estos dos autorretratos y los cuadros donde se percibe la influencia que tuvo su estancia en la Bretaña, concretamente en Pont Aven, donde trabajó con el mismo Gaugin, con el que trabó gran amistad. O’Conor nació en el condado de Roscommon y asistió a las clases del Ampleforth College de Yorkshire, en la Escuela Metropolitana de Arte de Dublín y en la Real Academia de Hibernian; con posterioridad marchó a Amberes, donde prosiguió sus estudios en la Académie Royal y más tarde a París, donde quedó fascinado por los impresionistas, mas pronto se dio cuenta de que había que ir más allá, que había que cruzar sus límites. Su inspiración y ganas de experimentación le llevaron a la pintura post impresionista. Trabó amistad asimismo con Paul Sérusier, Émile Bernard y Armand Seguin. Y, cómo no, expuso en varias ocasiones en el reputado Salón de Otoño. En su vejez se casó con su modelo y amante Renée Honta. Tuvo una carrera prolifera y murió con ochenta años.

Helene Schjerfbech y El Greco II

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Madonna de perfil

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Madonna, después del El Greco

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Madonna azul.

En sus viajes por Europa Helene quedó fascinada por pintores clásicos como El Greco, Cimabue y Fra Angelico. Las madonas estilizadas del Greco están presentes en estas versiones que ella manifiesta así : “Siempre he añorado las profundidades oscuras del alma, que aún no se han encontrado, donde todo es aún inconsciente, precisamente por ellos se pueden hacer descubrimientos”. Son todas de 1945

Helene Schjerfbech

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Reproducciones: 1º No he encontrado el título; 2ºCamelias, c. 1934; 3º Rosas en un jarrón azul verdoso, 1942; Autorretrato con vestido negro, 1934; 4º Autorretrato 1945. 

Esta magnífica pintora  finesa nació en 1862 en Helsinki. Una ruptura de cadera a los cuatro años la marcó de por vida. En 1880 viajó a Paris para ampliar sus estudios tras haber estudiado en diversas escuelas de Arte; allí recibió clases con León Bonnat y Madame Trélat de Vigny y además en la Académie Colarossi. “Soldado herido en la nieve” fue su primera obra importante, que compró la Sociedad Finlandesa de Arte. Su obra “Muchacho dando de comer a su hermanita” se encuentra en el Ateneum de Helsinky tras su exposición en el Salón de París, con un estilo naturalista. Siguió  exponiendo en dicho Salón con otra obra: “Funeral en Bretaña”, que se encuentra en el Museo Pojanmaan de Vaasa. Es de destacar “La puerta” con un estilo más personal e impresionista. Su estilo fue buscando lo esencial, simplificando las cosas. Destacan sus bodegones y sus flores de bello colorismo. No obstante lo que más apreciaba eran los retratos donde fijar la personalidad y carácter de los retratados. Estuvo dando clases en su ciudad natal hacia 1890. En 1902 se trasladó con su madre a Hyvinkaa. Se le ha comparado con pintores de la talla de Macneill Whistler y Munch aunque su estilo se vuelve inconfundible a partir de 1905. En 1944 se mudó a Saltsjobaden donde vivió hasta su muerte dos años más tarde. Personalmente sus autorretratos me gustan muchísimo, la mordacidad rondando los ochenta años de edad los hace únicos.

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Picasso autor teatral

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Cuando Picasso se refugia en el sur de Francia, tras el divorcio de su mujer Olga, se dedica a escribir; fruto de esos escritos es esta obra de teatro “Les quatre petites filles” título original traducido por Teresa León, mujer de Alberti, como “Las cuatro niñitas”. La obra se publicó por Gallimard en 1969 y vio la luz en su versión española en 1973 en Aguilar. Esta obra teatral dividida en seis actos es absolutamente surrealista. Los diálogos de estas cuatro niñas y sus juegos son propios del teatro del absurdo; ni unos ni los otros tienen un desarrollo ni un desenlace, son juegos de palabras que forman y conforman, aun así, unas imágenes líricas, las menos, pero siempre con una fuerza visual increíble. La crueldad de los niños es lo que queda patente en estos diálogos absurdos. Obra no obstante curiosa, fruto de la mente de este creador innato que fue Pablo Picasso. La portada fue hecha por él mismo.

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Picasso y el Minotauro

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Reproduccion: “Minotauro y yegua muerta frente a una gruta y niña con velo”, Pablo Picasso, 1936

El Minotauro está muy presente en la obra de Picasso y lo representa en diversas obras, esta en concreto refleja muy bien la fuerza , brutalidad y lujuria del mito del Minotauro que fue concebido por Parsifae, esposa de rey Minos de Creta, cuando esta se apareó con un toro. La consecuencia de esta relación fue un ser que tenía el cuerpo de un hombre y la cabeza de un toro. Para el pintor, el minotauro representaba la naturaleza dual del hombre. La mitología nos habla de que lo mantuvieron en el laberinto y que cada siete años se le ofrecían siete jóvenes y siete doncellas para su sacrificio. Y fue Teseo, el héroe, el que se ofreció como víctima y el que consiguió matar a la bestia consiguiendo escapar del laberinto gracias a un ovillo que le había dado Ariadna, la hija de Minos.

Cuando la esposa del pintor, Olga lo abandona, este se refugia en el sur en Juan les Pins, en la Riviera francesa. Su amante estaba embarazada y la Guerra Civil española le afectaba muy directamente, de modo que durante este periodo se dedicó a escribir poesía surrealista y a pintar escenas brutales, como esta en la que el minotauro, que acaba de dar muerte a una yegua, muestra en su rostro una bondad y una sonrisa que contrasta con el horror de la niña tapada con un velo. Una alegoría más de las que el maestro, a su manera, hace un alegato contra la guerra y la brutalidad d los hombres