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Nicolas de Staël

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“Composición gris”, 1948

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“La Luna”, 1953

La vida de este ruso nacionalizado francés estuvo marcada por la revolución de 1919. Su padre, de origen aristocrático y al servicio del zar como teniente general, y toda su familia tuvo que emigrar a Polonia tras la revolución. Tras la muerte de sus padres, él y su hermana Marina fueron acogidos por una familia rusa que vivía en Bruselas. Nicolas estudió diseño y decoración en la Academia de Bellas Artes de Bruselas y arquitectura en la Academia de Saint Gilles. Comenzó sus estudios en 1933 y durante esta década realizó viajes por Europa y Marruecos, que fueron decisivos para encontrar su estilo definitivo. Con su compañera Jeaninne Guillou viajó por Italia y Argelia hasta la muerte de esta en 1946. Se inició como diseñador de decorados y en 1936 realiza su primera exposición de iconos y acuarelas de estilo bizantino. Se instaló en Paris y asistió a las clases de Fernand Léger. Después de su paso por la Legión Extrajera, ya en Niza, conoce al grupo de Sonia Delaunay, Alberto Magnelli y Goez que influyeron en su trabajo de forma que se adentra por primera vez en la abstracción. Su obra se caracterizará desde entonces por aunar la abstracción con la figuración con una materia impastada y de gran belleza; su temática fueron sobre todo los paisajes donde sobresale la armonía; al pasar al gran formato sus cuadros pierden este empaste pero ganan en luminosidad. Expuso en N. Y.  en 1950 con gran éxito, lo que le valió un contrato en exclusiva con Paul Rosenberg, el gran galerista. Después de esto el éxito le obligo a trabajar sin descanso hasta que una depresión le llevó a suicidarse en Antibes, en el sur de Francia.

 

Henry Moore, dibujos de guerra

A Tilbury Shelter Scene 1941 by Henry Moore OM, CH 1898-1986

“Una escena del refugio de Tilbury”, 1941

Shelterers in the Tube 1941 by Henry Moore OM, CH 1898-1986

1941

Museo Thyssen- Bornemisza

“Tres figuras sentadas”, 1941

Estos dibujos corresponden a la serie Escenas de Refugio que el artista realizó impresionado por lo que presenció en la estación de Belsize Park del metro, cercano a su casa,  mientras era bombardeada la ciudad de Londres. Fue en la noche de septiembre de 1940 cuando él y su esposa tuvieron que refugiarse de las bombas y lo que allí contempló lo trasladó al papel en una serie de dibujos conmovedores. Los bombardeos alemanes dejaron más de la mitad de la ciudad en ruinas. El propio Moore lo narra así: “Vi cientos de figuras, extendidas a lo largo de los andenes, incluso los túneles parecían ser los agujeros de mis esculturas”. En enero del cuarenta y uno el director de la National Gallery de Londres le invitó para que se convirtiera en el artista oficial de la guerra y durante un año se dedicó exclusivamente a dibujar lo que vio, trabajo que realizó de memoria en su casa de campo de Perry Green, donde se trasladó al ser destruido su estudio londinense. El dramatismo del último de los dibujos, de las tres figuras femeninas destacadas sobre los ladrillos del metro nos trasmite la desolación y la expectante tensión.

Etapa surrealista de Rothko

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Fantasía del mar, 1946

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Paisaje primaveral, 1945

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Falange of the mind, 1945

 

Esta etapa surrealista de Rothko (1930 – 1970) se refiere sobre todo a la cuestión del origen de los seres unicelulares, a la naturaleza con sus incógnitas, sus preguntas sin resolver sobre el origen del mundo natural que abarca al hombre y a todo lo que tiene vida; es decir a las formas embrionarias y al mito de los orígenes. Para ello se vale del signo, de la línea y del color, pero al mismo tiempo alude al inconsciente del hombre, de modo que coexisten dos aspectos, el surrealista y lo primitivo, que forman un todo. En estos años, Rothko, utiliza para estas obras sobre todo la acuarela, cuya técnica de color diluido en un medio utilizará después igualmente con el óleo y los acrílicos. El color se  va diluyendo, pero también los contornos y, en etapas posteriores, solo el color será fundamental en su obra. Las formas de estos años surrealistas de Rothko se relacionan con frecuencia con Miró y Masson.

Matisse y el velador

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Matisse

Este velador, al que parece que al pintor le faltara un trozo de lienzo, me resulta sorprendente y sobre todo original. No así el hecho de que levante el plano del pequeño velador colocando la superficie de la mesita de frente, algo que ya se había hecho, sino que no le importe que el resto se nos hurte; pero ello, lejos de molestar, por lo menos a mí, me resulta genial y me digo: “Eso es hacer lo que a uno le dé la gana, saltándose todas las normas a la torera. Viva la libertad de expresión”. Y forzando de esta manera la perspectiva consigue que nos fijemos más en cada uno de los detalles de la obra. Por todas estas cosas es un cuadro que me encanta y que no deja de atraparme. ¡Ay, si Cézanne levantara la cabeza!

Gaugin, los comienzos

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“Jardin sous la neige”,1879

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“Les maisons de Vaugirard. Edificios de la granja”, 1880

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“Vase de Fleurs a la Fenêtre”, 1881

El primer cuadro se presentó en la quinta exposición de los impresionistas en 1880. Se trata de una de sus primeras obras donde ensaya los efectos de la nieve con una pintura más densa. Estas primeras pinturas más convencionales aún no son los “gaugins” que conocemos y que se desarrolla plenamente en Haití. Este cuadro se pintó en el barrio de Vaugirard y en él la pintura  se ve pesada y granulosa a pesar de la ligereza del color. El segundo cuadro está dentro de la tradición del paisaje realista visto desde arriba que inventó Corot y que después desarrollaron Pissarro y Cézanne. En el tercero y último, ensaya todos los temas tratados por los impresionistas; en él los objetos están dispuestos estructurando la composición en planos horizontales y verticales.

Masao Yamamoto, la esencia

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Yamamoto es un pintor apasionado de la fotografía en pequeño formato, que envejece a propósito para evocar tiempos pasados y hacernos reflexionar sobre la naturaleza. En realidad también se le podría definir al revés; en definitiva es un artista que se vale de los dos medios para expresarse. Yamamoto nació en la prefectura de Aichi, en Japón, en 1957; ha expuesto en todo el mundo, pero sus primeras exposiciones las hizo en S. Francisco y en N. Y. y su obra se encuentra en innumerables museos que sería demasiado prolijo de enumerar. Vive en la Prefectura de Yamanashi en plena naturaleza; su constante diálogo con ella y el estudio minucioso del microcosmos, de los bonsais – árboles en miniatura- de las aves, del vuelo de las grullas nos hablan constantemente del que se asombra ante la belleza de todo lo creado. Sus obras han sido descritas como haikus visuales. Despoja sus fotografías de lo superfluo, movido por la filosofía zen y el taoísmo, y pretende, como Lao Tsé que tengan el máximo contenido con el mínimo continente.

Don Hong-Oai, maestro del pictorialismo fotográfico asiático

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“Lago artificial”, 1987

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“Flotando en primavera”, 1990

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“Esperando”,1984

Este gran maestro de la fotografía nació en la provincia de Guangdong, China, en 1929 y murió en el 2004 en los Estados Unidos. Su vida transcurrió entre Vietnam y EEUU. De niño trabajó en un estudio fotográfico y  después estudió en la Universidad de Vietnam College of Art. Abandonó Vietnam tras la guerra con los Estados Unidos y se instaló en California en 1979. Apasionado de los paisajes de su tierra no dejó de volver una y otra vez para retratar sus árboles, montañas, barcas, pájaros. Se le encuadra dentro del pictorialismo asiático, nacido en los años cuarenta en Hong Kong, entre los que destaca el gran maestro Long Chin-Sang que murió con 104 años en 1990 y con el que este estudió. La delicadeza, serenidad y belleza queda patente en cualquier fotografía de este maestro. El realismo de sus imágenes no es su objetivo, sí lo es la búsqueda de la belleza con mayúsculas; utilizaba más de un negativo pare crear hermosas imágenes, utilizando a veces alegorías visuales. Su técnica basada en la tradición clásica se apoya en el principio de que el artista tiene que sentir la esencia de lo que quiere representar, su resonancia espiritual, cuidando en situar los elementos de la composición, fidelidad de lo representado….

Tuvo el reconocimiento internacional unos años antes de morir, ganó cientos de premios y fue miembro de la Federación Internacional de Artes Fotográficas en Suiza y de la Sociedad Fotográfica de Chinatown. Sus fotografías son de una belleza tal que emociona.