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Tsuguharu Fujita

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Tsuguharu Fujita, más conocido en el mundo artístico como Fujita Tsuguji fue un pintor japonés (Tokio 1886-Zürich 1968) y miembro de una familia de  samurais de alto rango. Estudió en Tokio en la Escuela Imperial de Bellas Artes donde se graduó en 1910. A año siguiente logró un gran éxito con su obra “El Emperador de Corea”. Como era de esperar en 1913 se traslada a París y allí entabla relación con Amedeo Modigliani, Picasso y Matisse. En 1920 pasó a ser miembro permanente del famoso Salón de otoño. Unos años después hizo una exposición en su país que recibió muy buenas críticas, Y es a partir de 1930 cuando se establece definitivamente en París. Viajó por América del norte y sudamérica y volvió a Japón para realizar varios murales. Dominó las técnicas de la acuarela y el óleo y supo integrar su peculiar estilo de pintar oriental con estas dos formas de pintar occidentales, pero sin olvidar sus líneas japonesas de trazo preciso y delicado, así como su cromatismo. Sus temas preferidos fueron los retratos, la naturaleza, los animales domésticos y los desnudos femeninos. Algunos críticos catalogaron su obra dentro del manierismo cromático. Expuso en todas las capitales europeas y sus obras están en los más importantes museos del mundo como el Museo de Arte Moderno de París y el de Artes Decorativas de París. Realizó además ilustraciones para distintas obras como una edición japonesa del Apocalipsis y las vidrieras y murales de la Capilla de Nuestra Señora de la Paz de Reims en 1966. Se le encargó la decoración del Pabellón Japonés de la Ciudad Universitaria de París por encargo del gobierno de su país. Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial regresó a Japón pintando escenas de batallas para el ministerio de Defensa y de la Marina. En 1942 recibió el premio cultural Asahi el máximo galardón que podía recibir un pintor por su obra “El último día de Singapur” . En 1948 vivió en Estados Unidos estudiando la pintura que allí se hacía; un año después se estableció definitivamente en París y se le concedió la nacionalidad francesa en 1955. Antes de morir su esposa y él se convirtieron al catolicismo y él recibió el nombre de Leonardo, mejor homenaje al de Da Vinci imposible. Murió en un centro hospitalario de Zürich.

Títulos de los cuadros: “Kiki de Montparnasse”, 1920; “Nu à la toile de joux”; “Fujita con Madelaine en Tokio”, 1934.

La Estirga y D. Francisco Torres Monreal

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La Estirga, foto Bárbara

La Estirga, que suele escribir en verano sobre todo, me acaba de mandar saludos para el catedrático de francés de la Universidad de Murcia D. Francisco Torres Monreal. Ella, que tiene un oído muy fino, sabe quién habla de ella y de que manera; le resuenan  sus hermosas palabras y, como cualquiera, es sensible a los halagos y frágil a pesar de su corazón de piedra. La Estirga, no nos equivoquemos, atesora la sabiduría que, como centenaria, le otorgan el tiempo y el ser testigo de la condición del hombre. Desde arriba nos contempla, nos escucha y sopesa su evolución consciente de que, a veces, no somos todos lo suficientemente sensibles como para saber toda la sabiduría que atesoran las criaturas que no son como nosotros. ¡¡¡Gracias!!!

 

Picasso y Jaqueline Roque

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Las dos fotografías corresponden a la última mujer de Picasso, Jaqueline Roque, y supongo que se hicieron en Mougins, en el sur de Francia. En la segunda, Jaqueline, coge con la mano a esa extraña y divertida “mujer” con un cántaro en el otro brazo. En los últimos años de su vida, Picasso en su retiro en el sur de Francia se dedicó sobre todo a la escultura y a la cerámica, aunque nunca dejara de pintar hasta su muerte un 8  de abril si no recuerdo mal. Desconozco si las fotos son de Brasaï, uno de los que más fotografiara la vida y la obra del genio español.

Chaïm Soutine

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“Vista de Cagnes”

 

Cagnes Landscape with Tree c.1925-6 by Cha?m Soutine 1893-1943

“Paisaje de Cagnes con árbol, c. 1925-26

 

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“Paisaje de Céret II”

 A este pintor lituano nacido en Smilovich en 1893, se le integra en la llamada Escuela de París. Miembro de una familia ortodoxa rusa cuya religión prohibía las reproducción de imágenes tuvo que luchar para poder dedicarse a la pintura. Se formó en Minks y en la Escuela de Bellas Artes de Virna. Finalizada esta marchó a París instalándose en Montparnasse, y ya en la ciudad luz continuó su aprendizaje en la Escuela de Bellas Artes de París; allí  conoció a Amedeo Modigliani con el que mantuvo una gran amistad. Un coleccionista le compró bastantes obras, lo que alivió su precaria situación económica.  Expuso por primera vez en la galería de Henri Bing. De procedencia judía, durante la ocupación de los nazis se escondió en un pueblo, cerca de Tours; dormía en los bosques, siempre con temor de que lo delataran a la Gestapo. Esta situación le agravó una úlcera estomacal, sufriendo una perforación gástrica que finalmente le llevó de nuevo a París donde fue operado, muriendo en la mesa de operaciones en 1943.

Su pintura es frenética; pintaba como poseído y obsesionado; bebe de los clásicos en sus visitas al Louvre, admiraba a Rembrandt, a el Greco, a Chadin… pero su mirada es apasionada, personalísima y se le etiquetó como pintor maldito. El MoMA le dedicó una retrospectiva en la que se advierte como puente al expresionismo abstracto. El museo de L’Orangerie de París reúne más de cincuenta de sus obras. Yo me atrevería a decir que es el pintor del caos, algunos críticos lo definen como el caos ordenado, en todo caso es claramente su “caos”.

Retrato de María José

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Retrato de María José, óleo sobre lienzo, 2020

El confinamiento hace que trabajemos más o que dediquemos nuestro tiempo a hacer lo que nos apetece de verdad. Este retrato, como todos los que he hecho, están motivados o surgen desde el cariño hacia la persona retratada. No sé si habré conseguido esa sonrisa que tanto la caracteriza, por lo menos lo he intentado. El fondo quería que fuera alegre como es ella, con motivos florales solo sugeridos por el color sin forma concreta alguna.

Retrato de papá

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Retrato de Pedro García Saura, Bárbara Carpi, óleo sobre lienzo, 2015

Qué puedo decir de este retrato que hice después de la muerte de papá. Nunca sería nada objetiva porque en él está todo el cariño que siempre le tuve. Él fue el mejor padre, el que nos contaba cuentos cuando éramos pequeñas, el que nos arropaba, el que nos llevaba al cine, a aquel cine de Mahón donde ponían películas para niños en aquellas sesiones de matiné… De lo que sí estoy orgullosa es de su mirada que creo he sabido captar, esa mirada que lo dice todo… la de un hombre esencialmente bueno.

Alvar Aalto, arquitecto y diseñador finés

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Silla Paimio

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Iglesia parroquial de Riola

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Auditorio  The Finlandia Holl, 1962

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Jarrón Savoi, 1936

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Biblioteca de Viipuri

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Biblioteca de Viipuri, sala de conferencias

Alvar Aalto es una figura destacadísima del diseño y la arquitectura nórdica del pasado siglo, a la altura de Le Corbusier o van der Rohe. Para el diseño del mobiliario y de los interiores utiliza las materias primas más comunes de su país, como la madera, suavizando las formas. Nació en Finlandia en 1898 y estudió en Helsinki. Alvar, como sus contemporáneos, entendió que cualquier objeto por sencillo que sea puede ser objeto de diseño actual. Al principio recibió la influencia del Romanticismo nacional y del Clasicismo después. Una de sus primeras obras importantes fue la Biblioteca de Viipuri,  en Viborg, cuyo techo del salón de conferencias está formado por listones de madera muy finos que adoptan formas onduladas para favorecer la acústica. En 1925 se casó con la también arquitecta Aino Marsio, que colaboró en varios de sus proyectos. Formaron un buen equipo, viajaron por Europa y se impregnaron de los distintos movimientos de vanguardia. Desde 1935 participó en la Exposición Internacional del Mueble de Londres y dos años más tarde funda con su esposa la empresa Artek en la que se exhiben obras de arte del diseño orgánico del siglo XX. Para su mujer diseñó la primera silla con una estructura de madera autoportante, la silla Paimio, para que los enfermos pudieran respirar mejor, aunando diseño y funcionalidad. Estas dos últimas constantes, sumadas a su preocupación ergonómica y orgánica, que nunca le abandonaron, caracterizan toda su obra. De alguna manera lo humano y la naturaleza unidas como fuente de inspiración. Muy conocido es también el jarrón Savoi, que hoy se puede comprar por Internet; aviso para todos los amantes del buen diseño.

Georgiana Houghton

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“El Señor resucitado”, 29- 6- 1864

 

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“Flor de Catherine Emily Stringer”,

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“El ojo del Señor”, 1864.

Esto se podría llamar el insólito caso de Georgiana Houghton, una pintora victoriana nacida en Las Palmas de Gran Canaria en 1814, que ha estado olvidada y redescubierta como la primera pintora abstracta de la historia. Alguna de sus obras que han pasmado a los críticos de arte más afamados, como el del Times, tienen algo en común con algunos de los inicios de Georgia O’Keefe. Nacida en España en el seno de una familia de comerciantes que se trasladó a Londres, tuvo una  importante relación con el espiritismo, que la llevó a afirmar que “el espíritu es quien conduce mi mano”. La muerte de su hermana y después de sus padres la llevó al espiritismo para poder comunicarse con ellos. Su obra, de haber sido conocida y difundida, se habría adelantado a la obra del ruso Kandisnky, a sus teorías del arte abstracto de 1910 y a su consideración del primer artista abstracto. Su familia se arruinó y su vida no fue fácil, hacía de médium y producía “dibujos de espíritus”. Expuso en 1871 en la New British Gallery y se arruinó con ella. Se hizo fotógrafa para captar con su cámara sombras y signos de otra vida. Murió en la pobreza en Londres en 1884. La mayoría de sus obras terminaron en Australia donde se preparaba una exposición que al final no llegó a realizarse. La exposición londinense costaba de 150 acuarelas. Al morir casi todas sus obras fueron heredadas por la Unión de Espiritistas Victorianos de Melbourne. La pregunta que nos hacemos muchos es por qué su obra fue olvidada, por su relación con el espiritismo o por el hecho de ser mujer, ya que otros autores decimonónicos, como Victor Hugo o Conan Doyle, estuvieron relacionados con estas prácticas y sin embargo ahí están para la historia. Otro caso lacerante de mujer artista “olvidada”. Quizás algún día se debería revisar este orden de cosas y hacer justicia para todas ellas. Es increíble que estos dibujos de marañas de hilos que evocan el dibujo surrealista automático de André Masson de 1920 y los psicodélicos de los años 60 fueran hechos por esta pintora victoriana.

Publicó: “Evening at Home in Spiritual Seánce”  y”Crónicas de las Fotografías de Fenómenos y  Seres espirituales invisibles al Ojo Material”

 

Isabel Guerra, la “pintora de la luz”

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Sin título.

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“Confío en tu palabra”.

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“Ven en ayuda de mi soledad”

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“Sobre rastrojos, sueño de primavera”, 1985

Isabel Guerra, esta pintora universal, nació en Madrid en 1947. Su pintura extraordinaria va más allá del realismo, tampoco se puede calificar de hiperrrealismo, yo no lo haría, pero sí que su realismo es muy velazqueño. La importancia que esta grandísima pintora otorga a la luz es notable y por eso es conocida como la “pintora de la luz”. Por todo ello, siendo una pintora de hoy, su obra es de un clasicismo imperecedero. Comenzó a pintar de forma autodidacta a los doce años y expuso por primera vez a los quince en la galería Toisón de Madrid. Estudió en el Museo de El Prado, viendo a los grandes maestros y leyendo con avidez libros de arte. Ingresó en el monasterio cisterciense de Santa Lucía en Zaragoza en 1970. Este hecho otorga además una dimensión casi mística a su pintura, que se refleja claramente en su manera de hacer, de impregnar cualquier tema que trata, desde sus retratos a sus bodegones. Sus dibujos al carboncillo son de una calidad insuperable. Es académica de honor de la Real Academia de Bellas Artes de San Luis y de la Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo. Ha realizado más de treinta exposiciones, estando su obra cotizadísima.

Mariposa

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Estas fotos son de Jerónimo García, mi querido corresponsal en Ceuta, en las que se aprecia el BN y el color. Y en este caso sí que no sé con cual quedarme, si tuviera que elegir entre una u otra, aunque posiblemente con la primera, cuya elegancia le gana al color. Es lo que tiene el BN, esa fuerza tan maravillosamente basada en los contrastes y en los grises, igual que en la vida. !Muchas gracias, Jero!