La técnica y precisión de Clara Peeters nos asombra cuando descubrimos en los reflejos metálicos de alguno de los objetos de sus bodegones, como jarras, autorretratos de la artista.

Clara Peeters «Alcachofas, cangrejos y cerezas». Colección privada.

Clara Peeters «Pescado y candelabro». Museo del Parado.

Clara Peeters «Bodegón con golosinas, romero, vino, joyas y vela encendida». Colección privada.

Clara Peeters. Óleo sobre tabla. Museo del Prado procedente de la colección de Isabel de Farnesio.

Pintora barroca supuestamente nacida en Amberes que pertenece a ese grupo minoritario de mujeres pintoras del siglo XVII y que, como las italianas, pudo vivir profesionalmente de la pintura por ser hija y nieta de pintores y que, por lo tanto, se formó en el ámbito familiar. Se la considera una de las iniciadoras del bodegón o naturaleza muerte en los Países Bajos. Destacó precozmente en la pintura de bodegones. Su primera obra la firma en 1607; contaba con unos catorce años. Los datos de su biografía son inciertos, si bien investigaciones recientes indican que pudo haber nacido en Malinas hacia 1587, siendo su nombre de nacimiento Clara Lambrechts, casada con el pintor Henrick Peeters. Clara desarrolla una gran actividad hasta 1621. Se conservan 39 obras con su firma. Hay que incidir en el hecho de que en su época a las mujeres pintoras no les estaba permitido el estudio de los cuerpos masculinos desnudos, por lo cual era muy recurrente que se dedicaran, como ella, a la realización de bodegones o a la recreación de temas religiosos o bíblicos femeninos. Meticulosa en el detalle, sus composiciones con objetos metálicos, jarrones, flores, quesos o piezas de caza o pesca, en apariencia sin orden, crean, sin embargo, unos conjuntos de un realismo y colorido magníficos. La belleza y viveza de sus naturalezas muertas hacen de la Peeters una pintora de primerísima fila, que realizó su obra antes de que Velázquez, por ejemplo, se iniciara en la pintura. Una característica de Clara Peeters es la inclusión en los reflejos de sus copas u objetos metálicos de su autorretrato, cosa que imitaron después otros pintores. El Museo Nacional del Prado cuenta en su colección permanente con cuatro de sus mejores bodegones, tres de ellos fechados en 1611. En octubre de 2016 hasta febrero de 217 el Museo Nacional del Prado organizó por primera vez, desde sus 200 años de historia, la exposición de una pintora, la de Clara Peeters. ¡Ya iba siendo hora!

Artemisia Gentileschi «Judit y su doncella». Palazzo Pitti (Florencia)

Artemisia Gentileschi «Autorretrato como alegoría de la Pintura». Royal Collection.

Artemisia Gentileschi «Judit decapitando a Holofernes»

Artemisia Gentileschi «Venus y Cupido».

Artemisia Gentileschi es otra magnifica exponente de la pintura barroca del siglo XVII. Nacida en Roma, también aprendió en el taller de su padre, el pintor Orazio Gentileschi, de la escuela naturalista romana de Caravaggio, el dibujo y las técnicas al óleo. En su quehacer desarrolló tema religiosos e históricos y son de destacar sus personajes femeninos como Cleopatra, Judit, Betsabeth… donde muchos ven en ellos un tratamiento marcadamente feminista, quizás también por un hecho que marcó su vida, su violación por parte de su maestro el pintor Agostino Tassi. Este suceso y el siguiente proceso están sobradamente documentados e incluso se han escrito diversas novelas teniendo a Artemisia como eje de la narración. Trabajó en distintas ciudades de Italia y en Londres bajo el auspicio de Carlos I. Comenzó en Roma desde donde pasó a Florencia y allí fue la primera mujer en entrar en la Accademia delle Arti del Disegno. Su extraordinario trabajo de factura impecable obtuvo la protección de Cosme II de Medici; trabajó en Génova y después en Venecia, donde conoció a Sobonisba Anguissola y a Van Dyck, y por primera vez una artista, mujer, recibió el encargo de realizar la pintura al fresco de la iglesia de Pozzuoli, cerca de Nápoles; antes se limitaban a realizar, por encargo, la llamada pintura de caballete. Después de su estancia en Londres, desde 1638 a 1641, regresó a Nápoles donde vivió hasta su muerte sobre 1656. A lo largo de los años, Artemisia realizó diversas versiones de algunos de sus cuadros, como «Judit degollando a Holofernes», que se puede encontrar en los Uffizi de Florencia. Otro caso es el de «María Magdalena como Melancolía», cuya primera versión se encuentra en la Sala del Tesoro de la catedral de Sevilla y la otra en México. Artemisia Gentileschi es una más de las artistas italianas que consiguieron fama internacional por su extraordinaria calidad, la luminosidad de seda de los vestidos, la pincelada prodigiosa y minuciosa, sus empastes y el colorido, acentuando el claroscuro a la manera de Caravaggio. Ese caravaggismo violento con el que retocó alguno de los cuadros de su padre y que no era lo esperado en una pintora. ¡Fantástica Artemisia Gentileschi!

Elisabetta Sirani, «Retrato de Beatrice Cenci»

Elisabetta Sirani, «Porcia hiriéndose en la pierna»

Elisabetta Sirani, «Virgen de la pera»

Elisabetta Sirani, «Autorretrato».

Brillantísima pintora italiana de estilo barroco miembro de la escuela boloñesa del siglo XVII y una de las pocas que tuvo proyección internacional. Nació en 1638 y su prematura muerte con solo 27 años truncó una carrera prodigiosa que, según los entendidos, podría haber seguido los pasos de Lucas Jordano (barroco decorativista); siempre el comparativo masculino en el tema de las artes, aunque solo la contemplación de su pintura nos da una idea de la categoría excelsa de toda su obra. Otra caso de pintora que aprende el oficio en el taller de su padre y así, con diecinueve años, se hace profesional, dado que, por la enfermedad de este, tuvo que hacerse cargo del taller para mantener a la familia. El apoyo que tuvo de su futuro biógrafo, el conde de Malvasía, fue decisivo para obtener el reconocimiento internacional y cabe destacar que, entre sus clientes, se encuentra el Gran Duque Cosme III de Medici. Su prematura muerte estuvo envuelta en polémicas; se culpó a su padre de hacerla trabajar frenéticamente. Sus temas predominantes suelen ser religiosos y a su muerte se pueden catalogar más de doscientas pinturas, amén de dibujos a tinta y lápiz. Sus hermanas, Bárbara y Anna María, también pintoras, trabajaron en el taller familiar así como doce de sus discípulas. Su funeral, que incluyó lecturas poéticas y música, lo presidió un gran catafalco y su efigie a tamaño natural. Está enterrada en la Basílica de Santo Domenico de Bolonia. En sus obras, la Sirani suavizó los claroscuros con sombras tostadas típicas de la escuela de Bolonia, al contrario que en sus dibujos, donde predominan los fuertes contrastes de luces. En España hay catalogadas dos obras suyas en el Palacio de Liria de Madrid. El retrato de Beatrice Cenci, el primero aquí reproducido, es de una belleza y delicadeza exquisita y en él se puede apreciar el llamado «efecto Rafael» que consiste en que coincida el lagrimal del ojo, izquierdo en este caso, con la mitad horizontal del cuadro.

Cuando Vincent van Gogh llega a la Provenza en el invierno de 1888 nevaba; por ello sus primeros cuadros son paisajes donde domina el blanco, espacios nevados de gran serenidad y sobria belleza. Con la llegada de la primavera, descubre la luz del sur y su paleta cambia para pasar a captar la del Mediterráneo. La belleza de los nuevos colores impregnará sus telas y como un «runner» decide recorrer a pie toda la Provenza, visitar los pequeños pueblos costeros, cargando con sus lienzos, conviviendo con los pescadores, pintando todo lo que ve; sintiendo el mar y las olas que rompen en primer plano como en esa marina firmada solo con su nombre. En la segunda obra, con las canoas y el pescador que, pacientemente, espera que piquen los peces en medio de las aguas tranquilas de un río, ¿quizás el pequeño Ródano?; en sus riveras estalla la naturaleza que le rodea, que en la Provenza lo mismo cubre los campos de girasoles como los de lavandas, llenando de amarillos y lilas la paleta de Vincent van Gogh.

Titulo de la marina: «Paisaje marino en Saintes Maries». Del segundo lo desconozco.